Über die besten Skateboard-Grafiken aller Zeiten zu reden ist eine unmögliche Mission.
Nicht weil es an Kandidaten mangelt, sondern weil es zu viele gibt.
Jede Generation hat ihre Favoriten. Manche erinnern sich noch an das erste Mal, als sie eine Screaming Hand auf einem Aufkleber an einem Laternenpfahl gesehen haben. Andere sind mit dem Traum aufgewachsen, eine Skull and Sword von Powell-Peralta an ihrer Zimmerwand hängen zu haben. Und es gibt Menschen, die noch heute etwas Besonderes spüren, wenn sie einem Deck von Gonzales, Templeton oder Natas Kaupas begegnen.
Deshalb stellen wir eines von Anfang an klar.
Das hier ist kein endgültiges Ranking. Und es will keine objektive Liste sein.
Es ist unsere Auswahl einiger der wichtigsten, einflussreichsten, ikonischsten oder schlicht unvergesslichsten Grafiken, die die Geschichte des Skateboardings hervorgebracht hat.
Wir haben Bücher, Interviews, historische Kataloge, Magazine wie Thrasher, Juice oder Jenkem und Dutzende Fachquellen durchforstet, um eine Zeitlinie zu konstruieren, die erklärt, wie ein schlichtes Stück Holz zu einem der bekanntesten Kunstträger der Popkultur wurde. Denn das Skaten hat etwas geschafft, das kaum ein anderer Sport je hinbekommen hat. Es hat eine eigene visuelle Sprache erschaffen.
Während andere Sportarten ihre Identität rund um Teams, Stadien oder Trikots aufgebaut haben, hat das Skaten die Unterseite eines Decks in eine Leinwand verwandelt. Einen Raum, in dem Kunst, Musik, Stadtkultur, Humor, Provokation, Politik und Persönlichkeit nebeneinander existieren.
Viele der Bilder, die hier auftauchen, sind auch für Menschen erkennbar, die nie einen Ollie gemacht haben. Und das sagt viel über ihre Wirkung aus.
Wie diese Liste funktioniert
Jede Grafik hat einen Vote-Button, damit du uns sagen kannst, welche deiner Meinung nach weiter oben stehen sollten. Die Ergebnisse aktualisieren sich in Echtzeit und fließen in unser Gesamtranking ein.
Außerdem kannst du, wenn du deine eigenen Skater-Vorurteile auf die Probe stellen willst, unser Bracket ausprobieren: ein Turnier, bei dem du historische Designs gegeneinander antreten lässt, bis du deinen persönlichen Champion kürst.
Denn eines ist klar. Es gibt keine richtige Antwort.
Ist die Screaming Hand besser als der Ripper?
Hat das Dogtown Cross historisch mehr Bedeutung als die Skull and Sword?
Kann ein Logo wie das von Girl gegen ein illustriertes Meisterwerk von Jim Phillips antreten?
Wir haben unsere Meinung und du hast sicher deine. Genau deshalb existiert dieser Artikel.
Bevor es losgeht…
Es gibt etwas Wichtiges, das man im Hinterkopf behalten sollte. Nicht alle Grafiken sind aus denselben Gründen bedeutsam. Manche haben das Design revolutioniert. Andere haben Millionen von Decks verkauft. Einige haben eine Generation definiert. Andere haben dazu beigetragen, eine Marke aufzubauen. Und ein paar wenige haben es geschafft, den Skate zu verlassen und zu kulturellen Ikonen zu werden, die weltweit erkennbar sind.
Sie miteinander zu vergleichen ist nicht immer fair – aber genau darin liegt der Reiz.
Wenn dir eine Grafik fehlt, die deiner Meinung nach hier stehen sollte, lass es uns in den Kommentaren wissen. Wir sind sicher, dass einige fehlen, und wahrscheinlich werden wir nie aufhören, neue Kandidaten hinzuzufügen. Denn die Geschichte der Kunst im Skate wird jeden Tag weitergeschrieben.
Was ist die beste Skate-Grafik aller Zeiten? Du entscheidest
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Bracket starten →1976–1977 — als Decks anfingen, Geschichten zu erzählen
Heute scheint es unvorstellbar, ein Skateboard-Deck ohne eine auffällige Grafik zu haben.
Aber während eines Großteils der Sechziger und frühen Siebziger waren Decks kaum mehr als Sportgeräte. Ein einfaches Logo. Ein Aufkleber. Ein paar einfache Siebdrucke. Nichts weiter. Die Idee, dass ein Deck zu einem grafischen Kunstwerk werden könnte, existierte schlicht nicht.
Das begann sich in Südkalifornien zu ändern. Und wie so viele andere Revolutionen im Skate begann es in Dogtown.
Zwischen Venice und Santa Monica wuchs eine Generation von Skatern heran, die sich von keiner vorherigen unterschied. Sie skateten leere Pools, hörten andere Musik und hatten eine Einstellung, die viel näher am Underground-Surf und Punk war als am traditionellen Sport. Sie brauchten eine eigene Identität. Und diese Identität zeigte sich schließlich auch auf dem Holz.
Dogtown Cross
Marke Dogtown Skates
Pro Model Team (Tony Alva, Jay Adams, Jim Muir)
Designer Craig Stecyk III (símbolo) + Wes Humpston (deck)
Wenn es einen Ausgangspunkt für die Geschichte der Grafik im Skaten gibt, ist es wahrscheinlich das Dogtown Cross. Das Merkwürdige daran: Es wurde nicht einmal als Skate-Grafik geboren. Craig Stecyk III, Fotograf, Autor und eine der wichtigsten intellektuellen Figuren der Zephyr-Bewegung, hatte jahrelang dieses Kreuz an die Mauern von Santa Monica gesprüht – als territoriales Zeichen. Ein Symbol des Viertels. Eine Signatur. Eine Botschaft für diejenigen, die zum Dogtown-Umfeld gehörten. Als Wes Humpston ihn um Erlaubnis bat, es auf den Boards von Dogtown Skates zu verwenden (um 1976), stimmte Stecyk zu. Die eigentliche Revolution war jedoch Humpston: Er begann, direkt per Hand auf die Boards zu zeichnen – etwas, das heute selbstverständlich wirkt, 1976 aber völlig verrückt war. Ohne Humpston ist es schwer, sich die spätere Arbeit von Jim Phillips, VCJ oder irgendeinem anderen bedeutenden Skate-Künstler vorzustellen.
Warum es zählt Nicht weil es die schönste oder meistverkaufte Grafik war, sondern weil sie als erste bewies, dass ein Board Kultur, Haltung und Zugehörigkeit vermitteln kann. Skaten verkaufte nicht länger nur Performance. Es begann, Identität zu verkaufen. Die formal wichtigste Innovation in der visuellen Geschichte des Skatens.
Alva (Logo + Fades)
Marke Alva Skates
Pro Model Tony Alva
Designer Tony Alva / equipo Alva
Wenn Dogtown auch half, die visuelle Identität des Skatens zu schaffen, dann half Tony Alva, das Geschäftsmodell zu verändern. Als Z-Boy von Dogtown gründete er 1977 Alva Skates und wurde der erste große Professional, der sich dafür entschied, seine eigene Marke zu gründen, anstatt für ein Engineering-Unternehmen zu fahren. Heute wirkt das normal, aber damals war es eine Unabhängigkeitserklärung. Das berühmte eckige "A" von Alva und die mit Farbverläufen gefärbten Decks (die Fades) wurden schnell zu einem wiedererkennbaren Image in der Szene. Es gab keine Monster. Es gab keine komplexen Illustrationen. Es gab keine Erzählungen. Nur Attitude. Und es funktionierte. Die Marke vermittelte genau die Persönlichkeit von Tony Alva: aggressiv, herausfordernd und völlig entfernt vom traditionellen Sportimage.
Warum es zählt Sie setzte den Präzedenzfall für die vom Skater selbst geleitete Marke. Dieses Modell — der Rider als Besitzer — würde später Powell, World Industries, Plan B, Birdhouse, Girl, Baker und praktisch jede Skater-owned Marke reproduzieren. Die Idee, dass ein Skater seine eigene Bildwahrnehmung kontrollieren konnte, begann hier.
Vans — Off The Wall
Marke Vans
Pro Model (Schuhmarke)
Designer Familia Van Doren
Obwohl wir technisch gesehen nicht von einer Grafikdeck sprechen, ist es unmöglich, die visuelle Geschichte des Skatens zu erzählen, ohne bei Vans innezuhalten. Die Van Doren Rubber Company eröffnete 1966 in Anaheim und fertigte maßgeschneiderte Schuhe mit Gummisohle. Mitte der siebziger Jahre adoptierten kalifornische Skater die Era und die Authentic aus einem sehr einfachen Grund: Sie funktionieren besser als fast alles andere, das damals verfügbar war, besonders wegen der klebrigen Waffelsohle. Was danach kam, war unerwartet: die Waffelsohle, das Schachbrettmuster, der Schriftzug Off The Wall, die Sk8-Hi, die Half Cab. All diese Elemente bildeten letztendlich eines der erkennbarsten visuellen Systeme in der gesamten Skate-Kultur. Heute kannst du ein Vans-Shirt in jeder Stadt des Planeten finden, aber seine DNA bleibt mit jenen ersten Skateparks Kaliforniens verbunden.
Warum es zählt Half-Cab half zu zeigen, dass Skate-Ästhetik über das Skaten selbst hinausgehen konnte. Eine Idee, die Jahrzehnte später mit Supreme, Thrasher und einem großen Teil des modernen Streetwear explodieren würde. Das Schachbrettmuster und das Off The Wall gehören zu den erkennbarsten Emblemen der Skate-Kultur, auf und neben dem Board.
Ende der Siebziger war bereits klar, dass etwas Wichtiges passierte. Das Deck hörte auf, nur ein Werkzeug zum Skaten zu sein. Es wurde zu einem Ausdrucksmedium.
Was niemand ahnte, war, was als Nächstes kommen würde. Denn 1978 holte eine kleine Marke namens Powell-Peralta einen Illustrator namens Vernon Courtlandt Johnson. Und von diesem Moment an war nichts mehr wie zuvor.
1978–1989 — Powell-Peralta und das goldene Zeitalter der Skateboard-Grafik
Wenn es eine Marke gibt, die die Ästhetik des Skateboardings für immer verändert hat, dann ist es wahrscheinlich Powell-Peralta.
In den Achtzigern versammelte Powell nicht nur einige der wichtigsten Skater der Geschichte innerhalb der Bones Brigade. Die Marke half auch dabei, das Deck in etwas mehr als nur ein Sportprodukt zu verwandeln. Zum ersten Mal begannen Grafiken genauso viel Bedeutung zu haben wie der Rider selbst.
Ein Großteil dieser Transformation lief über Vernon Courtlandt Johnson, besser bekannt als VCJ. Seine Arbeit hat einen Großteil der visuellen Welt des klassischen Skates definiert: Totenköpfe, Drachen, Fantasiegeschöpfe, mittelalterliche Symbole und Kompositionen, die bis heute in Reissues, Kollektionen und an den Wänden von Tausenden von Skatern auftauchen.
Interessant ist, dass viele dieser Designs nicht nur als spektakuläre Illustrationen funktionierten. Sie halfen auch dabei, die Identität jedes Riders aufzubauen. Das Deck begann zu einer Erweiterung der Persönlichkeit dessen zu werden, der es fuhr.
Skull and Sword
Skull and Sword
Marke Powell-Peralta
Pro Model Ray 'Bones' Rodriguez
Designer Vernon Courtlandt Johnson (VCJ)
Erstes Pro-Signature-Modell von Powell-Peralta und einer der ersten großen Totenschädel auf einem industriell gefertigten Skate-Deck. In Brite-Lite-Dayglo-Farben herausgegeben. Rodriguezs Spitzname "Bones" entstand durch eben diese Grafik, und der Name Bones Brigade (1979) etablierte sich endgültig infolge des kommerziellen Erfolgs des Modells.
Warum es zählt Begründete die visuelle DNA von Powell-Peralta für das folgende Jahrzehnt.
Chinese Dragon
Chinese Dragon
Marke Powell-Peralta
Pro Model Steve Caballero
Designer VCJ, sobre boceto de Steve Caballero
Cab war Rookie of the Year 1980 und lehnte den Vorschlag von Powell (Skull + Propeller) ab, indem er seinen eigenen Entwurf einreichte: einen kauernden Drachen. VCJ vollendete ihn. Das Motiv hielt sich sechs Jahre lang mit minimalen Änderungen – ein Rekord.
Warum es zählt Erstes Mal, dass ein Rider bei Powell sein eigenes Graphic mit unterzeichnete. Etablierte die Idee, dass das Deck die Persönlichkeit des Skaters widerspiegeln soll.
Iron Cross / Screaming Chicken Skull
Iron Cross / Screaming Chicken Skull
Marke Powell-Peralta
Pro Model Tony Hawk
Designer VCJ
Hawk hatte mit seinem 'Soaring Hawk' (1982) einen kommerziellen Misserfolg erlitten. VCJ entwarf neu: ein menschlich-falkenartiger Hybrid-Schädel auf einem Iron Cross im Biker-Stil. Als das Skaten 1984 wieder anzog, startete diese Grafik gemeinsam mit Hawks Karriere durch.
Warum es zählt Eines der meistreproduzierte Grafiken der Geschichte. Visuelle Grundlage von Hawks persönlicher Marke über 40 Jahre hinweg.
The Ripper
The Ripper
Marke Powell-Peralta
Pro Model (brand logo)
Designer VCJ
Ursprünglich als 'Bones Sold Here'-Sticker für Läden gezeichnet. Der Erfolg war so groß, dass das Motiv auf T-Shirts, Sticker und schließlich sein eigenes Deck wanderte. Ein Totenschädel, der mit seiner Klaue ein Papier zerreißt.
Warum es zählt Zusammen mit der Screaming Hand eines der meistreproduzierte und bekanntesten Skate-Grafiken der Geschichte. Es bewies, dass ein Markenzeichen mehr verkaufen kann als ein konkretes Pro Model. Auch mehr als vierzig Jahre nach seiner Erstveröffentlichung noch in Produktion.
