Hablar de las mejores tablas de skate —o patinetas, como se dice en buena parte de Latinoamérica— de la historia es una misión imposible. Lo mismo si llamas al diseño que llevan debajo “gráfico”, “arte” o “dibujo”: los términos cambian, los iconos no.
No porque falten candidatos, sino porque sobran.
Cada generación tiene sus favoritos. Algunos recuerdan la primera vez que vieron una Screaming Hand en una pegatina pegada a una farola. Otros crecieron soñando con una Skull and Sword de Powell-Peralta colgada en la pared de su habitación. Y hay quien todavía siente algo especial cuando se cruza con una tabla de Gonzales, Templeton o Natas Kaupas.
Por eso queremos dejar algo claro desde el principio.
Esto no es un ranking definitivo, ni pretende ser una lista objetiva.
Es nuestra selección de las tablas, diseños y gráficos más icónicos que ha dado la historia del skateboarding — de las clásicas old school de los 70 y 80 hasta los grandes hitos de la era moderna. Casi todas son piezas vintage que hoy se cotizan alto en el coleccionismo.
Hemos revisado libros, entrevistas, catálogos históricos, revistas como Thrasher, Juice o Jenkem y decenas de fuentes especializadas para construir una línea temporal que explica cómo una simple tabla de madera terminó convirtiéndose en uno de los soportes artísticos más reconocibles de la cultura popular. Porque el skate hizo algo que muy pocos deportes han conseguido. Creó un lenguaje visual propio.
Mientras otros deportes construían su identidad alrededor de equipos, estadios o equipaciones, el skate convirtió la parte inferior de una tabla en un lienzo. Un espacio donde convivían arte, música, cultura urbana, humor, provocación, política y personalidad.
Muchas de las imágenes que aparecen aquí son reconocibles incluso para personas que nunca han hecho un ollie. Y eso dice mucho de su impacto.
Cómo funciona esta lista
Cada gráfico incluye un botón de voto para que puedas decirnos cuáles crees que merecen estar más arriba. Los resultados se actualizan en tiempo real y alimentan nuestro ranking general.
Además, si te apetece poner a prueba tus propios prejuicios skaters, también puedes probar nuestro bracket: una eliminatoria donde enfrentarás diseños históricos cara a cara hasta elegir tu campeón personal.
Porque una cosa está clara. No existe una respuesta correcta.
¿Es mejor la Screaming Hand que el Ripper?
¿Tiene más importancia histórica la Dogtown Cross que la Skull and Sword?
¿Puede un logo como Girl competir contra una obra maestra ilustrada de Jim Phillips?
Nosotros tenemos nuestra opinión y seguro que tú tienes la tuya. Precisamente por eso existe este artículo.
Antes de empezar…
Hay algo importante que conviene recordar. No todos los gráficos son importantes por los mismos motivos. Algunos revolucionaron el diseño. Otros vendieron millones de tablas. Algunos definieron una generación. Otros ayudaron a construir una marca. Y unos pocos consiguieron escapar del skate para convertirse en iconos culturales reconocibles en todo el mundo.
Compararlos entre sí no siempre es justo, pero ahí está parte de la gracia.
Si echas de menos algún gráfico que creas que debería aparecer aquí, déjanoslo en los comentarios. Estamos seguros de que faltan algunos y probablemente nunca dejaremos de añadir nuevos candidatos. Porque la historia del arte en el skate sigue escribiéndose cada día.
¿Cuál es el mejor gráfico de la historia? Decide tú
Bracket completo con todos los gráficos del artículo: una clasificatoria corta + 64 hasta la final. Cara o cruz en cada cruce hasta tu campeón.
Empezar el bracket →1976-1977 — Dogtown, Wes Humpston y las primeras tablas de skate con gráfico
Hoy parece imposible imaginar una tabla de skate sin un gráfico llamativo.
Pero durante buena parte de los años sesenta y principios de los setenta, las tablas eran poco más que piezas de equipamiento deportivo. Un logotipo sencillo. Una pegatina. Alguna serigrafía básica. Nada más. La idea de que una tabla pudiera convertirse en una obra gráfica simplemente no existía.
Eso empezó a cambiar en el sur de California. Y, como tantas otras revoluciones del skate, comenzó en Dogtown.
Entre Venice y Santa Monica estaba naciendo una generación de skaters que no se parecía a ninguna anterior. Patinaban piscinas vacías, escuchaban música diferente y tenían una actitud mucho más cercana al surf underground y al punk que al deporte tradicional. Necesitaban una identidad propia. Y esa identidad acabó apareciendo también sobre la madera.
Dogtown Cross
Marca Dogtown Skates
Pro model Team (Tony Alva, Jay Adams, Jim Muir)
Diseñador Craig Stecyk III (símbolo) + Wes Humpston (deck)
Si existe un punto de partida para la historia del arte gráfico en el skate, probablemente sea la Dogtown Cross. Lo curioso es que ni siquiera nació como gráfico de skate. Craig Stecyk III, fotógrafo, escritor y una de las figuras intelectuales más importantes del movimiento Zephyr, llevaba años pintando aquella cruz por los muros de Santa Monica como marca territorial. Era un símbolo del barrio. Una firma. Un mensaje para quienes pertenecían al entorno Dogtown. Cuando Wes Humpston pidió permiso para utilizarla en las tablas de Dogtown Skates (alrededor de 1976), Stecyk se lo dio. Pero la verdadera revolución fue Humpston: empezó a dibujar a mano directamente sobre las tablas, algo que hoy parece normal pero en 1976 era una locura. Sin Humpston resulta difícil imaginar el trabajo posterior de Jim Phillips, VCJ o cualquier otro gran artista del skate.
Por qué importa No porque fuera el gráfico más bonito ni el más vendido, sino porque fue el primero en demostrar que una tabla podía transmitir cultura, actitud y pertenencia. El skate dejaba de vender únicamente rendimiento. Empezaba a vender identidad. La innovación formal más importante de la historia visual del skate.
Alva (logo + fades)
Marca Alva Skates
Pro model Tony Alva
Diseñador Tony Alva / equipo Alva
Si Dogtown ayudó a crear la identidad visual del skate, Tony Alva ayudó a cambiar el modelo de negocio. Z-Boy de Dogtown, fundó Alva Skates en 1977 y se convirtió en el primer gran profesional que decidió crear su propia marca en lugar de patinar para una empresa de ingenieros. Hoy parece algo normal, pero en aquel momento fue una declaración de independencia. La famosa "A" angular de Alva y las tablas teñidas con degradados de color (los fades) se convirtieron rápidamente en una imagen reconocible dentro de la escena. No había monstruos. No había ilustraciones complejas. No había narrativas. Solo actitud. Y funcionó. La marca transmitía exactamente la personalidad de Tony Alva: agresiva, desafiante y completamente alejada de la imagen deportiva tradicional.
Por qué importa Sentó el precedente de la marca dirigida por el propio skater. Ese modelo —el rider como dueño— es el que reproducirían después Powell, World Industries, Plan B, Birdhouse, Girl, Baker y prácticamente toda marca skater-owned. La idea de que un skater podía controlar su propia imagen empezó aquí.
Vans — Off The Wall
Marca Vans
Pro model (marca de calzado)
Diseñador Familia Van Doren
Aunque técnicamente no hablamos de un gráfico de tabla, resulta imposible contar la historia visual del skate sin detenerse un momento en Vans. La Van Doren Rubber Company abrió en Anaheim en 1966 fabricando zapatillas de suela de goma a medida. A mediados de los setenta los skaters californianos adoptaron la Era y la Authentic por una razón muy simple: funcionaban mejor que casi cualquier otra cosa disponible en aquel momento, sobre todo por la suela waffle pegajosa. Lo que vino después fue inesperado: la suela waffle, el damero, el lema Off The Wall, la Sk8-Hi, la Half Cab. Todos esos elementos acabaron formando uno de los sistemas visuales más reconocibles de toda la cultura skate. Hoy puedes encontrar una camiseta de Vans en cualquier ciudad del planeta, pero su ADN sigue estando conectado a aquellos primeros skateparks de California.
Por qué importa Ayudó a demostrar que la estética skate podía trascender el propio skate. Una idea que terminaría explotando décadas después con Supreme, Thrasher y buena parte del streetwear moderno. El damero y el Off The Wall son de los emblemas más reconocibles de la cultura skate, dentro y muy fuera de la tabla.
A finales de los años setenta ya estaba claro que algo importante estaba ocurriendo. La tabla estaba dejando de ser simplemente una herramienta para patinar. Se estaba convirtiendo en un medio de expresión.
Lo que nadie imaginaba era lo que estaba a punto de llegar. Porque en 1978 una pequeña marca llamada Powell-Peralta incorporó a un ilustrador llamado Vernon Courtlandt Johnson. Y a partir de ese momento nada volvería a ser igual.
1978-1989 — Powell-Peralta y la edad de oro del gráfico de skate
Si hay una marca que cambió para siempre la estética del skateboarding, probablemente sea Powell-Peralta.
Durante los años ochenta, Powell no solo reunió a algunos de los skaters más importantes de la historia dentro de la Bones Brigade. También ayudó a transformar la tabla en algo más que un producto deportivo. Por primera vez, los gráficos empezaban a tener tanta importancia como el propio rider.
Gran parte de esa transformación pasó por Vernon Courtlandt Johnson, más conocido como VCJ. Su trabajo definió buena parte del imaginario visual del skate clásico: calaveras, dragones, criaturas fantásticas, símbolos medievales y composiciones que todavía hoy siguen apareciendo en reediciones, colecciones y paredes de miles de skaters.
Lo interesante es que muchos de estos diseños no solo funcionaban como ilustraciones espectaculares. También ayudaban a construir la identidad de cada rider. La tabla empezaba a convertirse en una extensión de la personalidad de quien la patinaba.
Skull and Sword
Skull and Sword
Marca Powell-Peralta
Pro model Ray 'Bones' Rodriguez
Diseñador Vernon Courtlandt Johnson (VCJ)
Primer pro signature de Powell-Peralta y una de las primeras grandes calaveras en una tabla skate de producción industrial. Lanzado en colores Brite-Lite Dayglo. El apodo "Bones" de Rodriguez vino del propio gráfico, y el nombre Bones Brigade (1979) terminó de fijarse a raíz del éxito comercial del modelo.
Por qué importa Estableció el ADN visual de Powell-Peralta para la siguiente década.
Chinese Dragon
Chinese Dragon
Marca Powell-Peralta
Pro model Steve Caballero
Diseñador VCJ, sobre boceto de Steve Caballero
Cab fue Rookie of the Year 1980 y rechazó la propuesta de Powell (skull+propeller) presentando su propio dibujo: un dragón crouching. VCJ lo finalizó. Aguantó 6 años con cambios mínimos (récord).
Por qué importa Primera vez que un rider co-firmó su propio gráfico en Powell. Estableció la idea de que el deck refleje la personalidad del skater.
Iron Cross / Screaming Chicken Skull
Iron Cross / Screaming Chicken Skull
Marca Powell-Peralta
Pro model Tony Hawk
Diseñador VCJ
Hawk había tenido un fracaso comercial con su 'Soaring Hawk' (1982). VCJ rediseñó: un cráneo híbrido humano/halcón sobre cruz de hierro tipo biker. Cuando el skate rebotó en 1984, este gráfico despegó con la carrera de Hawk.
Por qué importa Uno de los gráficos más reproducidos de la historia. Base visual de la marca personal de Hawk durante 40 años.
The Ripper
The Ripper
Marca Powell-Peralta
Pro model (graphic de marca, NO pro model)
Diseñador VCJ
Dibujado originalmente como sticker 'Bones Sold Here' para tiendas. Tuvo tal éxito que migró a camisetas, stickers, su propio deck. Una calavera reventando un papel con su garra.
