Parlare delle migliori grafiche skate di tutti i tempi è una missione impossibile.
Non perché manchino i candidati, ma perché ne avanzano.
Ogni generazione ha i suoi preferiti. Alcuni ricordano la prima volta che hanno visto una Screaming Hand su un adesivo appiccicato a un lampione. Altri sono cresciuti sognando una Skull and Sword di Powell-Peralta appesa alla parete della loro stanza. E c’è chi prova ancora qualcosa di speciale quando incrocia una tavola di Gonzales, Templeton o Natas Kaupas.
Per questo vogliamo chiarire una cosa fin dall’inizio.
Questa non è una classifica definitiva, né pretende di essere una lista obiettiva.
È la nostra selezione di alcune delle grafiche più importanti, influenti, iconiche o semplicemente memorabili che la storia dello skateboarding abbia prodotto.
Abbiamo passato in rassegna libri, interviste, cataloghi storici, riviste come Thrasher, Juice o Jenkem e decine di fonti specializzate per costruire una linea temporale che spiega come una semplice tavola di legno sia finita per diventare uno dei supporti artistici più riconoscibili della cultura popolare. Perché lo skate ha fatto qualcosa che pochissimi sport sono riusciti a fare. Ha creato un linguaggio visivo proprio.
Mentre altri sport costruivano la loro identità attorno a squadre, stadi o divise, lo skate ha trasformato la parte inferiore di una tavola in una tela. Uno spazio in cui convivevano arte, musica, cultura urbana, umorismo, provocazione, politica e personalità.
Molte delle immagini qui presenti sono riconoscibili anche per chi non ha mai fatto un ollie. E questo dice molto del loro impatto.
Come funziona questa lista
Ogni grafica include un pulsante di voto per dirci quali pensi che meritino di stare più in alto. I risultati si aggiornano in tempo reale e alimentano la nostra classifica generale.
Inoltre, se ti va di mettere alla prova i tuoi pregiudizi da skater, puoi provare anche il nostro bracket: un’eliminatoria in cui metterai a confronto design storici uno contro l’altro fino a scegliere il tuo campione personale.
Perché una cosa è chiara. Non esiste una risposta giusta.
È meglio la Screaming Hand del Ripper?
Ha più importanza storica la Dogtown Cross della Skull and Sword?
Può un logo come Girl competere con un capolavoro illustrato di Jim Phillips?
Noi abbiamo la nostra opinione e sicuramente ce l’hai anche tu. È esattamente per questo che esiste questo articolo.
Prima di cominciare…
C’è una cosa importante da ricordare. Non tutte le grafiche sono importanti per gli stessi motivi. Alcune hanno rivoluzionato il design. Altre hanno venduto milioni di tavole. Alcune hanno definito una generazione. Altre hanno aiutato a costruire un brand. E poche sono riuscite a uscire dallo skate per diventare icone culturali riconoscibili in tutto il mondo.
Confrontarle tra loro non è sempre giusto, ma è proprio lì che sta parte del bello.
Se senti la mancanza di qualche grafica che pensi dovrebbe comparire qui, lasciala nei commenti. Siamo sicuri che ne mancano alcune e probabilmente non smetteremo mai di aggiungere nuovi candidati. Perché la storia dell’arte nello skate si scrive ogni giorno.
Qual è il miglior grafico di skate della storia? Decidi tu
Bracket completo con tutti i grafici dell'articolo: breve qualifica + 64 pulito fino alla finale. Scegli un vincitore in ogni match fino al tuo campione.
Inizia il bracket →1976-1977 — quando le tavole hanno iniziato a raccontare storie
Oggi sembra impossibile immaginare una tavola da skate senza una grafica d’impatto.
Ma per buona parte degli anni Sessanta e dei primi anni Settanta, le tavole erano poco più che attrezzatura sportiva. Un logo semplice. Un adesivo. Qualche serigrafia di base. Niente di più. L’idea che una tavola potesse diventare un’opera grafica semplicemente non esisteva.
Questo ha iniziato a cambiare nel sud della California. E, come tante altre rivoluzioni dello skate, è cominciato a Dogtown.