Winged Ripper
Marke Powell-Peralta
Pro Model (team / Promo)
Designer Vernon Courtlandt Johnson (VCJ)
Variation des Rippers (1983) mit ausgebreiteten Flügeln zu beiden Seiten des Schädels. Erscheint im Powell-Peralta-Katalog der Mitte und des späten 80er als Promo- und Team-Graphic und ist Teil der wiederkehrenden Reissues der Marke, einschließlich moderner Bones Brigade-Serien.
Warum es zählt Eine der meistreplizierten Varianten des originalen Rippers. Erweitert die heraldische Bildsprache von VCJ hin zu Kompositionen von größerem Format.
Zwischen 1983 und Ende der Achtziger erlebte Powell eine kreative Phase, die schwer zu wiederholen ist. Jede Saison erschienen neue Grafiken, die das visuelle Universum der Marke erweiterten und zeigten, dass VCJ in der Lage war, sich an sehr unterschiedliche Persönlichkeiten anzupassen, ohne die ästhetische Kohärenz zu verlieren.
Und in diesem Katalog gibt es ein Stück, das besondere Erwähnung verdient: das Mutt / Chess Piece von Rodney Mullen. Es ist nicht die spektakulärste Grafik der Marke, aber es ist das Pro-Model von möglicherweise dem einflussreichsten Skater der gesamten Geschichte, und es bricht bewusst mit der dominanten Ästhetik von Powell. Diese Entscheidung, sich innerhalb einer Marke mit einer so etablierten visuellen Sprache abzuheben, sagt viel darüber aus, wie weit der kreative Spielraum in jener Zeit reichte.
Nordic Skull
Nordic Skull
Marke Powell-Peralta
Pro Model Per Welinder
Designer VCJ
Ein Fantasy-Totenschädel, umgeben von Wikinger-Runen, die Welinders Namen buchstabieren, plus die Botschaft: 'Search and strive, push beyond with strength, yours not theirs, that is the key.' Das Motiv spiegelte seine schwedische Herkunft wider.
Warum es zählt Erste Powell-Grafik mit integrierter kultureller/ethnischer Identität. VCJ kanalisiert sein Studium mittelalterlicher Manuskripte.
Skull and Snake
Skull and Snake
Marke Powell-Peralta
Pro Model Mike McGill
Designer VCJ + Mike McGill
Entworfen, während McGill den McTwist im schwedischen Camp 1984 perfektionierte. Er fügte die Schlange und die Blitze hinzu – eine Referenz an Florida, seinen Heimatstaat. Eines der meistverkauften Decks in der Geschichte von Powell.
Warum es zählt Höhepunkt der VCJ-Formel Skull-and-Creature. Inspiration für eine ganze Generation von Skate-Künstlern.
Future Primitive
Future Primitive
Marke Powell-Peralta
Pro Model Lance Mountain
Designer VCJ
Mountain lehnte ein erstes Konzept mit Skull und Knochen ab, weil er aus dem gewohnten Schema ausbrechen wollte. Heraus kam eine illustrative Komposition mit tribalen und primitiven Referenzen. Die erste Auflage enthielt ein verstecktes Detail eines Hundepenis, das schnell entfernt wurde – Exemplare mit diesem Detail sind heute hyper-collectible. Die Grafik gab dem Powell-Video von 1985 seinen Namen.
Warum es zählt Brach die Skull-Formel auf. Bewies die deutlich größere illustrative Bandbreite von VCJ.
Flaming Dagger
Flaming Dagger
Marke Powell-Peralta
Pro Model Tommy Guerrero
Designer Kevin Ancell (NO VCJ)
Inspiriert von der Motorhauben-Kunst amerikanischer Hot Rods der 60er und 70er Jahre. Erstes Powell-Pro-Graphic, das nicht von VCJ gezeichnet wurde. Es markierte eine Differenzierung: Guerrero als Street-/Urbaner Skater gegenüber dem Rest der Brigade, die primär Vert fuhr.
Warum es zählt Erster Riss in VCJs totaler Dominanz. Kündigt die visuelle Diversifizierung an, die in den 90ern folgen sollte.
Elephant
Elephant
Marke Powell-Peralta
Pro Model Mike Vallely
Designer VCJ + Mike Vallely
Vallelys erstes pro model. Ein erster Entwurf namens 'Roach' wurde abgelehnt. Der Elefant entstand in seiner Zusammenarbeit mit VCJ und begleitete Vallely durch seine gesamte Karriere — seine heutige Marke heißt Elephant Skateboards.
Warum es zählt Letztes großes VCJ-Artwork vor dem Massenabgang der Talente von Powell 1991.
Ein komplettes Universum
Mutt / Chess Piece
Marke Powell-Peralta
Pro Model Rodney Mullen
Designer VCJ
Erstes Pro-Freestyle-Modell von Powell. Das Schachmotiv (Version ca. 1983) stand für Mullens analytischen Geist – Schach als Metapher für den Flatground. Ein Exemplar befindet sich in der Sammlung des Smithsonian.
Warum es zählt Symbol des 'denkenden Skaters'. Mullen ist der technische Vater des modernen Street-Skatens.
Skull and Spade
Marke Powell-Peralta
Pro Model Steve Steadham
Designer Craig Stecyk III (NO Phillips)
Rasta-Totenschädel, Sidecut-Shape und gesquashte Tail für Pool-Coping. Steadham war der erste prominente afroamerikanische Pro-Skater bei Powell.
Warum es zählt Meilenstein der Repräsentation in einer nahezu ausschließlich weißen Industrie.
Kevin Harris (Mountie und Biber)
Marke Powell-Peralta
Pro Model Kevin Harris
Designer Vernon Courtlandt Johnson (VCJ)
Pro model des kanadischen Freestylers Kevin Harris für Powell-Peralta, designed von VCJ. Das Graphic — ein Beamter der Royal Canadian Mounted Police neben einem Biber — kombinierte die beiden kanadischen Nationalsymbole als Anspielung auf die Herkunft des Riders. Harris war neben Rodney Mullen eine der prägenden Figuren des Freestyle-Skatens der 80er, mit einem Stil, der auf Comedy und Showmanship setzte.
Warum es zählt Eines der wenigen Freestyle-Stücke der 80er im Powell-Peralta-Katalog neben dem Mullen Chess, und eines der Pro models mit der explizitesten kulturellen Identität aus dem VCJ-Werk.
Ray Barbee Ragdoll
Marke Powell-Peralta
Pro Model Ray Barbee
Designer Vernon Courtlandt Johnson (VCJ)
Pro model von Ray Barbee, Mitglied der Bones Brigade, designed von VCJ. Das Motiv — eine Gliederpuppe auf warmem Hintergrund — bricht mit dem üblichen gotischen Repertoire von Powell-Peralta und spiegelt einen Stil wider, der Barbee nähersteht: bekannt für sein fließendes Skaten und seine Nebentätigkeit als Musiker.
Warum es zählt Eines der wenigen Pro models der Bones Brigade, das aus dem heraldischen Code von Schädeln und Drachen ausbricht, der charakteristisch für VCJ ist.
Vato Rats / Rat Bones
Marke Powell-Peralta
Pro Model (brand logo)
Designer Craig Stecyk III
Stecyk reaktivierte seine Dogtown-Ikonografie der 70er (lateinamerikanische Gangs aus Santa Monica/Venice), und Stacy Peralta brachte sie 1983 als Brand Graphic zu Powell. Eine ästhetische Gegenlinie zu VCJ: roher, urbaner, latino-beeinflusst.
Warum es zählt Direkte Kontinuität zwischen dem Dogtown-Underground der 70er und dem kommerziellen Powell der 80er. Dasselbe Viertel, derselbe Künstler, ein anderer Markt.
Tony Hawk Claw (Powell-Peralta)
Marke Powell-Peralta
Pro Model Tony Hawk
Designer Vernon Courtlandt Johnson (VCJ)
Pro model von Tony Hawk für Powell-Peralta mit Vogelklauen-Motiv. Gehört zur letzten Generation der Hawk-Designs bei der Marke, bevor er 1992 geht, um gemeinsam mit Per Welinder Birdhouse zu gründen.
Warum es zählt Abschluss von Hawks Powell-Ära innerhalb der VCJ-Bildsprache. Direkter Vorläufer des aviären Bildrepertoires, das Hawk danach zu Birdhouse mitnahm.
Frankie Hill Bull Dog
Marke Powell-Peralta
Pro Model Frankie Hill
Designer Vernon Courtlandt Johnson (VCJ)
Pro model von Frankie Hill, gezeichnet von VCJ. Bulldoggenkopf mit Bandana auf gelbem Hintergrund. Hill war einer der Street-Pros der späten 80er bei Powell-Peralta, bekannt für seine Transfers von Bowl zu Banks und seinen kraftvollen Fahrstil. Das Modell gilt als eines der letzten relevanten Designs von VCJ vor dem Industrie-Crash 1991.
Warum es zählt Schließt die letzte Generation der VCJ Pro models der 80er ab, bevor sich die klassische Bones Brigade auflöst.
BONES (wordmark mit gekreuzten Knochen)
Marke Powell-Peralta · Bones
Pro Model (brand logo)
Designer Powell-Peralta / Bones
Wordmark der Bones-Linie von Powell-Peralta (Bones Wheels, Bones Bearings, Bones Brigade): das Wort BONES in fetter Schrift, dahinter zwei gekreuzte Knochen als X. Seit Anfang der 80er massiv auf T-Shirts, Stickern und Merchandise gedruckt, erreichte das Logo eine enorme Durchdringung der kalifornischen Jugendkultur jener Zeit. Ein erheblicher Teil der Träger skate nicht — sie trugen es als Kleidungsstück, das mit dem Skate-Image verbunden war.
Warum es zählt Eines der Skate-Wordmarks mit der größten Präsenz außerhalb des Sports selbst — als Streetwear-Stück der 80er und 90er.
1980–1989 — Santa Cruz und Jim Phillips: das andere große Universum des Skates
Während Powell-Peralta sein Universum mit mittelalterlichen Totenköpfen, Drachen und heroischer Fantasy aufbaute, wuchs auf der anderen Seite Kaliforniens eine völlig andere Vision dessen heran, was ein Skateboard-Deck sein konnte.
Wenn VCJ für Präzision, Symbolik und den Einfluss klassischer Illustration stand, setzte Jim Phillips auf Exzess, Farbe und visuelle Energie. Und es funktionierte.
Santa Cruz existierte seit Anfang der Siebziger unter dem Dach von NHS, aber erst die Ankunft von Phillips als Art Director definierte die visuelle Persönlichkeit der Marke endgültig. Seine frühere Erfahrung im Design von Konzertplakaten und psychedelischer Kunst passte perfekt zu dem Moment, den der Skate gerade erlebte. Das Ergebnis war eine Sammlung von unmöglichen Kreaturen, missgebildeten Monstern, Händen mit Eigenleben, übertriebenen Totenköpfen und Figuren, die aussahen, als wären sie einem Underground-Comic-Cover entsprungen.
Anders als bei Powell, wo viele Grafiken ein episches oder fast mythologisches Gefühl vermittelten, setzte Santa Cruz auf etwas Viszeral. Die Illustrationen waren unterhaltsam, aggressiv, übertrieben und vor allem unvergesslich.
Interessant ist, dass, obwohl Powell und Santa Cruz jahrelang als gegensätzliche Pole dargestellt wurden, beide Marken in Wirklichkeit dazu beigetragen haben, das goldene Zeitalter der Kunst im Skate aufzubauen. Eine brachte Eleganz und Symbolik, die andere Persönlichkeit und eine einzigartige Fähigkeit, visuelle Ikonen zu schaffen, die vierzig Jahre später immer noch funktionieren.
Wenige Epochen haben so viel Kreativität in so kurzer Zeit konzentriert. Und wenige haben so viele Grafiken hinterlassen, die bis heute immer wieder neu aufgelegt werden.
Der Beweis beginnt mit einer blauen Hand, die zu einem der bekanntesten Symbole der gesamten Skate-Kultur wurde.
Screaming Hand
Marke Santa Cruz / Speed Wheels
Pro Model (brand logo)
Designer Jim Phillips
Phillips hatte jahrelang Varianten gezeichnet (ein Schiffbrüchiger, der schreiend die Hand aus dem Wasser streckt). 1985 formulierte er das Motiv neu: eine blaue, schreiende Hand mit einem eigenen Mund zwischen den Fingern. Ursprünglich für die Speed-Wheels-Linie gedacht, übernahm es schließlich die gesamte Marke. Der 30. Jahrestag wurde mit einer Wanderausstellung in mehr als 25 Ländern gefeiert.
Warum es zählt Wird – zusammen mit dem Ripper – regelmäßig als eine der meistreproduzierte Skate-Grafiken der Geschichte genannt. Weltweit tausenden von Skatern als Tattoo eingestochen und fungiert neben dem Marken-Wordmark als faktisches zweites Emblem von Santa Cruz.
Doch noch bevor die Screaming Hand den halben Planeten eroberte, hatte Santa Cruz bereits ein anderes visuelles Emblem, das ganze Generationen von Skatern überleben sollte.
Santa Cruz Dot Logo
Santa Cruz Dot Logo
Marke Santa Cruz Skateboards
Pro Model (brand logo)
Designer Jim Phillips
Der berühmte rote Kreis mit dem Santa Cruz-Wordmark tauchte Ende der Siebziger auf und wurde schnell zu einem der stärksten Wiedererkennungszeichen der gesamten Industrie. Anders als viele Logos, die sich ständig mit den Moden veränderten, hat der Dot seit mehr als vier Jahrzehnten kaum Modifikationen gebraucht. Er findet sich auf Boards, Wheels, Kleidung, Stickern und praktisch jedem Produkt, das mit der Marke verbunden ist.