Por qué importa Junto a la Screaming Hand, uno de los gráficos de skate más reproducidos y reconocidos de la historia. Probó que una imagen de marca podía vender más que un pro model concreto. Sigue en producción más de cuarenta años después de su lanzamiento original.
Winged Ripper
Marca Powell-Peralta
Pro model (team / promocional)
Diseñador Vernon Courtlandt Johnson (VCJ)
Variación del Ripper (1983) con alas extendidas a los lados de la calavera. Aparece en el catálogo Powell-Peralta de mediados y finales de los 80 como gráfico promocional y de equipo, y forma parte de las reissues recurrentes de la marca, incluyendo series modernas de Bones Brigade.
Por qué importa Una de las variantes más reproducidas del Ripper original. Amplía el lenguaje heráldico de VCJ hacia composiciones de mayor envergadura.
Entre 1983 y finales de los ochenta, Powell vivió un momento creativo difícil de repetir. Cada temporada aparecían nuevos gráficos que ampliaban el universo visual de la marca y demostraban que VCJ era capaz de adaptarse a personalidades muy diferentes sin perder coherencia estética.
Y dentro de ese catálogo hay una pieza que merece mención aparte: el Mutt / Chess Piece de Rodney Mullen. No es el gráfico más espectacular de la marca, pero es el pro model de posiblemente el skater más influyente de toda la historia, y rompe deliberadamente con la estética dominante de Powell. Esa decisión de diferenciarse, dentro de una marca con un lenguaje visual tan establecido, dice mucho de hasta dónde llegaba el margen creativo en aquella época.
Nordic Skull
Nordic Skull
Marca Powell-Peralta
Pro model Per Welinder
Diseñador VCJ
Calavera fantasy rodeada de runas vikingas que deletrean el nombre de Welinder + el mensaje: 'Search and strive, push beyond with strength, yours not theirs, that is the key.' Reflejaba su origen sueco.
Por qué importa Primer gráfico Powell con identidad cultural/étnica integrada. VCJ canalizando su estudio de manuscritos medievales.
Skull and Snake
Skull and Snake
Marca Powell-Peralta
Pro model Mike McGill
Diseñador VCJ + Mike McGill
Diseñado mientras McGill perfeccionaba el McTwist en el camp sueco 1984. Él añadió la serpiente y los rayos citando Florida (su estado natal). Uno de los decks más vendidos jamás de Powell.
Por qué importa Cumbre de la fórmula VCJ skull-and-creature. Inspiración para una generación entera de artistas skate.
Future Primitive
Future Primitive
Marca Powell-Peralta
Pro model Lance Mountain
Diseñador VCJ
Mountain rechazó un primer concepto skull+knee-bone porque quería salirse del molde. Salió una composición ilustrativa con referencias tribales/primitivas. Tirada original tenía un detalle de falo de perro escondido que retiraron rápido — esas con el detalle son hyper-collectibles. El gráfico dio nombre al vídeo Powell de 1985.
Por qué importa Rompió el molde calavera. Demostró el rango ilustrativo más amplio de VCJ.
Flaming Dagger
Flaming Dagger
Marca Powell-Peralta
Pro model Tommy Guerrero
Diseñador Kevin Ancell (NO VCJ)
Inspirado en el arte de capó de hot rods americanos años 60-70. Primer gráfico Powell pro NO dibujado por VCJ. Marcó la diferenciación: Guerrero como skater de calle/urbano frente al resto de la Brigade vert.
Por qué importa Primer crack en el dominio total de VCJ. Anuncia la diversificación visual que vendrá en los 90.
Elephant
Elephant
Marca Powell-Peralta
Pro model Mike Vallely
Diseñador VCJ + Mike Vallely
Primer pro de Vallely. Rechazó un primer concepto 'Roach'. El elefante salió de su colaboración con VCJ y siguió a Vallely toda su carrera (hoy su marca se llama Elephant Skateboards).
Por qué importa Último gran VCJ antes de la salida masiva de talento de Powell en 1991.
Un universo completo
Mutt / Chess Piece
Marca Powell-Peralta
Pro model Rodney Mullen
Diseñador VCJ
Primer pro freestyle de Powell. El motivo de ajedrez (versión circa 1983) representaba la mente analítica de Mullen — el ajedrez como metáfora del flatground. Una pieza está en la colección del Smithsonian.
Por qué importa Símbolo del 'skater pensador'. Mullen es el padre técnico del street moderno.
Skull and Spade
Marca Powell-Peralta
Pro model Steve Steadham
Diseñador Craig Stecyk III (NO Phillips)
Calavera rasta + sidecut shape + cola squared para pool coping. Steadham fue el primer pro afroamericano destacado en Powell.
Por qué importa Hito de representación en una industria casi enteramente blanca.
Kevin Harris (Mountie y castor)
Marca Powell-Peralta
Pro model Kevin Harris
Diseñador Vernon Courtlandt Johnson (VCJ)
Pro model del freestyler canadiense Kevin Harris para Powell-Peralta, diseñado por VCJ. El gráfico —un agente de la Royal Canadian Mounted Police junto a un castor— combinaba los dos iconos nacionales canadienses como guiño al origen del rider. Harris fue una de las figuras del freestyle de los 80 junto a Rodney Mullen, con un estilo orientado a la comedia y el espectáculo.
Por qué importa Una de las pocas piezas del freestyle 80s en el catálogo Powell-Peralta junto al Mullen Chess, y uno de los pro models con identidad cultural más explícita de VCJ.
Ray Barbee Ragdoll
Marca Powell-Peralta
Pro model Ray Barbee
Diseñador Vernon Courtlandt Johnson (VCJ)
Pro model de Ray Barbee, miembro de la Bones Brigade, diseñado por VCJ. El motivo —muñeco de trapo sobre fondo cálido— se aleja del repertorio gótico habitual de Powell-Peralta y refleja un registro más cercano al estilo de Barbee, conocido por su patinaje fluido y por su actividad paralela como músico.
Por qué importa Uno de los pocos pro models de la Bones Brigade que se sale del código heráldico de calaveras y dragones característico de VCJ.
Vato Rats / Rat Bones
Marca Powell-Peralta
Pro model (graphic de marca)
Diseñador Craig Stecyk III
Stecyk reactivó su iconografía Dogtown de los 70 (gangs latinos de Santa Monica/Venice) y Stacy Peralta la subió a Powell como brand graphic en 1983. Línea estética alternativa a VCJ: más cruda, más callejera, latino-influenciada.
Por qué importa Continuidad directa entre el underground de Dogtown 70s y el Powell comercial 80s. Mismo barrio, mismo artista, diferente mercado.
Tony Hawk Claw (Powell-Peralta)
Marca Powell-Peralta
Pro model Tony Hawk
Diseñador Vernon Courtlandt Johnson (VCJ)
Pro model de Tony Hawk para Powell-Peralta con motivo de garra de ave. Forma parte de la última generación de diseños de Hawk en la marca antes de su salida en 1992 para fundar Birdhouse junto a Per Welinder.
Por qué importa Cierre de la etapa Powell de Hawk dentro del lenguaje VCJ. Precedente directo del imaginario aviar que Hawk llevaría después a Birdhouse.
Frankie Hill Bull Dog
Marca Powell-Peralta
Pro model Frankie Hill
Diseñador Vernon Courtlandt Johnson (VCJ)
Pro model de Frankie Hill, dibujado por VCJ. Cabeza de bulldog con bandana sobre fondo amarillo. Hill fue uno de los pros street de finales de los 80 en Powell-Peralta, conocido por sus salidas de bowl a banks y por su físico potente. El modelo se considera uno de los últimos diseños relevantes de VCJ antes del crash de la industria en 1991.
Por qué importa Cierra la última generación de pro models VCJ de los 80 antes de la disolución de la Bones Brigade clásica.
BONES (wordmark con huesos cruzados)
Marca Powell-Peralta · Bones
Diseñador Powell-Peralta / Bones
Wordmark de la línea Bones de Powell-Peralta (Bones Wheels, Bones Bearings, Bones Brigade): la palabra BONES en tipografía gruesa con dos huesos cruzados formando una X detrás de las letras. Estampado intensamente en camisetas, stickers y merchandising desde principios de los 80, alcanzó una penetración masiva en la cultura juvenil californiana de la época. Una parte importante de quienes vistieron el logo no patinaba: lo usaba como prenda asociada al imaginario skate.
Por qué importa Uno de los wordmarks del entorno skate con mayor presencia fuera del propio deporte como prenda de calle durante los 80 y 90.
1980-1989 — Santa Cruz, Jim Phillips y la Screaming Hand
Mientras Powell-Peralta construía su imaginario a base de calaveras medievales, dragones y fantasía heroica, al otro lado de California estaba creciendo una visión completamente diferente de lo que podía ser una tabla de skate.
Si VCJ representaba la precisión, el simbolismo y la influencia de la ilustración clásica, Jim Phillips apostaba por el exceso, el color y la energía visual. Y funcionó.
Santa Cruz ya existía desde principios de los setenta bajo el paraguas de NHS, pero fue la llegada de Phillips como director artístico la que terminó definiendo la personalidad visual de la marca. Su experiencia previa diseñando carteles de conciertos y arte psicodélico encajó perfectamente con el momento que vivía el skate. El resultado fue una colección de criaturas imposibles, monstruos deformes, manos con vida propia, calaveras exageradas y personajes que parecían escapados de una portada de cómic underground.
A diferencia de Powell, donde muchas gráficas transmitían una sensación épica o casi mitológica, Santa Cruz apostó por algo más visceral. Sus ilustraciones eran divertidas, agresivas, exageradas y, sobre todo, inolvidables.
Lo interesante es que, aunque durante años se ha presentado a Powell y Santa Cruz como polos opuestos, la realidad es que ambas marcas ayudaron a construir la edad de oro del arte en el skate. Una aportó elegancia y simbolismo; la otra, personalidad y una capacidad única para crear iconos visuales que siguen funcionando cuarenta años después.
Pocas épocas han concentrado tanta creatividad en tan poco tiempo. Y pocas han dejado tantos gráficos que todavía hoy siguen reeditándose una y otra vez.
La prueba empieza con una mano azul que acabó convirtiéndose en uno de los símbolos más reconocibles de toda la cultura skate.
Screaming Hand
Marca Santa Cruz / Speed Wheels
Pro model (graphic de marca)
Diseñador Jim Phillips
Phillips llevaba años dibujando variantes (un náufrago gritando con la mano fuera del agua). En 1985 lo reformuló: mano azul gritando con boca propia entre los dedos. Era para la línea Speed Wheels pero se comió toda la marca. 30º aniversario celebrado con exposición itinerante por 25+ países.
Por qué importa Suele citarse —junto al Ripper— como uno de los gráficos de skate más reproducidos de la historia. Aparece tatuada en miles de skaters de todo el mundo y opera como segundo emblema de facto de Santa Cruz junto al wordmark de la marca.
Sin embargo, antes incluso de que la Screaming Hand conquistara medio planeta, Santa Cruz ya tenía otro emblema visual que acabaría sobreviviendo a generaciones enteras de skaters.
Santa Cruz Dot Logo
Santa Cruz Dot Logo
Marca Santa Cruz Skateboards
Diseñador Jim Phillips
El famoso círculo rojo con el wordmark Santa Cruz apareció a finales de los años setenta y se convirtió rápidamente en uno de los identificadores más potentes de toda la industria. A diferencia de otros logos que cambiaron constantemente con las modas, el Dot apenas ha necesitado modificaciones durante más de cuatro décadas. Puede encontrarse en tablas, ruedas, ropa, pegatinas y prácticamente cualquier producto asociado a la marca.
Por qué importa Junto a la Screaming Hand forma el núcleo de la identidad visual de Santa Cruz y es uno de los logos más reconocibles de toda la historia del skate.