Tra Venice e Santa Monica stava nascendo una generazione di skater che non assomigliava a nessuna precedente. Skateavano piscine vuote, ascoltavano musica diversa e avevano un atteggiamento molto più vicino al surf underground e al punk che allo sport tradizionale. Avevano bisogno di un’identità propria. E quell’identità finì per comparire anche sul legno.
Dogtown Cross
Marca Dogtown Skates
Pro model Team (Tony Alva, Jay Adams, Jim Muir)
Designer Craig Stecyk III (símbolo) + Wes Humpston (deck)
Se esiste un punto di partenza per la storia dell'arte grafica nello skate, è probabilmente la Dogtown Cross. La cosa curiosa è che non nacque nemmeno come grafica da skate. Craig Stecyk III, fotografo, scrittore e una delle figure intellettuali più importanti del movimento Zephyr, da anni dipingeva quella croce sui muri di Santa Monica come segno territoriale. Era un simbolo del quartiere. Una firma. Un messaggio per chi apparteneva all'ambiente Dogtown. Quando Wes Humpston chiese il permesso di usarla sulle tavole di Dogtown Skates (intorno al 1976), Stecyk glielo concesse. Ma la vera rivoluzione fu Humpston: cominciò a disegnare a mano direttamente sulle tavole, qualcosa che oggi sembra normale ma nel 1976 era una follia. Senza Humpston è difficile immaginare il lavoro successivo di Jim Phillips, VCJ o qualsiasi altro grande artista dello skate.
Perché conta Non perché fosse la grafica più bella né la più venduta, ma perché fu la prima a dimostrare che una tavola poteva trasmettere cultura, attitudine e appartenenza. Lo skate smetteva di vendere solo prestazioni. Cominciava a vendere identità. L'innovazione formale più importante nella storia visiva dello skate.
Alva (logo + fades)
Marca Alva Skates
Pro model Tony Alva
Designer Tony Alva / equipo Alva
Se Dogtown ha contribuito a costruire l'identità visiva dello skate, Tony Alva ha contribuito a cambiare il modello di business. Z-Boy di Dogtown, ha fondato Alva Skates nel 1977 diventando il primo grande professionista a decidere di creare il proprio marchio invece di skater per una società di ingegneri. Oggi sembra una cosa normale, ma all'epoca fu una dichiarazione di indipendenza. La famosa "A" angolare di Alva e le tavole tinte con sfumature di colore (i fades) diventarono rapidamente un'immagine riconoscibile nella scena. Niente mostri. Niente illustrazioni complesse. Niente narrative. Solo attitudine. E funzionò. Il marchio trasmetteva esattamente la personalità di Tony Alva: aggressiva, sfidata e completamente distante dall'immagine sportiva tradizionale.
Perché conta Stabilì il precedente del marchio gestito dallo skater stesso. Quel modello — il rider come proprietario — è quello che avrebbero riprodotto in seguito Powell, World Industries, Plan B, Birdhouse, Girl, Baker e praticamente ogni brand skater-owned. L'idea che uno skater potesse controllare la propria immagine è nata qui.
Vans — Off The Wall
Marca Vans
Pro model (marchio di calzature)
Designer Familia Van Doren
Anche se tecnicamente non stiamo parlando di un grafico da tavola, è impossibile raccontare la storia visiva dello skate senza soffermarsi un momento su Vans. La Van Doren Rubber Company aprì ad Anaheim nel 1966 producendo scarpe con suola in gomma su misura. A metà degli anni Settanta gli skater californiani adottarono la Era e la Authentic per una ragione molto semplice: funzionavano meglio di quasi qualsiasi altra cosa disponibile all'epoca, soprattutto grazie alla suola waffle appiccicosa. Quello che venne dopo fu inaspettato: la suola waffle, il pattern a scacchi, il motto Off The Wall, la Sk8-Hi, la Half Cab. Tutti questi elementi finirono per formare uno dei sistemi visivi più riconoscibili dell'intera cultura skate. Oggi puoi trovare una t-shirt Vans in qualsiasi città del pianeta, ma il suo DNA è ancora connesso a quei primi skateparks della California.