Warum es zählt Zusammen mit der Screaming Hand bildet er den Kern der visuellen Identität von Santa Cruz und ist eines der bekanntesten Logos der gesamten Skate-Geschichte.
Wenn die Screaming Hand letztlich die gesamte Marke repräsentierte, war Rob Roskopp der Protagonist eines der interessantesten erzählerischen Experimente in der Geschichte des Skates. Anstatt sich auf eine einzelne Illustration zu beschränken, entwickelte Jim Phillips eine Serie von Grafiken, die sich von Deck zu Deck weiterentwickelten – für die damalige Zeit sehr ungewöhnlich.
Roskopp Target
Marke Santa Cruz
Pro Model Rob Roskopp
Designer Jim Phillips + Rob Roskopp
Roskopps erstes Pro Model. Die ursprüngliche Idee ('ein Arm, der eine Zielscheibe durchbricht') stammte von ihm selbst, Phillips setzte sie grafisch um. Im Laufe des Jahrzehnts entwickelte sich die Serie über 7–8 Decks weiter: Arm, Kopf, Torso, schließlich ein vollständiges Monster, das die Zielscheibe zerstört.
Warum es zählt Erste evolutionäre Serie im Skate. Erfand die narrative Multi-Board-Mechanik.
Roskopp Face
Marke Santa Cruz
Pro Model Rob Roskopp
Designer Jim Phillips
Ursprünglich als 'Street Model' vermarktet. Das gespenstisch verzerrte Gesicht ist universell als 'das Roskopp Face' bekannt geblieben. Erstes Street-Model von Santa Cruz, das viele Vert-Boards in den Verkaufszahlen überflügelte.
Warum es zählt Bewies, dass Street genauso viel Produkt bewegen konnte wie Vert — ein Vorläufer des Paradigmenwechsels von 1990.
Slasher
Marke Santa Cruz
Pro Model Keith 'Slasher' Meek
Designer Jim Phillips
Pro Model von Keith Meek für Santa Cruz, 1986 von Jim Phillips illustriert. Grünes Monster mit Klauen in dynamischer, fast wellenartiger Komposition — entworfen, um den Spitznamen des Riders ('Slasher') zu spiegeln. NOS (New Old Stock) ist laut Meek selbst heute extrem selten, was den Sammlerwert erheblich in die Höhe getrieben hat.
Warum es zählt Pool-Skating-Punk-Rock-Ästhetik der 80er in Kreaturenform.
Salba — Tiger
Marke Santa Cruz
Pro Model Steve Alba (Salba)
Designer Jim Phillips
Pro-Model von Steve Alba — Salba, eine Legende des Pool- und Vert-Skatens — für Santa Cruz mit einem Tiger von Jim Phillips. Ein aggressives, felinen Bild, das perfekt zu Albas brutalem Stil im Bowl passte.
Warum es zählt Ein weiteres Wahrzeichen des Phillips–Santa Cruz Duos der 80er Jahre, verbunden mit einem der größten Namen des Pool-Skatens. Wiederaufgelegt und sehr begehrt bei Sammlern.
Jason Jessee — Sun God
Marke Santa Cruz
Pro Model Jason Jessee
Designer Jim Phillips
Pro-Modell von Jason Jessee für Santa Cruz, gezeichnet von Jim Phillips in den späten 80ern: Eine Sonne mit Gesicht, psychedelisch und sonnig in der Linienführung, im Gegensatz zum grünen Bestienarium der Marke. Eines der erkennbarsten Grafiken aus dem Phillips-Katalog.
Warum es zählt Bewies, dass die Santa Cruz-Sprache nicht nur komisches Horror war: Auch das Psychedelische und Leuchtende hatte seinen Platz. Klassisches Sammlerstück aus der goldenen Ära von Phillips.
Jason Jessee Neptune
Marke Santa Cruz
Pro Model Jason Jessee
Designer Jim Phillips
Pro model von Jason Jessee bei Santa Cruz, erschienen 1988, illustriert von Jim Phillips. Die Komposition zeigt den Gott Neptun mit Dreizack auf stürmischer See, umgeben von Seeschlangen — in einer Palette aus Gold, Ocker, Rot und Blau, die sich vom gesättigten Ton der Marke entfernt und ins Territorium des psychedelischen Plakats vordringt. Die Detaildichte des Linienwerks ist eine der höchsten im Santa-Cruz-Katalog des Jahrzehnts, im Einklang mit der mystischen Bildwelt, die Jessee auf und neben dem Board pflegte.
Warum es zählt Eines der am häufigsten zitierten fehlenden Stücke in internationalen Listen historischer Skate-Graphics: Viele Sammler stellen es sogar über Jessees eigenen Sun God. Markiert den Moment, in dem Santa Cruz Comic-Horror mit mystischer Symbolik verbindet — zu einem guten Teil durch die Persönlichkeit des Riders —, und eröffnet ein neues Register innerhalb der Phillips-Bildsprache.
Jeff Grosso Toy Box
Marke Santa Cruz
Pro Model Jeff Grosso
Designer Jim Phillips
Pro Model von Jeff Grosso bei Santa Cruz, Ende der 80er von Jim Phillips illustriert. Das Deck zeigt eine Spielzeugkiste, die überquillt vor klassischen Phillips-Kreaturen – hervortretende Augen, Zähne, Hände, gesättigte Farben – in einer Horror-Comedy-Komposition. Grosso, eine Schlüsselfigur des Vert-Skatings der Achtziger und jahrzehntelang kritische Stimme der Szene, fuhr das Deck in seinen meistzitierten Parts der Epoche.
Warum es zählt Kulturell sehr bedeutsam, besonders für alle, die den Vert der damaligen Zeit miterlebt haben. Jeff Grosso war darüber hinaus einer der wichtigsten mündlichen Chronisten des Skatings bis zu seinem Tod 2020 (Love Letters to Skateboarding-Videos für Vans), was seine Pro Models zu einem unverzichtbaren Stück des kollektiven Gedächtnisses des Sports macht.
Reaper
Marke Santa Cruz
Pro Model Corey O'Brien
Designer Jim Phillips
Sensenmann mit Flammen. Eines der meistkopierten Grafiken von Santa Cruz. O'Brien betreibt heute einen Rockclub in San José.
Warum es zählt Gotisch-skaterische Ikonografie, in einem einzigen Bild auf den Punkt gebracht.
1981–1990 — Pushead, Hosoi, Sims und andere Stimmen
Obwohl Powell-Peralta und Santa Cruz einen Großteil des visuellen Imaginären der Achtziger dominiert haben, war das Jahrzehnt viel reicher und vielfältiger, als wir uns manchmal erinnern.
Während VCJ Drachen zeichnete und Jim Phillips die Decks mit unmöglichen Monstern füllte, begannen andere Marken, eigene Sprachen zu entwickeln, die mit unterschiedlichen kulturellen Szenen in Verbindung standen. Punk, Hardcore, Heavy Metal und die Underground-Kultur hinterließen im Skate eine immer sichtbarere Spur.
Es war eine Zeit, in der Grafiken aufhörten, wie einfache Illustrationen auszusehen, und zu Identitätserklärungen wurden.
Manche Marken wollten wild wirken.
Andere wollten gefährlich wirken.
Und manche wollten einfach anders sein.
Wenige Menschen verkörpern diesen Geist besser als Brian Schroeder, besser bekannt als Pushead.
Künstler, Musiker, Illustrator und Kultfigur der amerikanischen Hardcore-Szene, brachte Pushead eine von Plattencovers, fotokopierte Fanzines und Horrorfilmen inspirierte Ästhetik in den Skate. Seine Arbeit für Zorlac öffnete einen völlig anderen Weg als den, den Powell oder Santa Cruz einschlugen.
Wenn jene Marken erkennbare visuelle Universen aufbauten, schien Pushead daran interessiert zu sein, Albträume zu erschaffen.
Und genau das machte seine Grafiken so besonders.
Damaged Pirate / Skull Pirate
Marke Zorlac
Pro Model Team / Jeff Phillips
Designer Pushead (Brian Schroeder)
Verrotteter Totenschädel-Pirat mit Hut. Pushead arbeitete fast ein Jahrzehnt lang mit Zorlac (1981–1990). Parallel dazu schuf er Artwork für Metallica (Shirt 'Damage Inc.', Albumcover St. Anger 2003).
Warum es zählt Der Metal- und Horror-Flügel des Skatens der 80er. Body-Horror-Ästhetik, die die Satanic Panic überlebte.
Wenn Pushead die dunklere Seite des Achtziger-Skates verkörperte, symbolisierte Christian Hosoi das genaue Gegenteil. Charismatisch, extravagant und völlig unberechenbar, war er einer der Rider, der am besten verstanden hat, dass ein Deck auch eine Erweiterung der Persönlichkeit seines Fahrers sein kann.
Hammerhead
Marke Hosoi Skates
Pro Model Christian Hosoi
Designer Christian Hosoi (shape + gráfico)
Kein bloßes Graphic: eine Shape, die eigens FÜR ein Graphic entworfen wurde. Verlängerter Nose in Hammerhaiform, einzigartiges Profil, kein Concave. Gebaut für die Christ Airs und Rocket Airs, die Hosoi erfand. 2016 wurde das Board ins Smithsonian aufgenommen.
Warum es zählt Das Moment, in dem die Form des Boards der Kunst folgte — und nicht umgekehrt. Markiert die shape-getriebene Disruption der 80er-Ära.
Das Interessanteste am Hammerhead ist, dass er nicht nur wegen seiner Grafik in Erinnerung geblieben ist. Er wird auch wegen seiner Form erinnert. In einer Zeit, in der die meisten Decks relativ ähnlichen Mustern folgten, entschied Hosoi, eine Silhouette zu entwerfen, die aussah, als käme sie von einem anderen Planeten. Das Ergebnis war eine der bekanntesten Shapes der gesamten Skateboard-Geschichte.
Während Hosoi das Design von der Rider-Seite aus revolutionierte, repräsentierte Sims eine ältere Generation. Das von Tom Sims gegründete Unternehmen war eines der großen Pioniere des modernen Skates und half dabei, die Siebziger mit der kreativen Explosion der Achtziger zu verbinden. Von allen Grafiken dieser Ära hat kaum eine so gut gealtert wie der Pirate von Kevin Staab.
Kevin Staab Pirate
Marke Sims
Pro Model Kevin Staab
Designer Equipo de arte de Sims
Sims, die Marke von Tom Sims (Pionier auch des Snowboards), war eine der großen Marken der 70er und 80er Jahre. Der Pirate von Kevin Staab – ein Piratenschädel für Vert – wurde zu einem der erkennbarsten Grafiken der Marke Ende der 80er.
Warum es zählt Sims ist eine der Gründungsmarken des Skateboardings; der Pirate ist ein Sammlerstück aus dem Vert der 80er und Erinnerung an eine Ära, in der große Marken noch nicht von Skatern selbst geführt wurden.
Ende der Achtziger gab es in der Skate-Kunst keine einzige Formel mehr.
Es gab Platz für die heraldischen Kompositionen von Powell, die fluoreszierenden Monster von Santa Cruz, den Horror-Punk von Pushead, die Experimente von Hosoi oder die Vorschläge historischer Marken wie Sims.
Das Deck hatte sich endgültig zu einem künstlerischen Träger entwickelt.
Und das Interessanteste lag noch vor uns.
Denn während das Vert die Titelseiten der Magazine und die großen Wettbewerbe dominierte, begann eine neue Generation von Skatern, die Regeln vom Straßenbelag, an Bordsteinen und Geländern aus neu zu schreiben.
Mit ihnen kamen neue Marken, neue Künstler und eine völlig andere Art, das Design eines Decks zu verstehen.
Die Neunziger standen kurz vor dem Beginn.
1985–1991 — Vision, Gonzales, Lucero und die Geburt des Rider-Künstlers
Ende der Achtziger begann eine Veränderung, die weit über Tricks oder Wettbewerbe hinausging.
Bis dahin entstanden die meisten Grafiken aus der Zusammenarbeit zwischen einer Marke und einem angestellten Künstler. Der Rider konnte Ideen einbringen, Konzepte vorschlagen oder an einigen Entscheidungen mitwirken, aber das Endergebnis lag in der Regel in den Händen professioneller Illustratoren.
Das begann sich zu ändern, als eine neue Generation von Skatern beschloss, direkt in den Kreativprozess einzugreifen.
Und niemand symbolisiert diesen Wandel besser als Mark Gonzales.
Der Einfluss von Gonzales auf den Skate wird üblicherweise in Tricks, Videos oder Street-Spots gemessen, aber seine visuelle Wirkung ist genauso wichtig. Er war einer der ersten Profis, der das Deck als Raum für persönlichen künstlerischen Ausdruck verstand, und half dabei, den Weg für Dutzende von Ridern zu ebnen, die danach kamen.
Was uns heute normal erscheint – dass ein Skater seine eigenen Grafiken zeichnet, malt oder entwirft – war zu jenem Zeitpunkt noch ziemlich ungewöhnlich.
Ab hier wird die Geschichte der Kunst im Skate nicht mehr ausschließlich von großen Illustratoren dominiert, sondern beginnt sich mit den Ideen, Obsessionen und Zeichnungen der Rider selbst zu vermischen. Der Übergang zu den Neunzigern war bereits im Gang.
Vision Skateboards war eine der dominanten Marken im US-amerikanischen Street der späten Achtziger. Ihr Psycho Stick (Team-Modell) und die daraus hervorgegangene Modelinie Vision Street Wear trugen dazu bei, die Skate-Sprache aus dem sportlichen Umfeld herauszuholen und in die urbane Mode zu bringen.
Psycho Stick (Vision, Team-Grafik)
Marke Vision
Pro Model (Team-Grafikdeck)
Designer Equipo de arte de Vision
Das Psycho Stick war Visions Team-Grafik: eine Punk-Cartoon-Figur, die sich zu einem der meistverkauften Decks der 80er Jahre entwickelte. Es war kein Pro Model — es war DAS Vision-Deck, das jeder hatte.