Si la Screaming Hand terminó representando a toda una marca, Rob Roskopp protagonizó uno de los experimentos narrativos más interesantes de la historia del skate. En lugar de limitarse a una única ilustración, Jim Phillips desarrolló una serie de gráficos que evolucionaban de tabla en tabla, algo muy poco habitual para la época.
Roskopp Target
Marca Santa Cruz
Pro model Rob Roskopp
Diseñador Jim Phillips + Rob Roskopp
Primer pro de Roskopp. La idea original ('un brazo rompiendo una diana') era suya, Phillips la materializó. Evolucionó en 7-8 deck a lo largo de la década: brazo, cabeza, torso, monstruo completo destruyendo la diana.
Por qué importa Primera serie evolutiva en skate. Inventó la mecánica narrativa multi-tabla.
Roskopp Face
Marca Santa Cruz
Pro model Rob Roskopp
Diseñador Jim Phillips
Originalmente 'Street model'. Cara fantasmagórica estirada que se ha quedado universalmente como 'el Roskopp Face'. Primer street model de Santa Cruz que se vendió más que muchos vert.
Por qué importa Mostró que el street podía empujar tanto producto como el vert — anticipa la transición de 1990.
Slasher
Marca Santa Cruz
Pro model Keith 'Slasher' Meek
Diseñador Jim Phillips
Pro model de Keith Meek para Santa Cruz, ilustrado por Jim Phillips en 1986. Monstruo verde con garras en composición dinámica casi de ola, diseñado para reflejar el alias del rider ("Slasher"). NOS (new old stock) hoy es extremadamente raro según el propio Meek, lo que ha disparado su valor en el mercado de coleccionismo.
Por qué importa Estética pool-skating punk rock 80s en forma de criatura.
Salba — Tiger
Marca Santa Cruz
Pro model Steve Alba (Salba)
Diseñador Jim Phillips
Pro model de Steve Alba —Salba, leyenda del pool y el vert— para Santa Cruz, con un tigre de Jim Phillips. Imagen agresiva y felina que encajaba con el estilo brutal de Alba en bowl.
Por qué importa Otro icono de la dupla Phillips–Santa Cruz de los 80, asociado a uno de los nombres mayores del skate de piscina. Reeditado y muy buscado por coleccionistas.
Jason Jessee — Sun God
Marca Santa Cruz
Pro model Jason Jessee
Diseñador Jim Phillips
Pro model de Jason Jessee para Santa Cruz dibujado por Jim Phillips a finales de los 80: un sol con rostro, de trazo psicodélico y solar, opuesto al bestiario de monstruos verdes de la marca. Uno de los gráficos más reconocibles del catálogo Phillips.
Por qué importa Demostró que el lenguaje Santa Cruz no era solo horror cómico: también cabía lo psicodélico y luminoso. Pieza de coleccionista clásica de la era dorada de Phillips.
Jason Jessee Neptune
Marca Santa Cruz
Pro model Jason Jessee
Diseñador Jim Phillips
Pro model de Jason Jessee en Santa Cruz lanzado en 1988, ilustrado por Jim Phillips. La composición representa al dios Neptuno con tridente sobre un mar embravecido y serpientes marinas, en una paleta de dorados, ocres, rojos y azules que se aleja del tono saturado típico de la marca para entrar en territorio casi de cartel psicodélico. El detalle del entramado es de los más densos del catálogo Santa Cruz de la década, alineado con la imaginería mística que Jessee cultivaba dentro y fuera de la tabla.
Por qué importa Una de las ausencias más citadas en cualquier lista internacional de gráficos históricos del skate: muchos coleccionistas la sitúan por encima incluso del Sun God del propio Jessee. Marca el momento en que Santa Cruz mezcla horror cómico con simbología mística, en buena parte por la personalidad del rider, y abre un registro distinto dentro del lenguaje Phillips.
Jeff Grosso Toy Box
Marca Santa Cruz
Pro model Jeff Grosso
Diseñador Jim Phillips
Pro model de Jeff Grosso en Santa Cruz, ilustrado por Jim Phillips a finales de los 80. La tabla muestra una caja de juguetes desbordada de criaturas Phillips clásicas —ojos saltones, dientes, manos, paletas saturadas— en composición horror cómico. Grosso, pieza clave del vert ochentero y voz crítica del skate durante décadas, llevaba la tabla en sus partes más recordadas del periodo.
Por qué importa Muy importante culturalmente, sobre todo entre quienes vivieron el vert de la época. Jeff Grosso fue además uno de los grandes cronistas orales del skate hasta su muerte en 2020 (vídeos Love Letters to Skateboarding para Vans), lo que convierte a sus pro models en pieza obligada para entender la memoria oral del deporte.
Reaper
Marca Santa Cruz
Pro model Corey O'Brien
Diseñador Jim Phillips
Parca lanzando llamas. Uno de los gráficos más imitados de Santa Cruz. O'Brien hoy es dueño de un club de rock en San José.
Por qué importa Iconografía góthic-skate codificada en una sola imagen.
1981-1990 — Pushead, Zorlac, Hosoi y los diseños punk-metal del skate
Aunque Powell-Peralta y Santa Cruz dominaron buena parte del imaginario visual de los años ochenta, la década fue mucho más rica y diversa de lo que a veces recordamos.
Mientras VCJ dibujaba dragones y Jim Phillips llenaba las tablas de monstruos imposibles, otras marcas comenzaron a desarrollar lenguajes propios que conectaban con escenas culturales diferentes. El punk, el hardcore, el heavy metal y la cultura underground empezaron a dejar una huella cada vez más visible en el skate.
Fue una época en la que los gráficos dejaron de parecer simples ilustraciones para convertirse en declaraciones de identidad.
Algunas marcas querían parecer salvajes.
Otras querían parecer peligrosas.
Y algunas simplemente querían ser distintas.
Pocas personas representan mejor ese espíritu que Brian Schroeder, más conocido como Pushead.
Artista, músico, ilustrador y figura de culto dentro de la escena hardcore estadounidense, Pushead llevó al skate una estética inspirada en portadas de discos, fanzines fotocopiados y películas de terror. Su trabajo para Zorlac ayudó a abrir una vía completamente diferente a la que estaban explorando Powell o Santa Cruz.
Si aquellas marcas estaban construyendo universos visuales reconocibles, Pushead parecía interesado en crear pesadillas.
Y eso era precisamente lo que hacía sus gráficos tan especiales.
Damaged Pirate / Skull Pirate
Marca Zorlac
Pro model Team / Jeff Phillips
Diseñador Pushead (Brian Schroeder)
Calavera-pirata putrefacta con sombrero. Pushead trabajó con Zorlac casi una década (1981-1990). Hizo paralelamente artwork para Metallica (camiseta 'Damage Inc.', portada St. Anger 2003).
Por qué importa El ala metal/horror del skate de los 80. Estética body horror que sobrevivió a la Satanic Panic.
Si Pushead representaba el lado más oscuro del skate ochentero, Christian Hosoi simbolizaba todo lo contrario. Carismático, extravagante y completamente imprevisible, fue uno de los riders que mejor entendió que una tabla podía ser también una extensión de la personalidad de quien la patinaba.
Hammerhead
Marca Hosoi Skates
Pro model Christian Hosoi
Diseñador Christian Hosoi (shape + gráfico)
No es solo un gráfico: es una shape inventada PARA un gráfico. Nose alargado tipo tiburón martillo, perfil único, sin concave. Diseñado para los Christ Air y Rocket Air que Hosoi inventaba. En 2016 entró en el Smithsonian.
Por qué importa Cuando la forma de la tabla siguió al arte y no al revés. Marcó la disrupción shape-driven de la era 80s.
Lo más curioso del Hammerhead es que no se recuerda únicamente por su gráfico. También se recuerda por su forma. En una época en la que la mayoría de las tablas seguían patrones relativamente parecidos, Hosoi decidió diseñar una silueta que parecía llegada de otro planeta. El resultado fue una de las shapes más reconocibles de toda la historia del skate.
Mientras Hosoi revolucionaba el diseño desde la figura del rider, Sims seguía representando una generación anterior. La compañía fundada por Tom Sims era una de las grandes pioneras del skate moderno y ayudó a conectar los años setenta con la explosión creativa de los ochenta. Entre todos los gráficos de aquella etapa, pocos han envejecido tan bien como el Pirate de Kevin Staab.
Kevin Staab Pirate
Marca Sims
Pro model Kevin Staab
Diseñador Equipo de arte de Sims
Sims, la marca de Tom Sims (pionero también del snowboard), fue una de las grandes de los 70-80. El Pirate de Kevin Staab —calavera pirata de vert— quedó como uno de los gráficos más reconocibles de la marca a finales de los 80.
Por qué importa Sims es una de las marcas fundacionales del skate; el Pirate es pieza de coleccionista del vert ochentero y recuerdo de una era en la que las marcas grandes aún no eran skater-owned.
A finales de los años ochenta, el arte en el skate ya no respondía a una única fórmula.
Había espacio para las composiciones heráldicas de Powell, para los monstruos fluorescentes de Santa Cruz, para el horror punk de Pushead, para las experimentaciones de Hosoi o para las propuestas de marcas históricas como Sims.
La tabla se había convertido definitivamente en un soporte artístico.
Y lo más interesante estaba todavía por llegar.
Porque mientras el vert dominaba las portadas de revistas y las grandes competiciones, una nueva generación de skaters estaba empezando a cambiar las reglas del juego desde las calles, los bordillos y las barandillas.
Con ellos llegarían nuevas marcas, nuevos artistas y una forma completamente distinta de entender el diseño de una tabla.
Los años noventa estaban a punto de empezar.
1985-1991 — Vision, Gonzales, Lucero y el nacimiento del rider-artista
A finales de los años ochenta empezó a producirse un cambio que iba mucho más allá de los trucos o las competiciones.
Hasta entonces, la mayoría de los gráficos nacían de la colaboración entre una marca y un artista contratado. El rider podía aportar ideas, sugerir conceptos o participar en algunas decisiones, pero el resultado final solía quedar en manos de ilustradores profesionales.
Eso empezó a cambiar cuando una nueva generación de skaters decidió intervenir directamente en el proceso creativo.
Y nadie simboliza mejor ese cambio que Mark Gonzales.
La influencia de Gonzales sobre el skate suele medirse en trucos, vídeos o spots callejeros, pero su impacto visual es igual de importante. Fue uno de los primeros profesionales que entendió la tabla como un espacio de expresión artística personal y ayudó a abrir el camino para decenas de riders que llegarían después.
Lo que hoy nos parece normal —que un skater dibuje, pinte o diseñe sus propios gráficos— era algo bastante inusual en aquel momento.
A partir de aquí, la historia del arte en el skate deja de estar dominada exclusivamente por grandes ilustradores y empieza a mezclarse con las ideas, obsesiones y dibujos de los propios riders. La transición hacia los noventa ya estaba en marcha.
Vision Skateboards fue una de las marcas dominantes del street estadounidense de finales de los 80. Su Psycho Stick (modelo de equipo) y la marca derivada Vision Street Wear contribuyeron a sacar el lenguaje skate del entorno deportivo y llevarlo a la moda urbana.
Psycho Stick (Vision, equipo)
Marca Vision
Pro model (gráfico de equipo)
Diseñador Equipo de arte de Vision
El Psycho Stick fue el gráfico de equipo de Vision: una figura punk-cartoon que se convirtió en una de las tablas más vendidas de los 80. No era un pro model — era LA tabla de Vision que tenía todo el mundo.
Por qué importa Caso temprano del gráfico de marca por encima del pro model: la tabla que define a una empresa entera y se vende de forma masiva, antes de que World industrializara esa idea.
Vision Street Wear
Marca Vision Street Wear
Pro model (marca de ropa y calzado)
Diseñador Vision (Brad Dorfman)
Hacia 1986 Vision lanzó Vision Street Wear, su rama de ropa y zapatillas. El wordmark en bloque saltó de los skateparks a la moda de calle de los 80 y se vio hasta en gente que no se había subido a una tabla en su vida.
Por qué importa Uno de los primeros casos de marca de skate convertida en fenómeno de moda. Anticipó el skate como industria de estilo de vida que décadas después explotarían Supreme y compañía.
Gonz / Profile (1985)
Gonz / Profile (primer pro model de street)
Marca Vision
Pro model Mark Gonzales
Diseñador Mark Gonzales
A mediados de los 80 Mark Gonzales sacó su pro model en Vision. Se le cita a menudo como el primer pro model de street de la historia: el reconocimiento de que el skater de calle —no solo el de vert— podía tener su propia tabla con su nombre.
Por qué importa Marca el momento en que la industria acepta el street como disciplina con estrellas propias. Gonz, además, abriría la puerta al deck dibujado por el propio skater.
Behind Bars (1986)
Behind Bars
Marca Schmitt Stix
Pro model John Lucero
Diseñador John Lucero
Primer gráfico de Lucero para Schmitt Stix tras dejar Madrid. 'Vendió en su primer mes más que Schmitt Stix en su primer año entero'. Después vendría la mítica serie Jester.
Por qué importa Lucero codificó el estilo rider-como-artista que Mark Gonzales hacía en paralelo. Después fundaría Black Label.
Coffee Break (1987)
Coffee Break
Marca G&S (Gordon & Smith)
Pro model Neil Blender
Diseñador Neil Blender
Neil Blender no era solo skater: dibujaba. Para su pro model de G&S se saltó el bestiario de calaveras y dragones y dibujó él mismo a un personaje tomándose un café. Humor seco, trazo propio, cero épica.
Por qué importa De los primeros gráficos pro hechos a mano por el propio skater. Abrió la puerta al deck como obra de autor: la línea que seguirían Gonz, y dos décadas después Fucking Awesome, Polar o Magenta.
Gator (1986)
Gator
Marca Vision Sports
Pro model Mark 'Gator' Rogowski
Diseñador Greg Evans
Primer pro deck de Vision Sports para Mark "Gator" Rogowski. Durante la segunda mitad de los 80 fue una de las tablas más vendidas del catálogo Vision y Rogowski una de las grandes estrellas del vert. Todo cambió tras su condena por el asesinato de Jessica Bergsten en 1991 (cumple condena perpetua con posibilidad de libertad condicional a los 31 años); Vision retiró el modelo del catálogo tras el juicio en 1992.
Por qué importa Caso de estudio sobre el legado de un gráfico cuando el rider colapsa moralmente. Vision retiró todo el producto Gator tras la condena en 1992.
Natas Kaupas en SMA
SMA Panther
Marca Santa Monica Airlines (SMA)
Pro model Natas Kaupas
Diseñador Kevin Ancell
Primer pro model de Natas Kaupas en SMA (Santa Monica Airlines), lanzado en 1985 cuando Natas tenía 15 años. Apareció en portada de Thrasher en septiembre de 1984 con un wallride, lo que ayudó a empujar el modelo cuando salió. El dibujo original es de Kevin Ancell; versiones posteriores fueron reinterpretadas por Buchinsky, Jim Phillips, Wes Humpston y Forbes. En 1986 SMA fichó manufactura y distribución con Santa Cruz. La pantera vendió como pocas tablas de la década.
Por qué importa Icono del street primigenio. Natas y Gonzales inventarían el handrail-skating apenas un año después (1986), y el pro model de Natas en SMA quedó asociado a ese cambio de paradigma del vert a la calle.
Cuando terminó la década, el skate estaba cambiando a una velocidad difícil de imaginar apenas unos años antes.
Las grandes rampas comenzaban a perder protagonismo. La calle ganaba terreno. Los vídeos sustituían poco a poco a las competiciones como principal motor cultural.
Y una nueva generación de marcas estaba a punto de aprovechar ese cambio.
La más importante de todas se llamaba World Industries.
Mira qué gráficos van ganando
93 diseños del catálogo ordenados por votos reales. Cada vez que alguien le da a "me gusta", el ranking se mueve.
Ver ranking completo →- 1 Iron Cross / Screaming Chicken Skull 5
- 2 Nordic Skull 4
- 3 Flaming Dagger 4
1989-1993 — World Industries, Blind y la revolución de Steve Rocco
Si Powell-Peralta ayudó a profesionalizar el skate y Santa Cruz construyó algunos de sus iconos visuales más reconocibles, World Industries llegó para dinamitar las reglas.
A finales de los años ochenta el skate atravesaba un momento complicado. La industria se contraía, muchos parques cerraban y el interés general parecía muy lejos de los niveles alcanzados durante la primera mitad de la década. Mientras algunas marcas intentaban resistir manteniendo los modelos tradicionales, Steve Rocco decidió hacer justo lo contrario.
Su propuesta era más irreverente, más provocadora y mucho menos respetuosa con las normas no escritas de la industria.
Rocco entendió algo que otros todavía no veían: la nueva generación de skaters ya no se identificaba con los héroes del vert ni con los discursos corporativos de las grandes marcas. El centro de gravedad del skate se estaba desplazando hacia la calle y necesitaba un lenguaje visual diferente.
Para construirlo reunió a algunos de los artistas más influyentes de los noventa, especialmente Marc McKee y Sean Cliver. Juntos desarrollaron una estética cargada de humor absurdo, sátira, personajes de dibujos animados, referencias culturales y provocaciones que generaban tantas críticas como ventas.
Lo que para algunos era mal gusto, para otros era exactamente lo que el skate necesitaba.
Pocas marcas han sido tan divisivas. Y pocas han dejado una huella tan profunda.
Buena parte de la identidad de World Industries se construyó a través de la provocación. Steve Rocco convirtió las parodias, las campañas agresivas y los ataques directos a competidores como Powell-Peralta en una herramienta de marketing, generando algunas de las polémicas más recordadas de la historia del skate. Muchos gráficos de World no eran simples ilustraciones: eran armas dentro de una guerra cultural entre generaciones del skate.
Devilman / Flameboy / Wet Willy
Devilman / Flameboy / Wet Willy
Marca World Industries
Pro model (mascotas de marca)
Diseñador Marc McKee
Tres criaturas-mascota. Devilman primero, Flameboy como sidekick (idea de Rocco), Wet Willy completando el trío (idea de JT: 'una gota de agua para acompañar a la llama'). Funcionaron como los Mickeys de World — la maquinaria de merchandising que financió toda la marca.
Por qué importa Demostraron que las mascotas podían sostener una marca de skate comercialmente al nivel de Disney.
Flameboy vs Wet Willy (fenómeno cultural)
Marca World Industries
Pro model (mascots)
Diseñador Marc McKee
Marc McKee creó Flameboy (la criatura roja con cabeza en llamas) y Wet Willy (la gota de agua antropomórfica) como mascotas de World Industries a principios de los 90. La rivalidad entre ambas, planteada como gag continuo en tablas, ropa, pegatinas y publicidad, terminó convirtiéndose en uno de los fenómenos visuales más fuertes del skate de la década. Aparecieron también en videojuegos —notablemente la serie Tony Hawk's Pro Skater— y en merchandising masivo dentro y fuera del nicho.
Por qué importa Para una generación entera de niños de los 90, Flameboy vs Wet Willy fueron literalmente las mascotas del skate. Su impacto en la cultura visual del skate noventero es comparable al del Ripper de Powell para los 80, aunque por la vía cómic en lugar de heráldica.
Napping Negro
Napping Negro
Marca World Industries
Pro model Jovontae Turner
Diseñador Marc McKee, sobre concepto de Jovontae Turner
TURNER (skater afroamericano) le pidió a McKee 'old school black slavery stuff' como sátira de la nostalgia racista blanca. Iconografía Jim Crow vintage. Forma parte de una serie con 'Jovontae at Night' y 'Runaway Slave'. McKee la describe como sátira de los blancos nostálgicos del pasado.
Por qué importa Caso de estudio sobre quién controla la narrativa racial cuando el concepto viene del propio skater negro. El debate sobre la pieza sigue abierto tres décadas después y el modelo se cotiza alto en el mercado de coleccionismo skate clásico.
Reaper Logo
Reaper logo
Marca Blind Skateboards
Diseñador Mark Gonzales (él mismo)
Cuando Gonzales dejó Vision en 1989 para co-fundar Blind con Steve Rocco (el nombre era dardo contra Vision), dibujó él mismo el logo del Reaper estilizado. Sigue vigente hoy.
Por qué importa Gonzales codificando que el founder + rider puede ser TAMBIÉN el diseñador. Plantilla para todo lo que vendría.
Panther (101)
Panther (101)
Marca 101 Skateboards
Pro model Natas Kaupas
Diseñador Marc McKee
Reinterpretación del SMA Panther de 1984 cuando Natas dejó SMA y co-fundó 101 bajo World. 101 fue laboratorio del street puro: Koston, Gino, Dill, Markovich pasaron por ahí.
Por qué importa Continuidad del icono Natas en la nueva economía street.
Dodo
Dodo
Marca Blind Skateboards
Pro model Jason Lee
Diseñador Marc McKee
Originalmente concebido para Danny Way (mientras estaba en Blind) como dardo velado contra Tony Hawk — el 'pajarito' en extinción. Se consideró demasiado personal y, cuando Danny saltó a Plan B, la gráfica acabó en Jason Lee.
Por qué importa Anécdota perfecta de la dinámica inter-marca de los 90: gráficos que se reescriben según quién está dónde.
A principios de los noventa, el arte del skate había cambiado por completo respecto a la década anterior.
Las grandes ilustraciones épicas seguían existiendo, pero ahora compartían espacio con sátiras, personajes absurdos, referencias culturales, humor negro y mensajes que buscaban provocar una reacción inmediata.
Era una estética más callejera, más caótica y, en muchos casos, más cercana a la generación que estaba redefiniendo el skate desde plazas, bordillos y barandillas.
Sin embargo, la siguiente revolución no vendría de una marca ni de un artista concreto.
Vendría de una idea.
La idea de que el skate podía ser un proyecto profundamente personal.
Y nadie encarnó mejor esa filosofía que Ed Templeton, Toy Machine y la generación que terminó de consolidar el street moderno.
1988-1995 — H-Street, Plan B, Toy Machine, Real y Anti-Hero
Si World Industries representó la revolución cultural de principios de los noventa, H-Street y Plan B ayudaron a definir la revolución técnica.
Durante los años ochenta, la imagen más popular del skate seguía siendo la del rider volando sobre una rampa gigante o realizando trucos imposibles en una piscina vacía. Pero en las calles de California estaba ocurriendo algo distinto.
Las barandillas, los bancos, los gaps y los bordillos empezaban a convertirse en los nuevos terrenos de juego. El street skating dejaba de ser una disciplina secundaria para convertirse en el centro de la conversación.
Pocas personas tuvieron más influencia en ese cambio que Mike Ternasky. Primero desde H-Street y después desde Plan B, Ternasky ayudó a reunir a algunos de los skaters más innovadores de la época y entendió antes que casi nadie hacia dónde se dirigía el futuro del skate.
Los gráficos también empezaron a cambiar. Las tablas eran más estrechas, las formas evolucionaban y las nuevas generaciones buscaban una estética diferente a la de los grandes héroes del vert.
Matt Hensley — Street Swinger
Matt Hensley — Street Swinger
Marca H-Street
Pro model Matt Hensley
Diseñador Equipo de arte de H-Street
H-Street (Tony Magnusson y Mike Ternasky, 1986) y su rider estrella Matt Hensley definieron el street de finales de los 80 con los vídeos Shackle Me Not (1988) y Hokus Pokus (1989). El Street Swinger de Hensley es el gráfico-icono de esa era: tablas más finas y baratas, hechas para la calle.