Warum es zählt Frühes Beispiel für Brand-Grafik über dem Pro Model: das Deck, das ein ganzes Unternehmen definiert und sich massiv verkauft, bevor World diese Idee industrialisierte.
Vision Street Wear
Marke Vision Street Wear
Pro Model (Kleidungs- und Schuhmarke)
Designer Vision (Brad Dorfman)
Um 1986 startete Vision mit Vision Street Wear seinen Ableger für Kleidung und Sneaker. Das blockige Wortzeichen sprangen aus den Skateparks in die Straßenmode der 80er und war überall zu sehen – auch bei Menschen, die noch nie auf einem Brett gestanden hatten.
Warum es zählt Einer der ersten Fälle einer Skatemarke, die zum Fashion-Phänomen wurde. Vision antizipierte Skaten als Lifestyle-Industrie, die Jahrzehnte später durch Supreme und Co. explodierten.
Gonz / Profile (1985)
Gonz / Profile (erstes Street-Pro-Model)
Marke Vision
Pro Model Mark Gonzales
Designer Mark Gonzales
Mitte der 80er brachte Mark Gonzales sein Pro Model bei Vision heraus. Es wird oft als das erste Street-Pro-Model der Geschichte bezeichnet: die Anerkennung, dass der Straßenskater — nicht nur der Vert-Skater — ein eigenes Board mit seinem Namen verdiente.
Warum es zählt Markiert den Moment, in dem die Industrie Street als eigenständige Disziplin mit eigenen Stars akzeptiert. Gonz öffnete zudem die Tür für das vom Skater selbst gezeichnete Deck.
Behind Bars (1986)
Behind Bars
Marke Schmitt Stix
Pro Model John Lucero
Designer John Lucero
Luceros erstes Graphic für Schmitt Stix nach seinem Abgang von Madrid. 'Verkaufte sich im ersten Monat mehr als Schmitt Stix im gesamten ersten Jahr.' Danach folgte die legendäre Jester-Serie.
Warum es zählt Lucero prägte den Stil des Riders-als-Künstler, den Mark Gonzales parallel entwickelte. Später gründete er Black Label.
Coffee Break (1987)
Coffee Break
Marke G&S (Gordon & Smith)
Pro Model Neil Blender
Designer Neil Blender
Neil Blender war nicht nur Skater: er zeichnete. Für sein Pro-Model von G&S verzichtete er auf das übliche Bestiarum aus Totenköpfen und Drachen und zeichnete selbst eine Figur, die sich einen Kaffee gönnt. Trockener Humor, eigene Handschrift, null Epik.
Warum es zählt Einer der ersten Pro-Graphics, die der Skater selbst von Hand gezeichnet hat. Das öffnete die Tür zum Deck als Autoren-Werk: die Linie, die später Gonz und zwei Jahrzehnte später Fucking Awesome, Polar oder Magenta folgen würden.
Gator (1986)
Gator
Marke Vision Sports
Pro Model Mark 'Gator' Rogowski
Designer Greg Evans
Erstes Pro Deck von Vision Sports für Mark 'Gator' Rogowski. In der zweiten Hälfte der 80er war es eines der meistverkauften Boards im Vision-Katalog, und Rogowski gehörte zu den großen Vert-Stars seiner Zeit. Das änderte sich schlagartig mit seiner Verurteilung für den Mord an Jessica Bergsten 1991 (er verbüßt eine lebenslange Haftstrafe mit Möglichkeit der Bewährung nach 31 Jahren); Vision zog das Model nach dem Urteil 1992 aus dem Katalog.
Warum es zählt Fallstudie über das Erbe eines Graphics, wenn der Rider moralisch kollabiert. Vision entfernte nach der Verurteilung 1992 sämtliche Gator-Produkte aus dem Sortiment.
Natas Kaupas bei SMA
SMA Panther
Marke Santa Monica Airlines (SMA)
Pro Model Natas Kaupas
Designer Kevin Ancell
Erstes Pro Model von Natas Kaupas bei SMA (Santa Monica Airlines), 1985 gelauncht, als Natas 15 Jahre alt war. Im September 1984 erschien er auf dem Cover des Thrasher mit einem Wallride, was dem Model beim Release zusätzlichen Schub gab. Das Originalartwork stammt von Kevin Ancell; spätere Versionen wurden von Buchinsky, Jim Phillips, Wes Humpston und Forbes neu interpretiert. 1986 sicherte sich SMA Produktion und Vertrieb über Santa Cruz. Die Panther verkaufte sich wie kaum ein anderes Board des Jahrzehnts.
Warum es zählt Ikone des frühen Street-Skatings. Natas und Gonzales sollten nur ein Jahr später (1986) das Handrail-Skating miterfinden, und Natas' Pro Model bei SMA blieb untrennbar mit diesem Paradigmenwechsel vom Vert zur Straße verbunden.
Als das Jahrzehnt zu Ende ging, veränderte sich der Skate in einem Tempo, das noch wenige Jahre zuvor kaum vorstellbar gewesen wäre.
Die großen Rampen verloren an Bedeutung. Die Straße gewann an Terrain. Videos ersetzten nach und nach die Wettbewerbe als wichtigsten kulturellen Motor.
Und eine neue Generation von Marken war dabei, diesen Wandel zu nutzen.
Die wichtigste von allen hieß World Industries.
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1989–1993 — World Industries, Blind und die Revolution von Steve Rocco
Wenn Powell-Peralta dazu beigetragen hat, den Skate zu professionalisieren, und Santa Cruz einige seiner bekanntesten visuellen Ikonen aufgebaut hat, kam World Industries, um die Regeln zu sprengen.
Ende der Achtziger durchlebte der Skate eine schwierige Phase. Die Industrie schrumpfte, viele Parks schlossen und das allgemeine Interesse schien weit entfernt von den Niveaus der ersten Hälfte des Jahrzehnts. Während einige Marken versuchten, durch Beibehaltung der traditionellen Modelle zu widerstehen, entschied Steve Rocco, genau das Gegenteil zu tun.
Sein Angebot war respektloser, provokanter und viel weniger rücksichtsvoll gegenüber den ungeschriebenen Regeln der Industrie.
Rocco verstand etwas, das andere noch nicht sahen: Die neue Generation von Skatern identifizierte sich nicht mehr mit den Vert-Helden oder den Unternehmens-Diskursen der großen Marken. Der Schwerpunkt des Skates verlagerte sich auf die Straße und brauchte eine andere visuelle Sprache.
Um sie aufzubauen, versammelte er einige der einflussreichsten Künstler der Neunziger, insbesondere Marc McKee und Sean Cliver. Gemeinsam entwickelten sie eine Ästhetik voller absurdem Humor, Satire, Zeichentrickfiguren, kulturellen Referenzen und Provokationen, die genauso viele Kritiken wie Verkäufe generierten.
Was für manche schlechter Geschmack war, war für andere genau das, was der Skate brauchte.
Kaum eine Marke war so spaltend. Und kaum eine hat tiefere Spuren hinterlassen.
Ein Großteil der Identität von World Industries wurde durch Provokation aufgebaut. Steve Rocco verwandelte Parodien, aggressive Kampagnen und direkte Angriffe auf Konkurrenten wie Powell-Peralta in ein Marketing-Werkzeug und generierte einige der bekanntesten Kontroversen der Skate-Geschichte. Viele World-Grafiken waren keine einfachen Illustrationen: Sie waren Waffen in einem Kulturkrieg zwischen Skate-Generationen.
Devilman / Flameboy / Wet Willy
Devilman / Flameboy / Wet Willy
Marke World Industries
Pro Model (Marken-Maskottchen)
Designer Marc McKee
Drei Maskottchen-Figuren. Devilman kam zuerst, Flameboy als Sidekick — Roccos Idee —, Wet Willy vervollständigte das Trio — JTs Idee: 'ein Wassertropfen als Begleitung zur Flamme'. Sie fungierten als die Mickeys von World — die Merchandising-Maschinerie, die die gesamte Marke finanzierte.
Warum es zählt Sie bewiesen, dass Maskottchen eine Skate-Marke auf Disney-Niveau kommerziell tragen können.
Flameboy vs Wet Willy (Kulturphänomen)
Marke World Industries
Pro Model (mascots)
Designer Marc McKee
Marc McKee erschuf Flameboy (die rote Kreatur mit dem flammenden Kopf) und Wet Willy (der anthropomorphe Wassertropfen) Anfang der 90er als Maskottchen von World Industries. Die Rivalität zwischen beiden, als Running Gag auf Decks, Klamotten, Stickern und in der Werbung inszeniert, wurde zu einem der stärksten visuellen Phänomene des Skateboardings jenes Jahrzehnts. Die Figuren tauchten auch in Videospielen auf – besonders bekannt in der Tony Hawk's Pro Skater-Reihe – und im Massenmerch innerhalb und außerhalb der Szene.
Warum es zählt Für eine ganze Generation von Kindern der 90er waren Flameboy vs Wet Willy schlicht die Maskottchen des Skatens. Ihr Einfluss auf die visuelle Kultur des Skateboardings jener Dekade ist vergleichbar mit dem Ripper von Powell für die 80er – allerdings auf Comic-Wege statt über Heraldik.
Napping Negro
Napping Negro
Marke World Industries
Pro Model Jovontae Turner
Designer Marc McKee, sobre concepto de Jovontae Turner
Turner — selbst afroamerikanischer Skater — bat McKee um 'old school black slavery stuff' als Satire auf die weiße rassistische Nostalgie. Vintage Jim-Crow-Ikonografie. Teil einer Serie mit 'Jovontae at Night' und 'Runaway Slave'. McKee beschreibt die Arbeiten als Satire auf Weiße, die der Vergangenheit nachtrauern.
Warum es zählt Fallstudie darüber, wer die rassiale Erzählung kontrolliert, wenn das Konzept vom betroffenen schwarzen Skater selbst stammt. Die Debatte um das Deck ist drei Jahrzehnte später noch offen, und das Modell erzielt hohe Preise auf dem klassischen Skate-Sammlermarkt.
Reaper Logo
Reaper logo
Marke Blind Skateboards
Pro Model (brand logo)
Designer Mark Gonzales (él mismo)
Als Gonzales Vision 1989 verließ, um gemeinsam mit Steve Rocco Blind zu gründen — der Name war ein Seitenhieb auf Vision —, zeichnete er selbst das stilisierte Reaper-Logo. Es ist bis heute gültig.
Warum es zählt Gonzales kodierte, dass Founder und Rider AUCH der Designer sein kann. Blaupause für alles, was folgen sollte.
Panther (101)
Panther (101)
Marke 101 Skateboards
Pro Model Natas Kaupas
Designer Marc McKee
Neuinterpretation des SMA Panther von 1984, nachdem Natas SMA verließ und 101 unter World mitgründete. 101 war das Labor des reinen Street-Skatens: Koston, Gino, Dill und Markovich gingen alle durch diese Schule.
Warum es zählt Kontinuität des Natas-Ikons in der neuen Street-Ökonomie.
Dodo
Dodo
Marke Blind Skateboards
Pro Model Jason Lee
Designer Marc McKee
Ursprünglich für Danny Way konzipiert (während seiner Zeit bei Blind) als verdeckter Seitenhieb auf Tony Hawk — der 'aussterbende Vogel'. Als zu persönlich bewertet und, nachdem Danny zu Plan B wechselte, landete das Graphic bei Jason Lee.
Warum es zählt Perfekte Anekdote über die markenübergreifende Dynamik der 90er: Graphics, die umgeschrieben werden, je nachdem wer gerade wo ist.
Anfang der Neunziger hatte sich die Skate-Kunst im Vergleich zum Jahrzehnt zuvor vollständig verändert.
Die großen epischen Illustrationen existierten noch, teilten sich den Raum jetzt aber mit Satiren, absurden Figuren, kulturellen Referenzen, schwarzem Humor und Botschaften, die eine unmittelbare Reaktion provozieren sollten.
Es war eine straßennähere, chaotischere und in vielen Fällen generationsnahere Ästhetik für jene, die den Skate von Plätzen, Bordsteinen und Geländern aus neu definierten.
Die nächste Revolution kam jedoch nicht von einer Marke oder einem bestimmten Künstler.
Sie kam von einer Idee.
Der Idee, dass Skaten ein zutiefst persönliches Projekt sein kann.
Und niemand verkörperte diese Philosophie besser als Ed Templeton, Toy Machine und die Generation, die den modernen Street endgültig etablierte.
1988–1995 — H-Street, Plan B, Toy Machine, Real und Anti-Hero
Wenn World Industries die kulturelle Revolution der frühen Neunziger verkörperte, halfen H-Street und Plan B dabei, die technische Revolution zu definieren.
In den Achtzigern war das bekannteste Bild des Skates noch immer das des Riders, der über eine riesige Rampe fliegt oder unmögliche Tricks in einem leeren Pool ausführt. Aber auf den Straßen Kaliforniens passierte etwas anderes.
Geländer, Bänke, Gaps und Bordsteine wurden zu den neuen Spielfeldern. Street Skating hörte auf, eine Nebendisziplin zu sein, und wurde zum Mittelpunkt der Diskussion.
Wenige Menschen hatten mehr Einfluss auf diesen Wandel als Mike Ternasky. Zuerst bei H-Street und dann bei Plan B half Ternasky dabei, einige der innovativsten Skater der Ära zu versammeln, und verstand früher als fast jeder andere, wohin die Zukunft des Skates führte.
Auch die Grafiken begannen sich zu verändern. Die Decks wurden schmaler, die Formen entwickelten sich weiter und die neuen Generationen suchten eine andere Ästhetik als die der großen Vert-Helden.
Matt Hensley — Street Swinger
Matt Hensley — Street Swinger
Marke H-Street
Pro Model Matt Hensley
Designer Equipo de arte de H-Street
H-Street (Tony Magnusson und Mike Ternasky, 1986) und sein Star-Rider Matt Hensley definierten das Street-Skating des späten 86ern mit den Videos Shackle Me Not (1988) und Hokus Pokus (1989). Hensleys Street Swinger ist das Grafik-Icon dieser Ära: dünnere und günstigere Decks, gemacht für die Straße.