Por qué importa El puente del vert al street moderno. Ternasky se llevaría ese ADN a Plan B poco después. Las tablas H-Street de la era Hensley son grial de la transición.
Mientras H-Street y Plan B empujaban los límites técnicos del street, otros skaters empezaban a utilizar las marcas como proyectos profundamente personales.
Nadie representa mejor esa idea que Ed Templeton.
Sect / Transistor Sect
Sect / Transistor Sect
Marca Toy Machine
Pro model (logo de marca + team models)
Diseñador Ed Templeton
El ojo único, monstruo abstracto. Templeton fundó Toy Machine en 1993 (no 1994) con apoyo de Tod Swank/Tum Yeto. Dibuja TODAS las gráficas él mismo, inspirado por Mark Gonzales en Vision/Blind.
Por qué importa Templeton estableció la marca-como-proyecto-artístico-personal. Hoy es artista contemporáneo expuesto en galerías.
Toy Machine Monster
Toy Machine Monster
Marca Toy Machine
Diseñador Ed Templeton
El Monster aparece en el catálogo Toy Machine a mediados de los 90, dibujado por Ed Templeton. La criatura —cíclope rojo con un único ojo enorme, dientes torcidos y cuerpo de muñeco roto— se convirtió en mascota informal de la marca y aparece desde entonces en tablas, ropa, pegatinas y vídeos. Templeton lo dibujó con el trazo deliberadamente naíf que terminaría definiendo el lenguaje visual completo de Toy Machine.
Por qué importa Posiblemente el gráfico más reconocible de Toy Machine, por encima incluso del Sect logo. La iconografía del cíclope marcó la estética del street europeo y americano de finales de los 90 e influyó en marcas posteriores que adoptaron mascotas no-humanas como vehículo de identidad.
Aunque el Monster terminó convirtiéndose en la mascota más reconocible de Toy Machine, el universo visual de Ed Templeton estaba lleno de personajes recurrentes que aparecían constantemente en tablas, camisetas, pegatinas y vídeos. Entre todos ellos, pocos alcanzaron tanta popularidad como el Devil Cat.
Toy Machine Devil Cat
Toy Machine Devil Cat
Marca Toy Machine
Pro model (team series)
Diseñador Ed Templeton
El Devil Cat apareció a finales de los noventa como una de las muchas criaturas creadas por Ed Templeton para ampliar el universo visual de Toy Machine. Con sus cuernos, sonrisa torcida y aspecto deliberadamente infantil, el personaje condensaba perfectamente el estilo gráfico de Templeton: dibujos aparentemente simples, ejecutados con trazo espontáneo y cargados de personalidad. A diferencia de los monstruos agresivos que dominaban gran parte del skate de la época, el Devil Cat transmitía una mezcla extraña de humor, rareza y simpatía que terminó conectando con varias generaciones de skaters. Con el paso de los años se convirtió en uno de los personajes más utilizados por la marca y sigue apareciendo regularmente en tablas, ropa y colaboraciones especiales.
Por qué importa Es una de las mascotas más reconocibles del skate moderno y una de las mejores representaciones del lenguaje visual único creado por Ed Templeton para Toy Machine.
Mientras Ed Templeton desarrollaba en Toy Machine un universo poblado por monstruos, criaturas imposibles y dibujos deliberadamente infantiles, otro skater estaba explorando un territorio visual completamente distinto. Jeremy Klein encontró inspiración en una fuente que prácticamente nadie dentro de la industria del skate estaba observando en aquel momento: el manga y la animación japonesa. Lo que comenzó como una obsesión personal terminó convirtiéndose en una de las identidades visuales más reconocibles y polémicas de finales de los noventa.
Hook-Ups Anime Girl
Hook-Ups Anime Girl
Marca Hook-Ups
Pro model (team series)
Diseñador Jeremy Klein
Tras abandonar World Industries, Jeremy Klein fundó Hook-Ups en 1994 y empezó a construir una identidad visual completamente diferente a cualquier otra marca de skate de la época. Fascinado por el manga, el anime, la ciencia ficción japonesa y la cultura otaku mucho antes de que estos fenómenos se popularizaran en Occidente, llenó sus tablas de personajes femeninos inspirados en la animación japonesa, robots, alienígenas y referencias constantes a la cultura pop asiática. Las llamadas Anime Girls se convirtieron rápidamente en la imagen más reconocible de Hook-Ups. Para algunos eran provocadoras. Para otros, simplemente diferentes. Lo cierto es que durante años nadie dentro del skate se parecía a Jeremy Klein.
Por qué importa Introdujo la estética anime en el skate occidental décadas antes de que se volviera mainstream. Su influencia sigue siendo visible en marcas, ilustradores y diseñadores que mezclan cultura japonesa, streetwear y skateboarding.
A medida que Hook-Ups crecía, Jeremy Klein amplió su imaginario mucho más allá de las primeras protagonistas manga.
Hook-Ups Nurse Series
Hook-Ups Nurse Series
Marca Hook-Ups
Pro model (team series)
Diseñador Jeremy Klein
Las Nurse Series representan una de las etapas más recordadas de Hook-Ups. Enfermeras futuristas, androides, referencias al anime de ciencia ficción y una estética inspirada en mangas cyberpunk terminaron de consolidar la identidad visual de la marca. Las tablas se convirtieron en auténticos objetos de culto dentro del coleccionismo skate de finales de los noventa.
Por qué importa Es una de las series más reconocibles de Jeremy Klein y consolidó definitivamente la relación entre cultura anime y skateboarding.
A principios de los noventa también comenzaron a aparecer compañías que representaban una visión más independiente y menos espectacular del skate. San Francisco se convirtió en uno de los grandes centros creativos de aquella nueva corriente.
Una de las primeras voces de esa corriente fue John Lucero, que tras abandonar Schmitt Stix fundó Black Label hacia 1989 y empezó a desarrollar su propio universo visual.
Black Label Jester
Black Label Jester
Marca Black Label Skateboards
Diseñador John Lucero
Fundada por John Lucero tras abandonar Schmitt Stix, Black Label nació como una declaración de independencia creativa. Su personaje más conocido fue el Jester, un bufón de aspecto inquietante que condensaba perfectamente la filosofía de la marca: irreverencia, cultura punk, actitud DIY y rechazo absoluto a las tendencias dominantes. Durante décadas el Jester ha aparecido en incontables versiones, convirtiéndose en una de las imágenes más reconocibles del skate independiente estadounidense.
Por qué importa Es uno de los personajes más duraderos de toda la historia del skate y uno de los símbolos más claros del movimiento DIY que ayudó a definir los años noventa.
Si el Jester representaba el lado más irreverente y provocador de Black Label, la siguiente imagen se convirtió en algo mucho más cercano a un manifiesto. Una simple muleta terminó transformándose en uno de los símbolos más reconocibles del skate independiente estadounidense.
Black Label Crutch
Black Label Crutch
Marca Black Label Skateboards
Diseñador John Lucero
La Crutch —la característica muleta roja de Black Label— apareció durante los primeros años de la marca y rápidamente se convirtió en uno de sus símbolos más reconocibles. Su diseño minimalista contrastaba con los personajes y las ilustraciones complejas que dominaban buena parte del skate de la época, pero precisamente esa simplicidad fue una de sus mayores fortalezas. Con el tiempo la muleta adquirió un significado casi simbólico dentro de la comunidad skate. Lesiones, golpes, cicatrices y la determinación de seguir patinando pese a todo quedaron resumidos en una única imagen. Décadas después continúa siendo uno de los elementos visuales más asociados a la marca fundada por John Lucero.
Por qué importa Es uno de los símbolos más originales de toda la historia del skate y una representación perfecta de la filosofía DIY, resistente e independiente que caracterizó a Black Label desde sus inicios.
Hanging Klansman
Hanging Klansman
Marca Real / Deluxe
Pro model Jim Thiebaud
Diseñador Jim Thiebaud (concepto) + Natas Kaupas (dibujo a línea)
Primer pro model de Jim Thiebaud en Real Skateboards (marca que cofundó con Tommy Guerrero en Deluxe alrededor de 1990). El concepto era de Thiebaud: una figura encapuchada del Ku Klux Klan colgada de una soga, ligada al resurgir de las marchas del KKK a comienzos de los 90 en Estados Unidos. El dibujo a línea final lo hizo Natas Kaupas como regalo a Thiebaud. Sin precedentes en una tabla por su carga política frontal.
Por qué importa Uno de los gráficos políticos más importantes de la historia del skate. Demostró que la tabla podía ser un manifiesto antirracista —no solo provocación comercial— y sigue reeditándose desde entonces. Forma parte de la colección permanente del Smithsonian National Museum of American History.
Anti-Hero Pigeon
Anti-Hero Pigeon
Marca Anti-Hero Skateboards
Diseñador Todd Francis
Antes del Eagle, Todd Francis dibujó la paloma urbana como motivo recurrente para Anti-Hero en los primeros años de la marca (fundada en 1995 dentro del grupo Deluxe en San Francisco). La paloma —rata con alas, animal callejero por excelencia— encajaba con la postura anti-glamour de Anti-Hero y se convirtió en imagen complementaria al Eagle desde 1996 en adelante.
Por qué importa Para entender el lenguaje visual de Todd Francis hay que pasar por la Pigeon antes que por el Eagle. La paloma estableció el tono editorial de la marca —ácido, urbano, anti-corporativo— que se mantuvo en todo lo que vino después y que es seña de identidad de Anti-Hero hasta hoy.
Anti-Hero Eagle
Anti-Hero Eagle
Marca Anti-Hero
Diseñador Todd Francis
Francis entró en Deluxe en 1996. Su primer trabajo: una paloma 'a la que la vida le ha tirado un cubo de aceite encima'. Después dibujó el águila feroz, que reemplazó a la paloma y se convirtió en el logo principal. Estética caricatura política americana, anti-corporativa.
Por qué importa Anti-patriotismo patriótico: usa el águila americana pero la vuelve agresiva, contracultural. Símbolo de Deluxe SF y del ala punk del skate. Complex la incluyó en los 50 Greatest Skate Logos.
A mediados de los noventa el street ya era el lenguaje dominante del skate.
Las grandes rampas seguían existiendo, pero la cultura se estaba construyendo en las calles, en los vídeos y en las nuevas marcas que aparecían constantemente. Los gráficos también estaban cambiando. Las ilustraciones épicas de los ochenta convivían ahora con propuestas mucho más minimalistas, personales y conceptuales.
La siguiente gran transformación llegaría desde Girl, Chocolate y Crailtap, marcas que demostrarían que una tabla no necesitaba monstruos, calaveras o provocaciones para convertirse en un icono.
1993-2000 — Girl, Chocolate, Andy Jenkins y la nueva estética del skate moderno
A mediados de los noventa el skate había cambiado por completo.
La estética exagerada de los ochenta convivía con la provocación de World Industries, pero empezaba a surgir una tercera vía. Más limpia. Más gráfica. Más cercana al diseño contemporáneo que a los monstruos, las calaveras o los dibujos animados.
Gran parte de esa transformación nació alrededor de una pequeña marca fundada por Rick Howard y Mike Carroll en 1993. Su nombre era Girl. Y su influencia terminaría siendo enorme.
A diferencia de muchas compañías anteriores, Girl no intentó construir un universo visual basado en criaturas, personajes o narrativas complejas. Su apuesta fue mucho más sencilla: crear una identidad gráfica clara, coherente y reconocible.
Para lograrlo contaron con Andy Jenkins, una de las figuras más importantes de la historia visual del skate y probablemente uno de los diseñadores más influyentes de los últimos treinta años.
Lo que ocurrió después cambió para siempre la estética del skateboarding.
Girl Logo (Skater Silhouette)
Girl logo (skater silhouette)
Marca Girl Skateboards
Diseñador Andy Jenkins
Silueta tipo señal de baño femenino. Rick Howard y Mike Carroll fundaron Girl Skateboards en agosto de 1993, tras dejar Plan B por la presión que la industria estaba poniendo sobre las carreras profesionales de los riders. El nombre vino de una broma: alguien dijo que Howard "skates like a girl" y se lo apropiaron. (Mike Ternasky, mentor de Carroll y Howard en Plan B, falleció el 17 de mayo de 1994, casi un año después de la fundación de Girl.)
Por qué importa Respuesta limpia/pop al barroquismo provocador de World. Estética suizo-minimalista en skate. Andy Jenkins fundó Art Dump, colectivo creativo del distri Crailtap.
Girl OG Series
Girl OG Series
Marca Girl Skateboards
Pro model (team series)
Diseñador Andy Jenkins
Primeras series de tablas de Girl Skateboards lanzadas tras la fundación de la marca en 1993 por Rick Howard y Mike Carroll. La dirección artística de Andy Jenkins —antes director artístico de BMX Action— apostó desde el principio por la simplicidad, el equilibrio compositivo y el diseño tipográfico, en contraste deliberado con la saturación gráfica dominante en buena parte del catálogo skate de los noventa. Las primeras tablas aparecían con la silueta femenina pictograma como elemento central y composiciones limpias casi de cartel comercial.
Por qué importa Marcaron el inicio de una nueva forma de entender el diseño gráfico dentro del skateboarding. La estética Girl —minimalismo, tipografía clara, referencia al diseño contemporáneo y al lenguaje urbano— influyó directamente en buena parte del catálogo skate posterior a 1995 y sigue siendo seña de identidad de toda la operación Crailtap (Girl, Chocolate, Lakai, Royal, Fourstar).
Girl Mouse Series
Girl Mouse Series
Marca Girl Skateboards
Pro model (team series)
Diseñador Andy Jenkins / Eric McKinley
Serie de tablas de Girl con un ratón antropomórfico como personaje recurrente, lanzada a mediados de los noventa. Frente al minimalismo del logo silueta, la Mouse Series demostró que la marca podía desarrollar personajes propios sin perder identidad. El tono desenfadado del ratón —con variantes que jugaban con poses, ropa o escenarios cotidianos— encajaba con el espíritu Girl y amplió el lenguaje visual de la marca más allá del pictograma femenino.
Por qué importa Una de las series más recordadas de Girl en los noventa. Demuestra cómo la marca fue capaz de evolucionar visualmente sin perder coherencia estética, y abre la línea de "personajes Crailtap" que continuaría apareciendo en catálogos posteriores.
Chocolate Big Chunk
Chocolate (logo Big Chunk)
Marca Chocolate
Diseñador Andy Jenkins
Chocolate se creó en 1994 como marca hermana de Girl (fundada en 1993 por Rick Howard, Mike Carroll y Spike Jonze). Andy Jenkins, ex director artístico de BMX Action, llegó a la familia Crailtap para definir el lenguaje visual de las dos marcas. El logotipo de Chocolate —tipografía y motivo de gota— responde a esa línea más adulta y minimalista frente a los cartoons agresivos dominantes en la primera mitad de los 90.
Por qué importa Marca clave del eje Crailtap junto con Girl. Andy Jenkins moldeó la estética visual del skate más sobrio de los 90 y 2000.
Chocolate City Series
Chocolate City Series
Marca Chocolate Skateboards
Pro model (team series)
Diseñador Andy Jenkins / Equipo Crailtap
A finales de los noventa, Chocolate empezó a explorar una dirección visual cada vez más ligada a la cultura urbana, la fotografía y la narrativa de ciudad. La City Series convirtió las tablas en pequeñas postales de la vida urbana —arquitectura, escaparates, esquinas, retratos de calle— y reforzaba la conexión entre la marca y el street skating que estaba definiendo la época. Cada artista del staff visual aportó composiciones distintas dentro del mismo lenguaje.
Por qué importa Uno de los mejores ejemplos de la madurez gráfica de Chocolate. Ayudó a consolidar la identidad propia de la marca dentro del universo Crailtap, separándola del minimalismo más comercial de Girl y conectándola con el lenguaje editorial-fotográfico del street skating de finales de los noventa.
Mientras Girl y Chocolate redefinían el diseño gráfico del street skating, Tony Hawk seguía escribiendo algunos de los capítulos más importantes de la historia del deporte.
Birdhouse Falcon 2
Birdhouse Falcon 2 (900 board)
Marca Birdhouse
Pro model Tony Hawk
Diseñador Birdhouse in-house
La Birdhouse Falcon 2 que Tony Hawk usó para clavar el primer 900 documentado de la historia, en los X Games de 1999. Se subastó en Julien's Auctions en septiembre de 2025 por 1.152.000 $, doblando la estimación previa y batiendo el récord absoluto para una tabla de skate. Parte de lo recaudado se destinó a The Skatepark Project (fundación de Hawk).
Por qué importa El objeto más caro vinculado al skate. Combina dato histórico (el 900), provenance (Hawk) y momento televisivo masivo. Confirmó que una tabla de skate puede operar plenamente en el mercado del coleccionismo de alto nivel.
Aunque el Falcon quedó asociado al momento más famoso de la carrera de Tony Hawk, la imagen que terminó definiendo la identidad visual de Birdhouse fue otra muy distinta.
Tony Hawk Skeleton Bird
Tony Hawk Skeleton Bird
Marca Birdhouse Skateboards
Pro model Tony Hawk
Diseñador Birdhouse Skateboards
Tras abandonar Powell-Peralta y fundar Birdhouse junto a Per Welinder, Tony Hawk inició una nueva etapa tanto deportiva como visual. Aunque dejaba atrás gran parte del universo gráfico creado por VCJ durante los años ochenta, algunos de los elementos que habían acompañado su carrera permanecieron intactos: las aves rapaces, las alas y la idea de elevarse por encima de los límites conocidos. El Skeleton Bird se convirtió en una de las representaciones más icónicas de esa transición. La gráfica muestra el esqueleto de un ave de presa con enormes alas desplegadas formadas por afiladas plumas óseas, una imagen que transmite velocidad, agresividad y libertad al mismo tiempo. El diseño conecta directamente con la tradición visual de Hawk, construida durante más de una década alrededor de halcones, garras y criaturas aladas. Durante los años noventa y principios de los 2000, el Skeleton Bird apareció en diferentes versiones y reediciones, consolidándose como una de las imágenes más reconocibles asociadas a Tony Hawk fuera de la era Powell-Peralta. Para muchos skaters representa el puente perfecto entre la estética clásica de la Bones Brigade y el nacimiento del skate moderno.
Por qué importa Es una de las gráficas más representativas de la etapa Birdhouse de Tony Hawk y una de las mejores evoluciones visuales de la iconografía que había acompañado al skater desde sus primeros pro models en Powell-Peralta. Su silueta es inmediatamente reconocible y forma parte del imaginario gráfico de una de las figuras más importantes de toda la historia del skateboarding.
A finales de los noventa el skate ya era irreconocible comparado con el de una década antes.
La calle dominaba la conversación. Los vídeos se habían convertido en el principal motor cultural. Y las marcas comenzaban a entender que podían construir identidades visuales sólidas sin recurrir necesariamente a los códigos heredados de los ochenta.
Pero la siguiente transformación sería todavía más profunda.
Porque a partir de los años 2000 la tabla dejaría de ser únicamente una herramienta para patinar. También empezaría a convertirse en objeto de colección, pieza de diseño y producto cultural capaz de trascender por completo el propio skateboarding.
2000-2010 — Alien Workshop, Supreme, Baker, Enjoi, Zero, Creature, Foundation, Flip y la expansión cultural del skate
A finales de los noventa el skate había encontrado una estabilidad que parecía impensable apenas unos años antes.
Las grandes crisis de los ochenta habían quedado atrás, el street dominaba la industria y una nueva generación de marcas empezaba a construir identidades visuales muy diferentes entre sí.
Ya no existía una única forma de diseñar una tabla.
Algunas compañías apostaban por el arte conceptual. Otras por el humor. Otras por la provocación. Y algunas entendieron que el gráfico podía convertirse en mucho más que una imagen asociada al skate. Podía transformarse en un objeto cultural.
Pocas marcas representan mejor esa diversidad que Alien Workshop, Supreme, Baker, Enjoi, Zero, Creature, Foundation y Flip.
Alien Workshop Alien Logo
Alien Workshop (logo)
Marca Alien Workshop
Diseñador Mike Hill
Alien Workshop se fundó en Dayton (Ohio) en 1990 por Chris Carter, Mike Hill y Neil Blender, con la idea de que la marca estuviera dirigida por artistas y no por gestores. El logo —cabeza alienígena de perfil— lo dibujó Mike Hill y se mantuvo como seña de identidad de la marca hasta su cierre en 2014, cuando DC Shoes interrumpió la operación.
Por qué importa Referente del skate underground de los años 90 y 2000, con énfasis en el director artístico como figura central del proyecto.
Alien Workshop Abduction Series
Alien Workshop Abduction Series
Marca Alien Workshop
Pro model (series)
Diseñador Mike Hill
Serie de pro models conceptuales que Alien Workshop produjo a finales de los 90 con motivo de OVNIs, escaneos médicos, geometrías esotéricas y figuras humanas dispuestas como sujetos de abducción. Mike Hill dirigía la línea desde Dayton (Ohio), trabajando con vocabulario sci-fi, paranoia conceptual y simbología New Age. La serie se reissues con frecuencia desde entonces.
Por qué importa Probablemente la serie más recordada de Alien Workshop. Definió el ADN "arty + paranoia conceptual" que distinguiría a la marca durante toda su vida (1990-2014) y que después continuaría en Quasi Skateboards bajo Chad Bowers.
Pero si existe una imagen capaz de resumir toda la filosofía de Alien Workshop en un solo símbolo, probablemente sea el Visitor.
Alien Workshop Visitor
Alien Workshop Visitor
Marca Alien Workshop
Pro model (team series)
Diseñador Mike Hill
El Visitor apareció como una evolución natural de la iconografía extraterrestre que Alien Workshop llevaba desarrollando desde principios de los noventa. La figura humanoide de gran cabeza y rasgos simplificados se convirtió en el personaje más asociado a la marca y apareció repetidamente en tablas, ropa, pegatinas y material promocional durante más de dos décadas. Su diseño minimalista contrastaba con la complejidad de muchas gráficas de la época y ayudó a consolidar la identidad visual única de Alien Workshop.
Por qué importa Posiblemente el personaje más reconocible del skate alternativo de finales de los noventa y principios de los 2000.
Supreme Box Logo Deck
Supreme Box Logo
Marca Supreme
Diseñador James Jebbia (adaptado de Barbara Kruger)
Caja roja con Futura Heavy Oblique en blanco. Inspirado directamente en la obra de Barbara Kruger. Supreme abrió en Lafayette Street, Manhattan, en abril 1994 con un layout pensado para que se pueda entrar patinando. Primera colab con artista: Rammellzee (1994). VF compró Supreme en 2020 por 2.100M$, EssilorLuxottica recompra en 2024 por 1.500M$.
Por qué importa Convirtió el deck en objeto de subasta. Sets KAWS x Supreme se han subastado por 55.700$. Cambio de paradigma: skate → streetwear de lujo.
Baker Logo Deck
Baker Logo Deck
Marca Baker Skateboards
Diseñador Andrew Reynolds y equipo Baker
A principios de los 2000, mientras muchas compañías seguían apostando por ilustraciones complejas, Baker encontró gran parte de su identidad visual en algo mucho más sencillo: su propio nombre. Las tablas con el enorme wordmark BAKER se convirtieron en un símbolo de toda una generación de street skaters y ayudaron a consolidar la marca fundada por Andrew Reynolds en 2000 como una de las compañías más influyentes de su época.