Warum es zählt Die Brücke vom Vert zum modernen Street. Ternasky würde diesen DNA bald zu Plan B bringen. Die H-Street Decks aus der Hensley-Ära sind der heilige Gral des Übergangs.
Während H-Street und Plan B die technischen Grenzen des Streets ausloteten, begannen andere Skater, Marken als zutiefst persönliche Projekte zu nutzen.
Niemand steht für diese Idee besser als Ed Templeton.
Sect / Transistor Sect
Sect / Transistor Sect
Marke Toy Machine
Pro Model (brand logo + team models)
Designer Ed Templeton
Das einzelne Auge, das abstrakte Monster. Templeton gründete Toy Machine 1993 — nicht 1994 — mit Unterstützung von Tod Swank/Tum Yeto. Er zeichnet ALLE Graphics selbst, inspiriert von Mark Gonzales bei Vision/Blind.
Warum es zählt Templeton etablierte die Marke als persönliches Kunstprojekt. Heute ist er zeitgenössischer Künstler, dessen Werke in Galerien ausgestellt werden.
Toy Machine Monster
Toy Machine Monster
Marke Toy Machine
Designer Ed Templeton
Das Monster erscheint Mitte der 90er im Toy Machine-Katalog, gezeichnet von Ed Templeton. Die Figur — ein roter Zyklop mit einem riesigen einzelnen Auge, schiefen Zähnen und dem Körper einer kaputten Puppe — wurde zum inoffiziellen Maskottchen der Marke und erscheint seitdem auf Decks, Kleidung, Stickern und Videos. Templeton zeichnete es mit dem bewusst naiven Strich, der letztendlich die gesamte visuelle Sprache von Toy Machine definieren sollte.
Warum es zählt Womöglich das bekannteste Graphic von Toy Machine, sogar über dem Sect logo. Die Zyklopen-Ikonografie prägte die Ästhetik des europäischen und amerikanischen Street Skatens der späten 90er und beeinflusste spätere Marken, die nicht-menschliche Maskottchen als Träger ihrer Identität einsetzten.
Obwohl das Monster zur bekanntesten Maskottchen von Toy Machine wurde, war das visuelle Universum von Ed Templeton voller wiederkehrender Charaktere, die ständig auf Decks, T-Shirts, Aufklebern und in Videos auftauchten. Unter allen erlangte kaum einer so große Popularität wie der Devil Cat.
Toy Machine Devil Cat
Toy Machine Devil Cat
Marke Toy Machine
Pro Model (team series)
Designer Ed Templeton
Der Devil Cat tauchte Ende der Neunziger als eine von vielen Kreaturen auf, die Ed Templeton schuf, um das visuelle Universum von Toy Machine zu erweitern. Mit seinen Hörnern, dem schiefen Grinsen und dem bewusst kindlichen Erscheinungsbild verdichtete der Charakter Templetons grafischen Stil perfekt: scheinbar simple Zeichnungen, mit spontanem Strich ausgeführt und voller Persönlichkeit. Anders als die aggressiven Monster, die einen Großteil des Skates jener Ära dominierten, vermittelte der Devil Cat eine seltsame Mischung aus Humor, Skurrilität und Sympathie, die letztlich mehrere Generationen von Skatern ansprach. Im Laufe der Jahre wurde er zu einem der meistgenutzten Charaktere der Marke und taucht regelmäßig auf Boards, Kleidung und speziellen Kollaborationen auf.
Warum es zählt Er ist eines der wiedererkennbarsten Maskottchen des modernen Skates und eine der besten Verkörperungen der einzigartigen Bildsprache, die Ed Templeton für Toy Machine geschaffen hat.
Während Ed Templeton bei Toy Machine ein Universum aus Monstern, unmöglichen Kreaturen und bewusst kindlichen Zeichnungen entwickelte, erkundete ein anderer Skater ein völlig anderes visuelles Terrain. Jeremy Klein fand Inspiration in einer Quelle, auf die innerhalb der Skate-Industrie zu jenem Zeitpunkt kaum jemand blickte: Manga und japanische Animation. Was als persönliche Obsession begann, wurde zu einer der bekanntesten und umstrittensten visuellen Identitäten der späten Neunziger.
Hook-Ups Anime Girl
Hook-Ups Anime Girl
Marke Hook-Ups
Pro Model (team series)
Designer Jeremy Klein
Nachdem Jeremy Klein World Industries verlassen hatte, gründete er 1994 Hook-Ups und begann eine visuelle Identität aufzubauen, die sich von jeder anderen Skatemarke der Zeit grundlegend unterschied. Fasziniert von Manga, Anime, japanischer Science-Fiction und Otaku-Kultur — lange bevor diese Phänomene im Westen populär wurden — füllte er seine Boards mit weiblichen Figuren, die von japanischer Animation inspiriert waren, dazu Roboter, Aliens und ständige Referenzen an asiatische Popkultur. Die sogenannten Anime Girls wurden schnell zum bekanntesten Merkmal von Hook-Ups. Für manche waren sie provokant. Für andere einfach anders. Tatsache ist: Innerhalb des Skates ähnelte jahrelang niemand Jeremy Klein.
Warum es zählt Führte die Anime-Ästhetik Jahrzehnte vor dem Mainstream in den westlichen Skate ein. Sein Einfluss ist bis heute in Marken, Illustratoren und Designern sichtbar, die japanische Kultur, Streetwear und Skateboarding vermischen.
Als Hook-Ups wuchs, erweiterte Jeremy Klein sein Universum weit über die ersten Manga-Protagonistinnen hinaus.
Hook-Ups Nurse Series
Hook-Ups Nurse Series
Marke Hook-Ups
Pro Model (team series)
Designer Jeremy Klein
Die Nurse Series gehören zu den meisterinnerten Phasen von Hook-Ups. Futuristische Krankenschwestern, Androiden, Referenzen an Science-Fiction-Anime und eine von Cyberpunk-Manga inspirierte Ästhetik festigten endgültig die visuelle Identität der Marke. Die Boards wurden zu echten Kultobjekten im Skate-Sammlerbereich der späten Neunziger.
Warum es zählt Eine der bekanntesten Serien von Jeremy Klein, die die Verbindung zwischen Anime-Kultur und Skateboarding definitiv verankerte.
Anfang der Neunziger begannen auch Unternehmen aufzutauchen, die eine unabhängigere und weniger spektakuläre Vision des Skates vertraten. San Francisco wurde zu einem der wichtigsten kreativen Zentren dieser neuen Strömung.
Eine der ersten Stimmen dieser Strömung war John Lucero, der nach seinem Weggang von Schmitt Stix um 1989 Black Label gründete und begann, sein eigenes visuelles Universum zu entwickeln.
Black Label Jester
Black Label Jester
Marke Black Label Skateboards
Pro Model (brand logo)
Designer John Lucero
John Lucero gründete Black Label nach seinem Abgang von Schmitt Stix als Erklärung kreativer Unabhängigkeit. Die bekannteste Figur der Marke wurde der Jester — ein beunruhigend wirkender Narr, der die Philosophie der Marke perfekt verdichtete: Respektlosigkeit, Punk-Kultur, DIY-Haltung und die absolute Ablehnung herrschender Trends. Über Jahrzehnte erschien der Jester in unzähligen Varianten und wurde zu einem der wiedererkennbarsten Bilder des unabhängigen amerikanischen Skates.
Warum es zählt Einer der langlebigsten Charaktere der gesamten Skate-Geschichte und eines der klarsten Symbole der DIY-Bewegung, die die Neunziger mitgeprägt hat.
Wenn der Jester die respektlosere und provokantere Seite von Black Label repräsentierte, wurde das nächste Bild zu etwas viel näher an einem Manifest. Eine einfache Krücke verwandelte sich in eines der bekanntesten Symbole des unabhängigen amerikanischen Skates.
Black Label Crutch
Black Label Crutch
Marke Black Label Skateboards
Pro Model (brand logo)
Designer John Lucero
Die Crutch — die charakteristische rote Krücke von Black Label — erschien in den frühen Jahren der Marke und wurde schnell zu einem ihrer wiedererkennbarsten Symbole. Ihr minimalistisches Design stand im Kontrast zu den Charakteren und komplexen Illustrationen, die einen Großteil des Skates jener Zeit dominierten, doch genau diese Schlichtheit war eine ihrer größten Stärken. Mit der Zeit erlangte die Krücke innerhalb der Skate-Community eine fast symbolische Bedeutung. Verletzungen, Stürze, Narben und die Entschlossenheit, trotz allem weiterzuskateboarden, wurden in einem einzigen Bild zusammengefasst. Jahrzehnte später ist sie nach wie vor eines der visuellen Elemente, das am stärksten mit der von John Lucero gegründeten Marke verbunden wird.
Warum es zählt Sie ist eines der originellsten Symbole der gesamten Geschichte des Skates und eine perfekte Verkörperung der DIY-Philosophie, der Widerstandsfähigkeit und Unabhängigkeit, die Black Label von Anfang an ausgezeichnet hat.
Hanging Klansman
Hanging Klansman
Marke Real / Deluxe
Pro Model Jim Thiebaud
Designer Jim Thiebaud (concepto) + Natas Kaupas (dibujo a línea)
Jims erstes Pro Model bei Real Skateboards (das Label, das er mit Tommy Guerrero um 1990 bei Deluxe mitgründete). Das Konzept stammte von Thiebaud selbst: eine vermummte Figur des Ku Klux Klan, die an einem Strick hängt, bezogen auf die wieder auflebenden KKK-Märsche zu Beginn der 90er Jahre in den USA. Die endgültige Linienzeichnung fertigte Natas Kaupas als Geschenk für Thiebaud an. Beispiellos für ein Deck wegen seiner direkten politischen Aussagekraft.
Warum es zählt Einer der wichtigsten politischen Grafiken in der Skateboard-Geschichte. Es zeigte, dass das Deck ein antifaschistisches Manifest sein konnte – nicht nur kommerzielle Provokation – und wird seitdem immer wieder neu aufgelegt. Es gehört zur permanenten Sammlung des Smithsonian National Museum of American History.
Anti-Hero Pigeon
Anti-Hero Pigeon
Marke Anti-Hero Skateboards
Designer Todd Francis
Noch vor dem Eagle zeichnete Todd Francis die Stadttaube als wiederkehrendes Motiv für Anti-Hero in den ersten Jahren der Marke (gegründet 1995 innerhalb der Deluxe-Gruppe in San Francisco). Die Taube — Ratte mit Flügeln, par excellence das Straßentier — passte zur Anti-Glamour-Haltung von Anti-Hero und wurde ab 1996 zum ergänzenden Bild neben dem Eagle.
Warum es zählt Um die visuelle Sprache von Todd Francis zu verstehen, muss man durch die Pigeon, bevor man zum Eagle kommt. Die Taube etablierte den redaktionellen Ton der Marke — ätzend, urban, anti-korporativ —, der in allem, was danach kam, erhalten blieb und bis heute ein Markenzeichen von Anti-Hero ist.
Anti-Hero Eagle
Anti-Hero Eagle
Marke Anti-Hero
Pro Model (brand logo)
Designer Todd Francis
Francis kam 1996 zu Deluxe. Seine erste Arbeit: eine Taube, 'über die das Leben einen Eimer Öl geschüttet hat'. Danach zeichnete er den aggressiven Adler, der die Taube ablöste und zum Hauptlogo wurde. Ästhetik des amerikanischen politischen Cartoons, antikorpokratisch.
Warum es zählt Anti-patriotischer Patriotismus: benutzt den amerikanischen Adler, macht ihn aber aggressiv und gegenkulturell. Symbol von Deluxe SF und des Punk-Flügels des Skatens. Complex nahm ihn in die 50 Greatest Skate Logos auf.
Mitte der Neunziger war Street bereits die dominierende Sprache des Skates.
Die großen Rampen existierten noch, aber die Kultur wurde auf der Straße, in Videos und bei den neuen Marken aufgebaut, die ständig auftauchten. Auch die Grafiken veränderten sich. Die epischen Illustrationen der Achtziger koexistierten jetzt mit viel minimalistischeren, persönlicheren und konzeptionelleren Ansätzen.
Die nächste große Transformation kam von Girl, Chocolate und Crailtap – Marken, die zeigen würden, dass ein Deck keine Monster, Totenköpfe oder Provokationen braucht, um zu einer Ikone zu werden.
1993–2000 — Girl, Chocolate und die Geburt des modernen Skates
Mitte der Neunziger hatte sich der Skate vollständig verändert.
Die übertriebene Ästhetik der Achtziger koexistierte mit der Provokation von World Industries, aber eine dritte Richtung begann aufzutauchen. Klarer. Grafischer. Näher am zeitgenössischen Design als an Monstern, Totenköpfen oder Zeichentrickfiguren.
Ein Großteil dieser Transformation entstand rund um eine kleine Marke, die Rick Howard und Mike Carroll 1993 gegründet hatten. Ihr Name: Girl. Und ihr Einfluss sollte enorm werden.
Anders als viele frühere Unternehmen versuchte Girl nicht, ein visuelles Universum aus Kreaturen, Charakteren oder komplexen Narrativen aufzubauen. Ihr Ansatz war viel schlichter: eine klare, kohärente und erkennbare grafische Identität schaffen.
Dafür setzten sie auf Andy Jenkins, eine der wichtigsten Figuren der visuellen Geschichte des Skates und wahrscheinlich einen der einflussreichsten Designer der letzten dreißig Jahre.
Was danach geschah, veränderte die Ästhetik des Skateboardings für immer.
Girl Logo (Skater Silhouette)
Girl logo (skater silhouette)
Marke Girl Skateboards
Pro Model (brand logo)
Designer Andy Jenkins
Silhouette im Stil eines weiblichen Piktogramms. Rick Howard und Mike Carroll gründeten Girl Skateboards im August 1993, nachdem sie Plan B verließen — aus Widerstand gegen den Druck, den die Industrie auf die professionellen Karrieren der Rider ausübte. Der Name entstand aus einem Witz: Jemand sagte, Howard 'skates like a girl' — und sie eigneten sich das an. (Mike Ternasky, Mentor von Carroll und Howard bei Plan B, starb am 17. Mai 1994, knapp ein Jahr nach der Gründung von Girl.)