Por qué importa Convirtió un simple logotipo en uno de los símbolos más reconocibles del skate de los años 2000. Capturó perfectamente el espíritu del street skating de principios de la década —punk, directo, sin adornos— y abrió el camino a toda la generación de marcas skater-owned que vendrían después (Deathwish, Shake Junt y compañía).
Creature Logo
Creature Logo
Marca Creature Skateboards
Diseñador Equipo Creature / NHS
El logotipo Creature —tipografía gótica densa con la palabra CREATURE en mayúsculas, normalmente acompañada del símbolo de la cruz invertida o pentáculo— está inspirado directamente en la iconografía del heavy metal, el horror clásico y la cultura underground. Ha acompañado a varias generaciones de riders desde principios de los 2000 hasta hoy y sigue siendo uno de los logos más reconocibles del catálogo NHS.
Por qué importa Una de las identidades visuales más sólidas y consistentes del skate moderno. Pocas marcas han mantenido un lenguaje gráfico tan coherente durante tanto tiempo sin perder relevancia cultural.
Element Tree
Element Tree / Triple Eight
Marca Element
Diseñador Johnny Schillereff
Tres círculos formando triángulo (los cuatro elementos: tierra, fuego, agua, aire) + árbol con raíces. Estética eco-naturalista. Element fue probablemente la marca comercialmente más exitosa de la era moderna, hasta su quiebra dentro del grupo Liberated Brands en febrero 2025.
Por qué importa Primera gran marca skate con iconografía ambientalista. Encarna el ala 'corporativa' del skate 2000s — pulido, mainstream, accesible.
Element Section
Element Section
Marca Element Skateboards
Diseñador Equipo Element
El Section Logo simplificó la identidad de Element en cuatro elementos geométricos: árbol, agua, fuego y viento. Su diseño limpio y fácilmente reproducible ayudó a impulsar la expansión internacional de la marca durante los años 2000.
Por qué importa Representa la transición del skate hacia identidades visuales cada vez más cercanas al branding contemporáneo.
Flip HKD Logo
Flip HKD Logo
Marca Flip Skateboards
Diseñador Equipo Flip
Flip Skateboards se relanzó en 1994 en Estados Unidos tras los inicios de la marca en Reino Unido (Deathbox, fundada por Jeremy Fox y Ian Deacon). El logotipo HKD —tipografía limpia con la sigla integrada en el wordmark Flip— se consolidó durante los noventa y principios de los 2000 como la imagen oficial de la marca. La etapa dorada de Flip coincide con un equipo legendario: Geoff Rowley, Tom Penny, Arto Saari, Rune Glifberg, Ali Boulala, Bastien Salabanzi, y los vídeos Sorry (2002) y Really Sorry (2003), referencias absolutas del street skating de la época.
Por qué importa Una de las marcas más influyentes de la transición entre los noventa y los años 2000. El logo HKD acompañó a una de las generaciones más recordadas del street skating europeo-americano y sigue siendo inmediatamente reconocible para cualquier skater que vivió aquella época.
Enjoi Panda
Enjoi (panda)
Marca Enjoi Skateboards
Diseñador Marc Johnson / equipo Enjoi
Enjoi se fundó en el año 2000 dentro de la distribuidora Dwindle, con Rodney Mullen, Marc Johnson y Louie Barletta entre las caras visibles del proyecto. La mascota de la marca —un panda con expresión torpe— acompañaba el tono humorístico que diferenciaba a Enjoi del resto del street técnico de los 2000.
Por qué importa Uno de los logos más reconocibles del skate de los 2000, asociado a una marca con voluntad cómica explícita.
Zero Single Skull
Zero Single Skull
Marca Zero Skateboards
Diseñador Jamie Thomas
Jamie Thomas fundó Zero Skateboards en 1996 tras su salida de Toy Machine. La calavera Single Skull, dibujada por el propio Thomas, se convirtió en el emblema central de la marca a partir de finales de los noventa y dominó la identidad visual de Zero durante toda la primera mitad de los 2000. Su éxito no se explica solo por el diseño, sino por todo lo que representaba la marca en aquel momento: street skating llevado al límite, parts de vídeo en hammers (Misled Youth, 1999; Dying to Live, 2002) y una estética hardcore directamente conectada con la escena punk californiana.
Por qué importa Uno de los iconos visuales más reconocibles de toda una generación de skaters. La calavera Zero apareció en tablas, camisetas, stickers, mochilas y casi cualquier superficie imaginable durante los primeros 2000, en una escala comparable al Panda de Enjoi o al logo de Baker dentro del mismo periodo.
Zero Three Skulls
Zero Three Skulls
Marca Zero Skateboards
Diseñador Jamie Thomas
Variante de la calavera Zero con la imagen triplicada en composición horizontal, lanzada a principios de los 2000. La repetición creaba una imagen todavía más agresiva y reconocible que la Single Skull original, y se convirtió en una de las versiones más populares de toda la historia de la marca. Se reissues con frecuencia y aparece todavía hoy en gran parte del merchandising actual de Zero.
Por qué importa Representa el momento de máxima influencia cultural de Zero dentro del street skating. Para muchos skaters que crecieron durante los años 2000, esta imagen es tan identificable como cualquier otro logo de la generación Baker / Deathwish / Toy Machine.
Mientras Zero representaba el lado más agresivo y hardcore del street skating de los años 2000, otras marcas estaban explorando direcciones mucho más surrealistas. Ningún artista simboliza mejor esa búsqueda que Don Pendleton.
Foundation Moon & Star
Foundation Moon & Star
Marca Foundation Skateboards
Diseñador Foundation Skateboards
La combinación de una luna creciente y una estrella se convirtió en una de las imágenes más reconocibles de Foundation durante los años noventa y principios de los 2000. Su diseño sencillo contrastaba con las ilustraciones complejas que dominaban gran parte del mercado y ayudó a construir una identidad visual inmediatamente reconocible para varias generaciones de skaters. Apareció en tablas, camisetas, adhesivos y material promocional, acompañando el crecimiento de una de las marcas más influyentes del street skating moderno. Con el tiempo, Moon & Star terminó funcionando como un símbolo de pertenencia para toda una comunidad de riders vinculados al universo Foundation.
Por qué importa Es una de las imágenes más reconocibles de Foundation y uno de los símbolos más duraderos del street skating de finales de los noventa y principios de los 2000. Su simplicidad demuestra que un gráfico no necesita ser complejo para convertirse en un icono.
A medida que avanzaba la década de los 2000, las fronteras entre skate, diseño, moda y arte empezaban a difuminarse.
Los gráficos ya no vivían únicamente en skate shops. Aparecían en galerías. En museos. En colecciones privadas. Y en colaboraciones con artistas de todo el mundo.
La siguiente etapa de esta historia estaría marcada precisamente por esa mezcla entre skate y arte contemporáneo.
Y pocos nombres resultan tan importantes para entenderla como Mark Gonzales, Krooked y la generación que convirtió el dibujo espontáneo en una forma de identidad visual.
2000-2025 — Krooked, DGK, Deathwish y la era de la identidad visual
A medida que avanzaban los años 2000, el skate ya no era únicamente una subcultura.
Seguía siendo una comunidad relativamente pequeña comparada con otros deportes, pero su influencia sobre la moda, el diseño gráfico, la fotografía y la cultura urbana era cada vez mayor.
Las marcas también estaban cambiando. Algunas apostaban por una identidad visual muy cuidada y coherente. Otras preferían construir universos gráficos completos. Y otras simplemente reflejaban la personalidad de sus fundadores.
Pocas compañías representan mejor esta última idea que Krooked.
Fundada por Mark Gonzales en 2002, la marca recuperó algo que se había ido perdiendo con el paso de los años: el dibujo espontáneo, imperfecto y profundamente personal.
No parecía diseñado por un departamento de marketing. Parecía dibujado por Gonz. Y precisamente ahí estaba la gracia.
Mientras algunas marcas apostaban por el minimalismo, otras construían identidades visuales profundamente conectadas con la realidad de los barrios donde habían nacido. Pocas representan mejor esa idea que DGK.
DGK Money Series
DGK Money Series
Marca DGK
Pro model (team series)
Diseñador Equipo DGK
DGK —Dirty Ghetto Kids— fue fundada por Stevie Williams en Filadelfia con el objetivo de representar una realidad que apenas aparecía reflejada en el skate comercial de la época. Las Money Series utilizaron billetes, símbolos de riqueza y referencias directas al ascenso social como elemento visual central. La serie se convirtió rápidamente en una de las imágenes más reconocibles del catálogo DGK y ayudó a consolidar la identidad de una de las marcas más influyentes del street skating moderno.
Por qué importa Amplió la representación cultural dentro del skate y construyó una identidad visual inseparable de la historia personal de Stevie Williams y de la cultura urbana de la Costa Este.
Krooked Eyes
Krooked Eyes
Marca Krooked Skateboards
Pro model (motivo recurrente)
Diseñador Mark Gonzales
Dos ojos asimétricos, entre traviesos y melancólicos. Aparecen en hoodies, gorras, tablas. Encarnan el humor goofy/absurdo Krooked.
Por qué importa Segundo icono Krooked. Modelo de cómo una marca puede tener identidad sin un logo único formal.
Deathwish Gang Logo
Deathwish Gang Logo
Marca Deathwish Skateboards
Diseñador Equipo Deathwish
Deathwish Skateboards se fundó en 2008 como marca hermana de Baker, con Erik Ellington, Jim Greco y Andrew Reynolds en el núcleo del proyecto. El Gang Logo —tipografía gótica con la palabra DEATHWISH y dos manos formando el signo "gang sign" característico de la marca— se convirtió rápidamente en uno de los emblemas más reconocibles de la generación post-Baker.
Por qué importa Representa la evolución natural del espíritu Baker durante la siguiente generación: estética más cruda, más agresiva y menos pulida. Define toda una corriente del skate americano de finales de los 2000 y de los 2010.
Palace Tri-Ferg
Palace Tri-Ferg
Marca Palace Skateboards
Diseñador Fergus Purcell
Palace Skateboards se fundó en Londres en 2009 por Lev Tanju. El logo —tres triángulos formando un triángulo mayor, conocido como el Tri-Ferg— lo diseñó Fergus Purcell (de ahí el nombre), artista londinense con un largo historial en marcas como Marc Jacobs y Lucien Pellat-Finet. Lanzado en 2010, el Tri-Ferg se convirtió rápidamente en uno de los logos de skate más reconocibles del siglo XXI y en uno de los símbolos centrales del streetwear global a partir de mediados de la década.
Por qué importa Demuestra hasta qué punto el diseño gráfico del skate ha influido en la moda global. Pocas marcas de skate han conseguido cruzar tan claramente la frontera entre skateboarding y cultura popular, con colaboraciones con Adidas, Reebok, Stella Artois, Polo Ralph Lauren y media docena de casas de lujo.
Polar Stroke Logo
Polar Stroke Logo
Marca Polar Skate Co.
Diseñador Pontus Alv
Polar Skate Co. se fundó en Malmö (Suecia) en 2011 por Pontus Alv, tras varios proyectos previos —incluido el vídeo The Strongest of the Strange—. El stroke logo de la marca, dibujado a mano por Alv con trazo grueso y aspecto deliberadamente imperfecto, conecta directamente con la corriente naíf que abrió Mark Gonzales en Krooked. En una época dominada por gráficos muy elaborados, Polar encontró fuerza en la simplicidad.
Por qué importa Representa la influencia creciente de Europa dentro del diseño gráfico del skate moderno. La estética Polar —dibujo a mano, paletas reducidas, composiciones casi de cartel underground— marcó el lenguaje visual del skate europeo de los 2010 y se exportó al mercado americano.