Warum es zählt Klare, pophafte Antwort auf den provokativen Barock von World. Helvetisch-minimalistische Ästhetik im Skaten. Andy Jenkins gründete Art Dump, das kreative Kollektiv des Distris Crailtap.
Girl OG Series
Girl OG Series
Marke Girl Skateboards
Pro Model (team series)
Designer Andy Jenkins
Erste Deck-Serien von Girl Skateboards, die nach der Gründung der Marke 1993 durch Rick Howard und Mike Carroll herausgebracht wurden. Die Art Direction von Andy Jenkins – zuvor Art Director bei BMX Action – setzte von Beginn an auf Schlichtheit, kompositorisches Gleichgewicht und typografisches Design, als bewussten Kontrast zur grafischen Überladung, die weite Teile des Skate-Katalogs der 90er dominierte. Die ersten Decks zeigten das weibliche Piktogramm-Silhouette-Motiv als zentrales Element und klare Kompositionen, fast wie kommerzielle Poster.
Warum es zählt Sie markierten den Beginn einer neuen Art, Grafikdesign im Skateboarding zu denken. Die Girl-Ästhetik – Minimalismus, klare Typografie, Referenz an zeitgenössisches Design und urbane Bildsprache – beeinflusste direkt einen Großteil des Skate-Katalogs nach 1995 und ist bis heute das Erkennungszeichen des gesamten Crailtap-Universums (Girl, Chocolate, Lakai, Royal, Fourstar).
Girl Mouse Series
Girl Mouse Series
Marke Girl Skateboards
Pro Model (team series)
Designer Andy Jenkins / Eric McKinley
Eine Deck-Serie von Girl mit einer anthropomorphen Maus als wiederkehrendem Charakter, Mitte der 90er aufgelegt. Im Gegensatz zum Minimalismus des Silhouetten-Logos bewies die Mouse Series, dass die Marke eigene Charaktere entwickeln konnte, ohne ihre Identität zu verlieren. Der unbeschwerte Ton der Maus – mit Varianten, die mit Posen, Kleidung oder alltäglichen Szenarien spielten – passte zum Girl-Spirit und erweiterte die visuelle Sprache der Marke über das weibliche Piktogramm hinaus.
Warum es zählt Eine der meistzitierten Serien von Girl in den 90ern. Sie zeigt, wie die Marke in der Lage war, sich visuell weiterzuentwickeln, ohne ästhetische Kohärenz zu verlieren, und eröffnete die Linie der "Crailtap-Charaktere", die in späteren Katalogen weitergeführt werden sollte.
Chocolate Big Chunk
Chocolate (Logo Big Chunk)
Marke Chocolate
Pro Model (Markenlogo)
Designer Andy Jenkins
Chocolate wurde 1994 als Schwestermarke von Girl gegründet (Girl selbst 1993 von Rick Howard, Mike Carroll und Spike Jonze ins Leben gerufen). Andy Jenkins, ehemaliger Art Director von BMX Action, kam zur Crailtap-Familie und definierte die visuelle Sprache beider Marken. Das Chocolate-Logo — Typografie und Tropfenmotiv — folgt dieser erwachseneren, minimalistischen Linie im Gegensatz zu den aggressiven Cartoon-Ästhetiken, die die erste Hälfte der 90er dominierten.
Warum es zählt Schlüsselmarke der Crailtap-Achse neben Girl. Andy Jenkins prägte die nüchternere visuelle Ästhetik des Skatens in den 90ern und 2000ern.
Chocolate City Series
Chocolate City Series
Marke Chocolate Skateboards
Pro Model (team series)
Designer Andy Jenkins / Equipo Crailtap
Ende der 90er begann Chocolate eine visuelle Richtung zu erkunden, die zunehmend mit urbaner Kultur, Fotografie und Stadtnarrativen verknüpft war. Die City Series verwandelte Decks in kleine Postkarten des Stadtlebens – Architektur, Schaufenster, Straßenecken, Street-Porträts – und verstärkte die Verbindung zwischen der Marke und dem Street Skating, das die Epoche definierte. Jeder Artist des Visual-Teams brachte unterschiedliche Kompositionen innerhalb derselben Bildsprache ein.
Warum es zählt Eines der stärksten Beispiele grafischer Reife von Chocolate. Es half, die eigenständige Identität der Marke innerhalb des Crailtap-Universums zu festigen, sie vom kommerzielleren Minimalismus von Girl abzusetzen und mit der editorial-fotografischen Bildsprache des Street Skatings der späten 90er zu verbinden.
Während Girl und Chocolate das Grafikdesign des Street Skatings neu definierten, schrieb Tony Hawk weiterhin einige der wichtigsten Kapitel der Sportgeschichte.
Birdhouse Falcon 2
Birdhouse Falcon 2 (900 board)
Marke Birdhouse
Pro Model Tony Hawk
Designer Birdhouse in-house
Das Birdhouse Falcon 2, das Tony Hawk für den ersten dokumentierten 900 der Geschichte nutzte, bei den X Games 1999. Im September 2025 bei Julien's Auctions für 1.152.000 $ versteigert — das Doppelte der vorherigen Schätzung und ein absoluter Rekord für ein Skateboard. Ein Teil des Erlöses ging an The Skatepark Project (Hawks Stiftung).
Warum es zählt Das teuerste Objekt, das je mit dem Skaten in Verbindung gebracht wurde. Vereint historische Leistung (der 900), Provenienz (Hawk) und massiven TV-Moment. Bestätigte, dass ein Skateboard vollständig im Hochpreis-Sammlungsmarkt operieren kann.
Obwohl das Falcon mit dem berühmtesten Moment in Tony Hawks Karriere in Verbindung gebracht wurde, war es ein ganz anderes Bild, das die visuelle Identität von Birdhouse letztlich definieren sollte.
Tony Hawk Skeleton Bird
Tony Hawk Skeleton Bird
Marke Birdhouse Skateboards
Pro Model Tony Hawk
Designer Birdhouse Skateboards
Nach dem Abgang von Powell-Peralta und der Gründung von Birdhouse zusammen mit Per Welinder begann Tony Hawk einen neuen Abschnitt — sowohl sportlich als auch visuell. Obwohl er einen Großteil des grafischen Universums hinter sich ließ, das VCJ in den Achtzigern geschaffen hatte, blieben einige der Elemente, die seine Karriere begleitet hatten, erhalten: Greifvögel, Flügel und die Idee, über die bekannten Grenzen hinauszusteigen. Der Skeleton Bird wurde zu einer der ikonischsten Verkörperungen dieses Übergangs. Das Graphic zeigt das Skelett eines Raubvogels mit weit ausgebreiteten Flügeln aus scharfen, knöchernen Federn — ein Bild, das gleichzeitig Geschwindigkeit, Aggressivität und Freiheit vermittelt. Das Design knüpft direkt an Hawks visuelle Tradition an, die über mehr als ein Jahrzehnt rund um Falken, Krallen und geflügelte Kreaturen aufgebaut worden war. In den Neunzigern und frühen 2000ern erschien der Skeleton Bird in verschiedenen Versionen und Reissues und festigte sich als eines der wiedererkennbarsten Bilder, die mit Tony Hawk außerhalb der Powell-Peralta-Ära verbunden sind. Für viele Skater stellt er die perfekte Brücke zwischen der klassischen Ästhetik der Bones Brigade und der Entstehung des modernen Skates dar.
Warum es zählt Er ist eines der repräsentativsten Graphics aus Tony Hawks Birdhouse-Ära und eine der gelungensten visuellen Weiterentwicklungen der Ikonografie, die den Skater seit seinen ersten Pro Models bei Powell-Peralta begleitet hatte. Seine Silhouette ist sofort wiedererkennbar und gehört zum grafischen Bildrepertoire einer der bedeutendsten Figuren der gesamten Geschichte des Skateboarding.
Ende der Neunziger war der Skate im Vergleich zum Jahrzehnt zuvor nicht mehr wiederzuerkennen.
Die Straße dominierte die Diskussion. Videos waren zum wichtigsten kulturellen Motor geworden. Und Marken begannen zu verstehen, dass sie solide visuelle Identitäten aufbauen konnten, ohne zwangsläufig auf die Codes der Achtziger zurückgreifen zu müssen.
Aber die nächste Transformation würde noch tiefgreifender sein.
Denn ab den 2000er Jahren würde das Deck aufhören, nur ein Werkzeug zum Skaten zu sein. Es würde auch beginnen, zum Sammlerstück, Designobjekt und Kulturprodukt zu werden, das in der Lage ist, den Skate selbst vollständig zu transzendieren.
2000–2010 — Alien Workshop, Supreme, Baker, Enjoi, Zero, Creature, Foundation, Flip und die kulturelle Expansion des Skates
Ende der Neunziger hatte der Skate eine Stabilität gefunden, die noch wenige Jahre zuvor undenkbar geschienen hatte.
Die großen Krisen der Achtziger lagen hinter ihm, Street dominierte die Industrie und eine neue Generation von Marken begann, sehr unterschiedliche visuelle Identitäten aufzubauen.
Es gab nicht mehr nur eine einzige Art, ein Deck zu gestalten.
Einige Unternehmen setzten auf konzeptionelle Kunst. Andere auf Humor. Andere auf Provokation. Und einige verstanden, dass die Grafik zu weit mehr als einem Bild werden konnte, das mit dem Skate verbunden ist. Sie konnte sich in ein Kulturobjekt verwandeln.
Kaum eine Marke verkörpert diese Vielfalt besser als Alien Workshop, Supreme, Baker, Enjoi, Zero, Creature, Foundation und Flip.
Alien Workshop Alien Logo
Alien Workshop (Logo)
Marke Alien Workshop
Pro Model (Markenlogo)
Designer Mike Hill
Alien Workshop wurde 1990 in Dayton (Ohio) von Chris Carter, Mike Hill und Neil Blender gegründet, mit der Idee, dass die Marke von Künstlern und nicht von Managern geleitet werden sollte. Das Logo — ein Alienkopf im Profil — wurde von Mike Hill entworfen und blieb bis zur Schließung 2014 das Erkennungszeichen der Marke, als DC Shoes den Betrieb einstellte.
Warum es zählt Referenzmarke des Underground-Skate der 1990er und 2000er Jahre mit Fokus auf den Art Director als zentrale Figur des Projekts.
Alien Workshop Abduction Series
Alien Workshop Abduction Series
Marke Alien Workshop
Pro Model (series)
Designer Mike Hill
Eine konzeptuelle Pro-Model-Serie, die Alien Workshop Ende der 90er mit Motiven rund um UFOs, medizinische Scans, esoterische Geometrien und menschliche Figuren in Abduktionsposen produzierte. Mike Hill leitete die Linie aus Dayton (Ohio) heraus und arbeitete mit Sci-Fi-Vokabular, konzeptueller Paranoia und New-Age-Symbolik. Die Serie wurde seitdem mehrfach neu aufgelegt.
Warum es zählt Wahrscheinlich die meistrezipierte Serie von Alien Workshop. Sie definierte die DNA aus "arty + konzeptueller Paranoia", die die Marke während ihrer gesamten Laufzeit (1990–2014) prägte und die später bei Quasi Skateboards unter Chad Bowers weitergeführt wurde.
Aber wenn es ein Bild gibt, das die gesamte Philosophie von Alien Workshop in einem einzigen Symbol zusammenfassen kann, dann ist es wahrscheinlich der Visitor.
Alien Workshop Visitor
Alien Workshop Visitor
Marke Alien Workshop
Pro Model (team series)
Designer Mike Hill
Der Visitor entstand als natürliche Weiterentwicklung der außerirdischen Ikonografie, die Alien Workshop seit Anfang der Neunziger entwickelt hatte. Die humanoide Figur mit großem Kopf und vereinfachten Zügen wurde zum am stärksten mit der Marke assoziierten Charakter und erschien über mehr als zwei Jahrzehnte wiederholt auf Boards, Kleidung, Stickern und Promotionalmaterial. Sein minimalistisches Design stand im Kontrast zur Komplexität vieler zeitgenössischer Graphics und half dabei, die einzigartige visuelle Identität von Alien Workshop zu festigen.
Warum es zählt Möglicherweise der bekannteste Charakter des alternativen Skates der späten Neunziger und frühen 2000er.
Supreme Box Logo Deck
Supreme Box Logo
Marke Supreme
Pro Model (brand logo)
Designer James Jebbia (adaptado de Barbara Kruger)
Rote Box mit Futura Heavy Oblique in Weiß. Direkt inspiriert vom Werk Barbara Krugers. Supreme eröffnete im April 1994 in der Lafayette Street, Manhattan, mit einem Layout, das bewusst das Hereinskatean erlaubte. Erste Künstler-Kollaboration: Rammellzee (1994). VF kaufte Supreme 2020 für 2,1 Mrd. $; EssilorLuxottica kaufte die Marke 2024 für 1,5 Mrd. $ zurück.
Warum es zählt Machte das Deck zum Auktionsobjekt. KAWS x Supreme-Sets wurden für 55.700 $ versteigert. Paradigmenwechsel: Skate → Luxury Streetwear.
Baker Logo Deck
Baker Logo Deck
Marke Baker Skateboards
Pro Model (brand logo)
Designer Andrew Reynolds y equipo Baker
Während Anfang der 2000er viele Firmen noch auf komplexe Illustrationen setzten, fand Baker einen Großteil seiner visuellen Identität in etwas weit Schlicherem: dem eigenen Namen. Decks mit dem riesigen BAKER-Wordmark wurden zum Symbol einer ganzen Generation von Street Skatern und halfen, die von Andrew Reynolds im Jahr 2000 gegründete Marke als eine der einflussreichsten ihrer Zeit zu etablieren.
Warum es zählt Machte ein schlichtes Logo zu einem der bekanntesten Symbole des Skateboardings der 2000er. Traf den Geist des Street Skatings dieser frühen Dekade — punk, direkt, schmucklos — und ebnete den Weg für eine ganze Generation skater-owned Marken, die danach kamen (Deathwish, Shake Junt und weitere).
Creature Logo
Creature Logo
Marke Creature Skateboards
Pro Model (brand logo)
Designer Equipo Creature / NHS
Das Creature-Logo — eine gesättigte Gothic-Typografie mit dem Wort CREATURE in Großbuchstaben, meist begleitet vom invertierten Kreuz oder Pentakel — ist direkt von Heavy-Metal-Ikonografie, klassischem Horror und Underground-Kultur inspiriert. Es hat mehrere Generationen von Ridern seit den frühen 2000ern bis heute begleitet und ist nach wie vor eines der bekanntesten Logos im NHS-Katalog.
Warum es zählt Eine der stärksten und konsistentesten visuellen Identitäten im modernen Skate. Kaum eine Marke hat über so lange Zeit eine derart kohärente grafische Sprache aufrechterhalten, ohne kulturelle Relevanz zu verlieren.
Element Tree
Element Tree / Triple Eight
Marke Element
Pro Model (brand logo)
Designer Johnny Schillereff
Drei Kreise, die ein Dreieck bilden (die vier Elemente: Erde, Feuer, Wasser, Luft) sowie ein Baum mit Wurzeln. Öko-naturalistische Ästhetik. Element war wahrscheinlich die kommerziell erfolgreichste Skatemarke der modernen Ära — bis zur Insolvenz innerhalb der Liberated Brands-Gruppe im Februar 2025.
Warum es zählt Erste große Skatemarke mit umweltbewusster Ikonographie. Steht für den 'Corporate'-Flügel des Skate der 2000er — poliert, mainstream, zugänglich.
Element Section
Element Section
Marke Element Skateboards
Pro Model (brand logo)
Designer Equipo Element
Das Section Logo fasste die Identität von Element in vier geometrischen Elementen zusammen: Baum, Wasser, Feuer und Wind. Sein cleanes, leicht reproduzierbares Design trug dazu bei, die internationale Expansion der Marke in den 2000ern voranzutreiben.
Warum es zählt Steht für den Übergang des Skates hin zu visuellen Identitäten, die sich zunehmend am zeitgenössischen Branding orientierten.
Flip HKD Logo
Flip HKD Logo
Marke Flip Skateboards
Pro Model (brand logo)
Designer Equipo Flip
Flip Skateboards wurde 1994 in den USA neu aufgelegt, nachdem die Marke in Großbritannien als Deathbox (gegründet von Jeremy Fox und Ian Deacon) ihren Ursprung hatte. Das HKD-Logo — eine klare Typografie mit dem in den Flip-Wordmark integrierten Kürzel — etablierte sich in den Neunzigern und frühen 2000ern als das offizielle Gesicht der Marke. Die goldene Ära von Flip fiel mit einem legendären Team zusammen: Geoff Rowley, Tom Penny, Arto Saari, Rune Glifberg, Ali Boulala, Bastien Salabanzi — und den Videos Sorry (2002) und Really Sorry (2003), absolute Referenzpunkte des Street Skatings jener Zeit.
Warum es zählt Eine der einflussreichsten Marken im Übergang zwischen den Neunzigern und den 2000ern. Das HKD-Logo begleitete eine der meistzitierten Generationen im europäisch-amerikanischen Street Skate und ist für jeden Skater, der diese Ära erlebt hat, sofort wiedererkennbar.
Enjoi Panda
Enjoi (Panda)
Marke Enjoi Skateboards
Pro Model (brand logo)
Designer Marc Johnson / equipo Enjoi
Enjoi wurde im Jahr 2000 innerhalb des Distributors Dwindle gegründet, mit Rodney Mullen, Marc Johnson und Louie Barletta als Aushängeschilder des Projekts. Das Maskottchen der Marke — ein tollpatschig dreinschauender Panda — begleitete den humoristischen Ton, der Enjoi vom restlichen technischen Street-Skaten der 2000er abhob.
Warum es zählt Eines der bekanntesten Logos des Skateboardings der 2000er, verbunden mit einer Marke, die sich explizit dem Humor verschrieben hatte.
Zero Single Skull
Zero Single Skull
Marke Zero Skateboards
Pro Model (brand logo)
Designer Jamie Thomas
Jamie Thomas gründete Zero Skateboards 1996 nach seinem Abgang von Toy Machine. Der Single Skull, von Thomas selbst gezeichnet, wurde ab Ende der 90er zum zentralen Emblem der Marke und dominierte Zeros visuelle Identität während der gesamten ersten Hälfte der 2000er. Sein Erfolg erklärt sich nicht allein durch das Design, sondern durch alles, wofür die Marke damals stand: Street Skating an der absoluten Grenze, Part-Reihen voller Hammers (Misled Youth, 1999; Dying to Live, 2002) und eine Hardcore-Ästhetik, die direkt mit der kalifornischen Punk-Szene verbunden war.
Warum es zählt Eines der visuell bekanntesten Icons einer ganzen Skater-Generation. Der Zero-Skull erschien auf Decks, Shirts, Stickern, Rucksäcken und so ziemlich jeder denkbaren Oberfläche in den frühen 2000ern – in einer Größenordnung vergleichbar mit dem Panda von Enjoi oder dem Baker-Logo innerhalb desselben Zeitraums.
Zero Three Skulls
Zero Three Skulls
Marke Zero Skateboards
Pro Model (brand logo)
Designer Jamie Thomas
Variante des Zero-Skulls mit dreifach wiederholtem Motiv in horizontaler Komposition, Anfang der 2000er aufgelegt. Die Wiederholung erzeugte ein noch aggressiveres und einprägsameres Bild als der ursprüngliche Single Skull und wurde zu einer der beliebtesten Versionen der gesamten Markengeschichte. Sie wird regelmäßig neu aufgelegt und erscheint bis heute in weiten Teilen des aktuellen Zero-Merchandisings.
Warum es zählt Repräsentiert den Moment des maximalen kulturellen Einflusses von Zero innerhalb des Street Skatings. Für viele Skater, die in den 2000ern aufgewachsen sind, ist dieses Bild genauso identifizierbar wie jedes andere Logo der Baker / Deathwish / Toy Machine-Generation.
Während Zero die aggressivere und härtere Seite des Street Skatings der 2000er verkörperte, erkundeten andere Marken viel surrealistischere Richtungen. Kein Künstler symbolisiert diese Suche besser als Don Pendleton.
Foundation Moon & Star
Foundation Moon & Star
Marke Foundation Skateboards
Pro Model (brand logo)
Designer Foundation Skateboards
Die Kombination aus Halbmond und Stern wurde in den Neunzigern und frühen 2000ern zu einem der wiedererkennbarsten Bilder von Foundation. Ihr schlichtes Design stand im Kontrast zu den komplexen Illustrationen, die einen Großteil des Marktes dominierten, und half dabei, für mehrere Generationen von Skatern eine sofort erkennbare visuelle Identität aufzubauen. Sie erschien auf Boards, T-Shirts, Stickern und Werbematerial und begleitete das Wachstum einer der einflussreichsten Marken des modernen Street Skatings. Mit der Zeit wurde Moon & Star zu einem Zugehörigkeitssymbol für eine gesamte Community von Riders, die dem Universum von Foundation verbunden waren.
Warum es zählt Sie ist eines der wiedererkennbarsten Bilder von Foundation und eines der dauerhaftesten Symbole des Street Skatings der späten Neunziger und frühen 2000er. Ihre Schlichtheit beweist, dass ein Graphic nicht komplex sein muss, um zur Ikone zu werden.
Im Laufe der 2000er begannen die Grenzen zwischen Skate, Design, Mode und Kunst zu verschwimmen.
Grafiken lebten nicht mehr nur in Skate-Shops. Sie tauchten in Galerien auf. In Museen. In privaten Sammlungen. Und in Kollaborationen mit Künstlern aus aller Welt.
Die nächste Phase dieser Geschichte würde geprägt sein von dieser Mischung aus Skate und zeitgenössischer Kunst.
Und kaum Namen sind so wichtig, um das zu verstehen, wie Mark Gonzales, Krooked und die Generation, die das spontane Zeichnen zu einer Form visueller Identität gemacht hat.
2000–2025 — Krooked, DGK, Deathwish und die Ära der visuellen Identität
Im Laufe der 2000er war der Skate nicht mehr nur eine Subkultur.
Er war im Vergleich zu anderen Sportarten noch immer eine relativ kleine Community, aber sein Einfluss auf Mode, Grafikdesign, Fotografie und Stadtkultur wuchs stetig.
Auch die Marken veränderten sich. Einige setzten auf eine sehr gepflegte und kohärente visuelle Identität. Andere zogen es vor, komplette grafische Universen aufzubauen. Und wieder andere spiegelten einfach die Persönlichkeit ihrer Gründer wider.
Kaum eine Marke verkörpert diesen letzten Gedanken besser als Krooked.
Von Mark Gonzales 2002 gegründet, holte die Marke etwas zurück, das im Laufe der Jahre verloren gegangen war: das spontane, unvollkommene und zutiefst persönliche Zeichnen.
Es sah nicht aus, als wäre es von einer Marketingabteilung entworfen worden. Es sah aus, als hätte Gonz es gezeichnet. Und genau darin lag der Witz.
Während einige Marken auf Minimalismus setzten, bauten andere visuelle Identitäten auf, die tief mit der Realität der Viertel verbunden waren, in denen sie entstanden waren. Kaum eine Marke steht für diese Idee besser als DGK.
DGK Money Series
DGK Money Series
Marke DGK
Pro Model (team series)
Designer Equipo DGK
DGK — Dirty Ghetto Kids — wurde von Stevie Williams in Philadelphia gegründet mit dem Ziel, eine Realität zu repräsentieren, die im kommerziellen Skate der Zeit kaum zu finden war. Die Money Series verwendeten Geldscheine, Reichtumssymbole und direkte Referenzen an sozialen Aufstieg als zentrales visuelles Element. Die Serie wurde schnell zu einem der bekanntesten Bilder im DGK-Katalog und half dabei, die Identität einer der einflussreichsten Marken des modernen Street Skatings zu festigen.
Warum es zählt Erweiterte die kulturelle Repräsentation innerhalb des Skates und schuf eine visuelle Identität, die untrennbar mit der persönlichen Geschichte von Stevie Williams und der urbanen Kultur der Ostküste verbunden ist.
Krooked Eyes
Krooked Eyes
Marke Krooked Skateboards
Pro Model (wiederkehrendes Motiv)
Designer Mark Gonzales
Zwei asymmetrische Augen, irgendwo zwischen verschmitzt und melancholisch. Tauchen auf Hoodies, Caps und Decks auf. Verkörpern den goofy/absurden Humor von Krooked.
Warum es zählt Zweites Krooked-Icon. Musterbeispiel dafür, wie eine Marke Identität entwickeln kann, ohne ein einziges formales Logo zu brauchen.
Deathwish Gang Logo
Deathwish Gang Logo
Marke Deathwish Skateboards
Pro Model (brand logo)
Designer Equipo Deathwish
Deathwish Skateboards wurde 2008 als Schwestermarke von Baker gegründet, mit Erik Ellington, Jim Greco und Andrew Reynolds im Kern des Projekts. Das Gang Logo – gotische Typografie mit dem Wort DEATHWISH und zwei Händen, die das für die Marke charakteristische "Gang Sign" formen – wurde schnell zu einem der bekanntesten Embleme der Post-Baker-Generation.
Warum es zählt Es repräsentiert die natürliche Weiterentwicklung des Baker-Spirits für die nächste Generation: eine rauere, aggressivere und weniger polierte Ästhetik. Das Logo definiert eine ganze Strömung des amerikanischen Skatings der späten 2000er und der 2010er Jahre.
Palace Tri-Ferg
Palace Tri-Ferg
Marke Palace Skateboards
Pro Model (brand logo)
Designer Fergus Purcell
Palace Skateboards wurde 2009 in London von Lev Tanju gegründet. Das Logo – drei Dreiecke, die ein größeres Dreieck bilden, bekannt als Tri-Ferg – wurde von Fergus Purcell entworfen (daher der Name), einem Londoner Künstler mit langer Geschichte bei Marken wie Marc Jacobs und Lucien Pellat-Finet. 2010 eingeführt, wurde der Tri-Ferg schnell zu einem der bekanntesten Skate-Logos des 21. Jahrhunderts und ab Mitte des Jahrzehnts zu einem der zentralen Symbole des globalen Streetwear.
Warum es zählt Es zeigt, in welchem Ausmaß das Grafikdesign des Skatens die globale Mode beeinflusst hat. Kaum eine Skate-Marke hat es so klar geschafft, die Grenze zwischen Skateboarding und Popkultur zu überschreiten – mit Kollaborationen mit Adidas, Reebok, Stella Artois, Polo Ralph Lauren und einem halben Dutzend Luxushäusern.
Polar Stroke Logo
Polar Stroke Logo
Marke Polar Skate Co.
Pro Model (brand logo)
Designer Pontus Alv
Polar Skate Co. wurde 2011 in Malmö (Schweden) von Pontus Alv gegründet, nach mehreren Vorprojekten – darunter das Video The Strongest of the Strange. Das Stroke Logo der Marke, von Alv von Hand mit dickem, bewusst imperfektem Strich gezeichnet, knüpft direkt an die naïve Strömung an, die Mark Gonzales bei Krooked eröffnet hat. In einer von hochelaborierten Grafiken dominierten Epoche fand Polar seine Stärke in der Schlichtheit.
Warum es zählt Repräsentiert den wachsenden Einfluss Europas innerhalb des Grafikdesigns des modernen Skatens. Die Polar-Ästhetik – Handzeichnung, reduzierte Farbpaletten, Kompositionen fast wie Underground-Poster – prägte die visuelle Sprache des europäischen Skatens der 2010er Jahre und exportierte sich in den amerikanischen Markt.