Cliché Hand
Cliché Hand
Marca Cliché Skateboards
Diseñador Jérémie Daclin / equipo Cliché
Fundada en Lyon, Cliché ayudó a demostrar que Europa podía desarrollar una identidad visual completamente propia dentro del skate. Su característico símbolo de la mano acompañó durante años algunos de los vídeos y catálogos más influyentes del continente.
Por qué importa Uno de los iconos más importantes del skate europeo y precursor directo de la explosión creativa que llegarían después con Magenta y Polar.
Magenta Leaf / M
Marca Magenta Skateboards
Diseñador Soy Panday
Hoja + 'M' con trazo elegante, caligráfico, casi japonés-bandes-dessinées. Fundada en 2010 en Burdeos por Soy Panday y los hermanos Feil. Sin intermediarios: Soy dibuja todo, Vivien lleva negocio, Jean envíos.
Por qué importa Estética 'living street' europea. Junto con Polar, redefinió que se puede tener marca skate sin gritar nunca.
Jart Logo
Jart Logo
Marca Jart Skateboards
Diseñador Equipo Jart
Fundada en el País Vasco, Jart se convirtió en una de las compañías europeas más exitosas de la historia del skate. Su identidad visual sencilla y reconocible acompañó el crecimiento internacional de la marca durante los años 2000 y 2010, convirtiéndola en una referencia para varias generaciones de skaters europeos.
Por qué importa Es uno de los símbolos más reconocibles del skate europeo y representa el éxito internacional de una marca nacida en España.
Supreme Louis Vuitton Deck (2017)
Supreme x Louis Vuitton Deck
Marca Supreme / Louis Vuitton
Pro model (colección)
Diseñador Supreme + Louis Vuitton
La colaboración Supreme x Louis Vuitton se presentó en la Fashion Week masculina de París, otoño-invierno 2017. Una parte del drop fueron tablas de skate con el monograma LV combinado con el wordmark rojo Supreme. La operación marcó el momento en que una marca de skate y una de las casas de lujo más antiguas del mundo presentaban juntas una colección en la pasarela. Los precios de reventa de las tablas alcanzaron cifras de varios miles de dólares por unidad.
Por qué importa Simboliza el momento en que el skate pasó a formar parte del mainstream global sin perder completamente su identidad. Cierra el arco abierto por Supreme en 1994 (Box Logo) y deja claro que la tabla de skate se ha consolidado como pieza de diseño, lujo y coleccionismo, no solo como objeto deportivo.
Toy Machine Charred Cross (2025)
Charred Cross
Marca Toy Machine
Pro model (graphic manifiesto)
Diseñador Ed Templeton
KKK encapuchado crucificado y ardiendo sobre svástica rota. Manifiesto antirracista. Polarizó: aplaudido por gran parte de la comunidad, atacado por simpatizantes KKK y por críticos que decían que 'el mensaje está bien pero no debería venderse como producto'.
Por qué importa Toy Machine y Templeton siguen siendo conciencia política del skate, 30+ años después.
Thrasher, Independent, Spitfire, DC: logos del skate que trascendieron la tabla
Algunos diseños del entorno skate alcanzaron presencia masiva fuera del propio deporte como prenda de calle o iconografía juvenil. Thrasher Magazine introdujo su wordmark con llamas y el lema Skate and Destroy a principios de los 80; la cruz de Independent Trucks (introducida a finales de los 70 por NHS) y el bighead de Spitfire Wheels se cuentan entre los logos del skate más tatuados en piel hasta hoy.
Thrasher (logo de llamas / Skate and Destroy)
Marca Thrasher Magazine
Pro model (slogan/identity)
Diseñador Thrasher / Kevin Thatcher (revista, 1981)
Thrasher nació en 1981 (Kevin Thatcher, Eric Swenson, Fausto Vitello). El wordmark gótico de llamas y el lema Skate and Destroy se convirtieron en la identidad visual más imitada del skate: de portada de revista a parche, tatuaje y, décadas después, camiseta de pasarela.
Por qué importa Probablemente el logo más bootlegueado de la cultura skate. Trascendió la revista para volverse símbolo de actitud —y, irónicamente, objeto de moda mainstream que la propia Thrasher criticó.
Independent Cross
Marca Independent Truck Company
Diseñador Jim Phillips
Phillips diseñó la cruz para Independent (fundada 1978 por Vitello, Swenson, Novak, Shuirman). Idea original: 'surfer's cross', variante de cruz de hierro alemana por la conexión surf/skate. Inicialmente rechazada por la asociación nazi, Phillips insistió señalando el uso en cruz del Papa Juan Pablo II. En 2022 la marca rediseñó el logo distanciándose explícitamente.
Por qué importa Junto con el Spitfire Bighead, el logo más tatuado de la historia del skate. Su rediseño 2022 fue evento cultural.
Spitfire Bighead
Marca Spitfire Wheels
Diseñador Kevin Ancell
Cara estilizada con cabeza en llamas, ojos rasgados negros con brillo blanco, sonrisa con dientes blancos exagerados, todo en rojo vivo sobre fondo negro. Apareció primero como ad en mayo de 1992. Spitfire fue fundada en 1987 por Jim Thiebaud bajo Deluxe.
Por qué importa Una de las imágenes más reproducidas en la historia del skate. Cosida en sudaderas, tatuada, pintada en bowls DIY mundialmente. Encarna la energía DLXSF.
DC Star Logo
Marca DC Shoes
Diseñador Damon Way / Ken Block (equipo fundador)
Fundada en 1994, DC Shoes creció hasta convertirse en una de las compañías más visibles de toda la industria del skate durante finales de los noventa y principios de los 2000. Su logotipo —la característica estrella acompañada por las letras DC— apareció en zapatillas, ropa, competiciones, videojuegos y campañas publicitarias que alcanzaron una audiencia muy superior a la del skate tradicional. Durante varios años fue prácticamente imposible entrar en un skatepark sin ver el logo de DC repetido decenas de veces.
Por qué importa Pocos logos skate alcanzaron tanta visibilidad global durante los años 2000. Representa el momento en que el skateboarding se convirtió en una industria internacional de masas.
Etnies "E"
Marca Etnies
Diseñador Pierre André Sénizergues
La característica letra E estilizada de Etnies acompañó la expansión mundial de una de las compañías de calzado más importantes de la historia del skate. Durante los años noventa y primeros dos mil apareció en millones de zapatillas, camisetas y anuncios.
Por qué importa Representa la profesionalización global del calzado skate y una de las marcas más influyentes de todos los tiempos.
Ranking en vivo de los más votados
Mira qué gráficos van ganando
93 diseños del catálogo ordenados por votos reales. Cada vez que alguien le da a "me gusta", el ranking se mueve.
Ver ranking completo →- 1 Iron Cross / Screaming Chicken Skull 5
- 2 Nordic Skull 4
- 3 Flaming Dagger 4
Los 6 diseñadores más influyentes del skate: VCJ, Jim Phillips, Marc McKee, Andy Jenkins y Mark Gonzales
Vernon Courtlandt Johnson (VCJ) — diseñador principal del catálogo Powell-Peralta entre 1978 y 1991. Trabaja con tinta sobre papel. Estudió manuscritos medievales iluminados y simbología esotérica. Dejó Powell en 1991, volvió en 2011. Vende prints originales en vcjart.com.
Wes Humpston — cofundador de Dogtown Skates con Jim Muir. Se le atribuye haber sido el primero en dibujar a mano sobre tablas producidas en serie, a partir de 1976. Gestiona Bulldog Skates desde 1995.
Jim Phillips — director artístico de Santa Cruz desde 1975. Background de cartelería de rock psicodélico de los 60. Autor de la Screaming Hand y de buena parte del bestiario de Santa Cruz. Tres libros publicados entre 2003 y 2007. Entró en el Skateboarding Hall of Fame en 2017. Su hijo Jimbo Phillips continúa la actividad.
Marc McKee — artista principal de World Industries y Blind en los años 90. Background en BMX flatland (Skyway). Diseñó las mascotas Devilman, Flameboy y Wet Willy. Publicó The Art of Marc McKee en 2011.
Sean Cliver — artista paralelo a McKee en World/Blind. Publicó en 2004 Disposable: A History of Skateboard Art (Gingko Press), considerada obra de referencia del campo. Después produjo Jackass, Wildboyz y Bad Grandpa con Jeff Tremaine.
Mark Gonzales — pro skater desde 1984 (Vision). Cofundador de Blind (1989) y Krooked (2002). Transworld Skateboarding lo nombró skater más influyente de la historia en 2011. Carrera paralela como artista contemporáneo: zines, libros publicados con Drag City, exposiciones en Tokio, San Francisco, Nueva York, París y Berlín. Diseña para Supreme desde 2011.
Evolución técnica de la impresión
La técnica de imprimir un gráfico sobre una tabla curva ha cambiado en las cinco décadas que cubre este artículo. La línea de tiempo siguiente resume los grandes saltos:
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Madera lisa + stickers / logo en chapa
Tablas Logan, Sims, Hobie. Serigrafía de una tinta como máximo. La tabla es equipamiento deportivo, no objeto gráfico.
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Imagen transferida por calor
Se degradaba rápidamente con el uso. Powell-Peralta los empleó hasta mediados de la década antes de pasar a serigrafía estable.
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Serigrafía 2-4 colores spot
El lenguaje gráfico moderno del skate se desarrolla aquí. Decks de 10 pulgadas o más con composición full-bottom. Líneas finas y masas negras adaptadas a la limitación técnica.
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Serigrafía full-color
Máximo nivel alcanzado en serigrafía sobre madera curva. Coincide con el final de la era pre-crash.
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Serigrafía limitada en formato estrecho
Los decks adelgazan a 7.5-8 pulgadas. Los extremos se desgastan en cada slide, por lo que los gráficos se centran y los cartoons sustituyen a las composiciones heráldicas.
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Heat transfer digital
Permite imágenes full-color fotográficas, pero con menor durabilidad que la serigrafía tradicional.
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Litografía + serigrafía premium + maderas alternativas
Limited editions, colaboraciones con galerías de arte, bambú y abedul báltico. La tabla entra plenamente en el mercado del objeto coleccionable.
Lecturas y fuentes
- Cliver, Sean. Disposable: A History of Skateboard Art. Gingko Press, 2004.
- Phillips, Jim. The Skateboard Art of Jim Phillips. Schiffer Publishing, 2007.
- McKee, Marc. The Art of Marc McKee. Gingko Press, 2011.
- Entrevistas a VCJ en Juice Magazine.
- Cobertura editorial de Jenkem Magazine y Thrasher para los periodos posteriores a 2010.
Si quieres seguir tirando del hilo, en el diccionario de skate están definidas las palabras técnicas que aparecen aquí (deck, pro model, slide, popsicle, vert), y en la historia del skate completa está el contexto cronológico de la disciplina.
Esta lista no es definitiva
A estas alturas resulta evidente que la historia de los gráficos de skate no ha terminado.
Siguen apareciendo nuevas marcas, nuevos artistas y nuevas ideas cada año. Algunas desaparecerán con el tiempo. Otras acabarán convirtiéndose en clásicos. Y seguramente dentro de veinte años habrá debates tan apasionados sobre los gráficos actuales como los que hoy existen alrededor de Powell, Santa Cruz o World Industries.
Por eso esta lista nunca podrá considerarse definitiva. Es simplemente nuestra selección de algunos de los gráficos que más nos gustan, más nos han influido o más importantes nos parecen dentro de la evolución del skateboarding.
Y ahora te toca a ti.
¿Falta alguno imprescindible? Déjalo en los comentarios y ayúdanos a seguir ampliando esta historia.
Comentarios
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