Cliché Hand
Cliché Hand
Marke Cliché Skateboards
Pro Model (brand logo)
Designer Jérémie Daclin / equipo Cliché
Das in Lyon gegründete Cliché half zu beweisen, dass Europa innerhalb des Skates eine vollständig eigenständige visuelle Identität entwickeln konnte. Sein charakteristisches Hand-Symbol begleitete über Jahre hinweg einige der einflussreichsten Videos und Kataloge des Kontinents.
Warum es zählt Eines der wichtigsten Ikonen des europäischen Skates und direkter Vorläufer der kreativen Explosion, die später mit Magenta und Polar folgen sollte.
Magenta Leaf / M
Marke Magenta Skateboards
Pro Model (brand logo)
Designer Soy Panday
Blatt + 'M' in elegantem, kalligraphischem, fast japanisch-bandes-dessinées-anmutendem Strich. 2010 in Bordeaux gegründet von Soy Panday und den Brüdern Feil. Ohne Mittelsmänner: Soy zeichnet alles, Vivien kümmert sich ums Geschäft, Jean um den Versand.
Warum es zählt Europäische 'Living Street'-Ästhetik. Hat zusammen mit Polar neu definiert, dass man eine Skatemarke führen kann, ohne jemals laut sein zu müssen.
Jart Logo
Jart Logo
Marke Jart Skateboards
Pro Model (brand logo)
Designer Equipo Jart
Im Baskenland gegründet, entwickelte sich Jart zu einem der erfolgreichsten europäischen Unternehmen der Skate-Geschichte. Ihre schlichte und wiedererkennbare visuelle Identität begleitete das internationale Wachstum der Marke in den 2000er und 2010er Jahren und machte sie zur Referenz für mehrere Generationen europäischer Skater.
Warum es zählt Eines der bekanntesten Symbole des europäischen Skates und steht für den internationalen Erfolg einer in Spanien gegründeten Marke.
Supreme Louis Vuitton Deck (2017)
Supreme x Louis Vuitton Deck
Marke Supreme / Louis Vuitton
Pro Model (Kollektion)
Designer Supreme + Louis Vuitton
Die Supreme x Louis Vuitton-Kollaboration wurde bei der Pariser Men's Fashion Week Herbst/Winter 2017 präsentiert. Teil des Drops waren Skate Decks mit dem LV-Monogramm kombiniert mit dem roten Supreme-Wordmark. Die Aktion markierte den Moment, in dem eine Skate-Marke und eines der ältesten Luxushäuser der Welt gemeinsam eine Kollektion auf dem Laufsteg präsentierten. Die Wiederverkaufspreise der Decks erreichten mehrere tausend Dollar pro Stück.
Warum es zählt Symbolisiert den Moment, in dem das Skaten Teil des globalen Mainstreams wurde, ohne seine Identität vollständig zu verlieren. Es schließt den Bogen, den Supreme 1994 mit dem Box Logo geöffnet hat, und macht deutlich, dass das Skate Deck sich als Design-, Luxus- und Sammlerstück etabliert hat – nicht nur als Sportgerät.
Toy Machine Charred Cross (2025)
Charred Cross
Marke Toy Machine
Pro Model (Graphic-Manifest)
Designer Ed Templeton
Vermummter KKK-Mann, gekreuzigt und brennend auf gebrochenem Hakenkreuz. Antirassistisches Manifest. Spaltete die Szene: von einem Großteil der Community bejubelt, von KKK-Sympathisanten angegriffen und von Kritikern, die meinten, 'die Botschaft ist richtig, aber sie sollte nicht als Produkt verkauft werden'.
Warum es zählt Toy Machine und Templeton sind auch nach 30+ Jahren noch das politische Gewissen des Skatens.
Branchen-übergreifende Logos: wenn die Grafik das Deck verlässt
Einige Designs aus dem Skate-Umfeld erlangten massive Präsenz außerhalb des Sports selbst – als Streetwear oder Jugendikonografie. Thrasher Magazine führte sein Flammen-Wordmark und den Slogan Skate and Destroy Anfang der Achtziger ein; das Kreuz von Independent Trucks (Ende der Siebziger von NHS eingeführt) und der Bighead von Spitfire Wheels zählen zu den meistgestochenen Skate-Logos auf der Haut bis heute.
Thrasher (Flammen-Logo / Skate and Destroy)
Marke Thrasher Magazine
Pro Model (Slogan/Identität)
Designer Thrasher / Kevin Thatcher (revista, 1981)
Thrasher wurde 1981 gegründet (Kevin Thatcher, Eric Swenson, Fausto Vitello). Der gotische Flammen-Wordmark und das Motto Skate and Destroy wurden zur meistkopierten visuellen Identität des Skatens: vom Magazincover über Aufnäher und Tattoo bis hin zur Laufstegkollektion Jahrzehnte später.
Warum es zählt Wahrscheinlich das meistgefälschte Logo der Skatekultur. Wuchs weit über das Magazin hinaus und wurde zum Einstellungssymbol — und, ironischerweise, zum Mainstream-Fashion-Objekt, das Thrasher selbst kritisierte.
Independent Cross
Marke Independent Truck Company
Pro Model (brand logo)
Designer Jim Phillips
Phillips entwarf das Kreuz für Independent (gegründet 1978 von Vitello, Swenson, Novak, Shuirman). Ursprüngliche Idee: ein 'Surfer's Cross', eine Abwandlung des deutschen Eisernen Kreuzes — wegen der Surf/Skate-Verbindung. Zunächst wegen der Nazi-Assoziation abgelehnt; Phillips bestand darauf und verwies auf die Verwendung des Kreuzes durch Papst Johannes Paul II. Im Jahr 2022 überarbeitete die Marke das Logo mit expliziter Distanzierung.
Warum es zählt Neben dem Spitfire Bighead das am häufigsten tätowierte Logo in der Geschichte des Skatens. Die Neugestaltung 2022 war ein kulturelles Ereignis.
Spitfire Bighead
Marke Spitfire Wheels
Pro Model (brand logo)
Designer Kevin Ancell
Stilisiertes Gesicht mit flammendem Kopf, schmalen schwarzen Augen mit weißem Glanz, übertrieben weißem Zahnlächeln — alles in leuchtendem Rot auf schwarzem Grund. Erschien erstmals als Anzeige im Mai 1992. Spitfire wurde 1987 von Jim Thiebaud unter Deluxe gegründet.
Warum es zählt Eines der am häufigsten reproduzierten Bilder in der Geschichte des Skatens. Auf Hoodies genäht, tätowiert, weltweit in DIY-Bowls gemalt. Verkörpert die Energie von DLXSF.
DC Star Logo
Marke DC Shoes
Pro Model (brand logo)
Designer Damon Way / Ken Block (equipo fundador)
1994 gegründet, wuchs DC Shoes zu einem der sichtbarsten Unternehmen der gesamten Skateindustrie in den späten Neunzigern und frühen 2000ern heran. Ihr Logo — der charakteristische Stern begleitet von den Buchstaben DC — tauchte auf Sneakers, Kleidung, Contests, Videospielen und Werbekampagnen auf, die ein weit über den traditionellen Skate hinausgehendes Publikum erreichten. Für mehrere Jahre war es praktisch unmöglich, einen Skatepark zu betreten, ohne das DC-Logo dutzende Male zu sehen.
Warum es zählt Kaum ein Skate-Logo erreichte in den 2000ern eine vergleichbare globale Sichtbarkeit. Es repräsentiert den Moment, in dem Skateboarding zu einer internationalen Massenindustrie wurde.
Etnies "E"
Marke Etnies
Pro Model (brand logo)
Designer Pierre André Sénizergues
Das charakteristische stilisierte E von Etnies begleitete die weltweite Expansion eines der bedeutendsten Schuhunternehmen der Skate-Geschichte. In den Neunzigern und frühen 2000ern erschien es auf Millionen von Sneakers, T-Shirts und Anzeigen.
Warum es zählt Steht für die globale Professionalisierung des Skate-Schuhwesens und eine der einflussreichsten Marken aller Zeiten.
Live-Ranking der meistgewählten Grafiken
Sieh, welche Grafiken gewinnen
93 Designs im Katalog nach echten Stimmen sortiert. Jedes "gefällt mir" bewegt das Ranking.
Komplettes Ranking ansehen →- 1 Flaming Dagger 3
- 2 Iron Cross / Screaming Chicken Skull 2
- 3 Nordic Skull 2
Fünf Designer, die die visuelle Sprache des Skates geprägt haben
Vernon Courtlandt Johnson (VCJ) — Hauptdesigner des Powell-Peralta-Katalogs zwischen 1978 und 1991. Arbeitet mit Tinte auf Papier. Studierte mittelalterliche beleuchtete Handschriften und esoterische Symbolik. Verließ Powell 1991, kehrte 2011 zurück. Verkauft Originaldrucke auf vcjart.com.
Wes Humpston — Mitgründer von Dogtown Skates mit Jim Muir. Ihm wird zugeschrieben, ab 1976 als Erster von Hand auf serienmäßig produzierten Decks gezeichnet zu haben. Leitet Bulldog Skates seit 1995.
Jim Phillips — Art Director von Santa Cruz seit 1975. Hintergrund im psychedelischen Rock-Plakatdesign der Sechziger. Autor der Screaming Hand und eines Großteils des Santa-Cruz-Bestiarium. Drei Bücher veröffentlicht zwischen 2003 und 2007. Aufnahme in die Skateboarding Hall of Fame 2017. Sein Sohn Jimbo Phillips setzt die Arbeit fort.
Marc McKee — Hauptkünstler von World Industries und Blind in den Neunzigern. Hintergrund im BMX-Flatland (Skyway). Entwarf die Maskottchen Devilman, Flameboy und Wet Willy. Veröffentlichte The Art of Marc McKee 2011.
Sean Cliver — Künstler parallel zu McKee bei World/Blind. Veröffentlichte 2004 Disposable: A History of Skateboard Art (Gingko Press), das als Standardwerk des Feldes gilt. Produzierte danach Jackass, Wildboyz und Bad Grandpa mit Jeff Tremaine.
Mark Gonzales — Pro-Skater seit 1984 (Vision). Mitgründer von Blind (1989) und Krooked (2002). Transworld Skateboarding ernannte ihn 2011 zum einflussreichsten Skater der Geschichte. Parallele Karriere als zeitgenössischer Künstler: Zines, bei Drag City veröffentlichte Bücher, Ausstellungen in Tokio, San Francisco, New York, Paris und Berlin. Entwirft seit 2011 für Supreme.
Technische Entwicklung des Drucks
Die Technik, eine Grafik auf ein gewölbtes Deck zu drucken, hat sich in den fünf Jahrzehnten, die dieser Artikel abdeckt, grundlegend verändert. Die folgende Zeitleiste fasst die großen Sprünge zusammen:
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Glattes Holz + Sticker / Metall-Logo
Logan-, Sims-, Hobie-Decks. Höchstens Siebdruck einer Farbe. Das Deck ist Sportausrüstung, kein grafisches Objekt.
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Wärmeübertragenes Bild
Verschlechterte sich schnell bei Gebrauch. Powell-Peralta nutzte es bis Mitte der Dekade vor dem Wechsel zu stabilem Siebdruck.
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Siebdruck 2-4 Spot-Farben
Die moderne visuelle Sprache des Skate entsteht hier. Decks von 10 Zoll oder mehr mit Full-Bottom-Komposition. Feine Linien und schwarze Massen an die technische Grenze angepasst.
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Full-Color-Siebdruck
Höchste Stufe in Siebdruck auf gebogenem Holz. Fällt mit dem Ende der Pre-Crash-Ära zusammen.
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Begrenzter Siebdruck im schmalen Format
Decks verschmälern sich auf 7,5-8 Zoll. Enden verschleißen bei jedem Slide, daher zentrieren sich Grafiken und Cartoons ersetzen heraldische Kompositionen.
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Digitaler Heat Transfer
Erlaubt fotografische Full-Color-Bilder, aber mit geringerer Haltbarkeit als traditioneller Siebdruck.
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Lithografie + Premium-Siebdruck + alternative Hölzer
Limited Editions, Kollaborationen mit Kunstgalerien, Bambus und baltische Birke. Das Deck tritt voll in den Sammlermarkt ein.
Lektüre und Quellen
- Cliver, Sean. Disposable: A History of Skateboard Art. Gingko Press, 2004.
- Phillips, Jim. The Skateboard Art of Jim Phillips. Schiffer Publishing, 2007.
- McKee, Marc. The Art of Marc McKee. Gingko Press, 2011.
- Interviews mit VCJ in Juice Magazine.
- Redaktionelle Berichterstattung von Jenkem Magazine und Thrasher für die Zeit nach 2010.
Wenn du tiefer einsteigen willst, findest du im Skate-Wörterbuch die technischen Begriffe, die hier auftauchen (Deck, Pro Model, Slide, Popsicle, Vert), und in der vollständigen Geschichte des Skates den chronologischen Kontext der Disziplin.
Diese Liste ist nicht endgültig
An diesem Punkt ist klar, dass die Geschichte der Skateboard-Grafiken noch nicht zu Ende ist.
Jedes Jahr tauchen neue Marken, neue Künstler und neue Ideen auf. Einige werden mit der Zeit verschwinden. Andere werden zu Klassikern. Und wahrscheinlich wird es in zwanzig Jahren genauso leidenschaftliche Debatten über die aktuellen Grafiken geben wie die, die heute rund um Powell, Santa Cruz oder World Industries existieren.
Deshalb kann diese Liste nie als endgültig gelten. Sie ist schlicht unsere Auswahl einiger der Grafiken, die uns am meisten gefallen, am meisten beeinflusst haben oder die uns innerhalb der Entwicklung des Skateboardings am bedeutsamsten erscheinen.
Jetzt bist du dran.
Fehlt ein unverzichtbares Deck? Schreib es in die Kommentare und hilf uns, diese Geschichte weiterzuschreiben.
Kommentare
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