Perché conta Ha contribuito a dimostrare che l'estetica skate poteva trascendere lo skate stesso. Un'idea che sarebbe esplosa decenni dopo con Supreme, Thrasher e buona parte dello streetwear moderno. Il pattern a scacchi e l'Off The Wall sono tra gli emblemi più riconoscibili della cultura skate, dentro e ben fuori dalla tavola.
Alla fine degli anni Settanta era già chiaro che stava accadendo qualcosa di importante. La tavola stava smettendo di essere semplicemente uno strumento per skateare. Stava diventando un mezzo di espressione.
Quello che nessuno immaginava era ciò che stava per arrivare. Perché nel 1978 un piccolo brand chiamato Powell-Peralta inserì nel suo team un illustratore di nome Vernon Courtlandt Johnson. E da quel momento in poi niente sarebbe più stato lo stesso.
1978-1989 — Powell-Peralta e l’età dell’oro della grafica skate
Se c’è un brand che ha cambiato per sempre l’estetica dello skateboarding, probabilmente è Powell-Peralta.
Durante gli anni Ottanta, Powell non solo riunì alcuni dei più importanti skater della storia all’interno della Bones Brigade. Contribuì anche a trasformare la tavola in qualcosa di più di un semplice prodotto sportivo. Per la prima volta, le grafiche iniziavano ad avere tanta importanza quanto il rider stesso.
Gran parte di quella trasformazione passò per Vernon Courtlandt Johnson, più noto come VCJ. Il suo lavoro ha definito buona parte dell’immaginario visivo dello skate classico: teschi, draghi, creature fantastiche, simboli medievali e composizioni che ancora oggi continuano a comparire in riedizioni, collezioni e sulle pareti di migliaia di skater.
La cosa interessante è che molti di questi design non funzionavano solo come illustrazioni spettacolari. Contribuivano anche a costruire l’identità di ogni rider. La tavola stava iniziando a diventare un’estensione della personalità di chi la skateiava.
Skull and Sword
Skull and Sword
Marca Powell-Peralta
Pro model Ray 'Bones' Rodriguez
Designer Vernon Courtlandt Johnson (VCJ)
Primo pro signature di Powell-Peralta e uno dei primi grandi teschi su una tavola skate di produzione industriale. Lanciato nei colori Brite-Lite Dayglo. Il soprannome "Bones" di Rodriguez venne proprio dalla grafica, e il nome Bones Brigade (1979) si consolidò definitivamente grazie al successo commerciale del modello.
Perché conta Stabilì il DNA visivo di Powell-Peralta per il decennio successivo.
Chinese Dragon
Chinese Dragon
Marca Powell-Peralta
Pro model Steve Caballero
Designer VCJ, sobre boceto de Steve Caballero
Cab fu Rookie of the Year 1980 e rifiutò la proposta di Powell (skull+propeller) presentando il proprio disegno: un drago in posizione accovacciata. VCJ lo finalizzò. Resistette 6 anni con modifiche minime — un record.
Perché conta Prima volta che un rider co-firmò la propria grafica in Powell. Stabilì l'idea che il deck rifletta la personalità dello skater.
Iron Cross / Screaming Chicken Skull
Iron Cross / Screaming Chicken Skull
Marca Powell-Peralta
Pro model Tony Hawk
Designer VCJ
Hawk aveva subito un flop commerciale con il suo 'Soaring Hawk' (1982). VCJ ridisegnò tutto: un cranio ibrido umano/falco su croce di ferro in stile biker. Quando lo skate rimbalzò nel 1984, questa grafica decollò insieme alla carriera di Hawk.
Perché conta Una delle grafiche più riprodotte della storia. Base visiva del personal brand di Hawk per 40 anni.
The Ripper
The Ripper
Marca Powell-Peralta
Pro model (logo di marca, NON pro model)
Designer VCJ
Disegnato originariamente come sticker 'Bones Sold Here' per i negozi. Ebbe un tale successo che migrò su t-shirt, sticker e un proprio deck. Un teschio che sfonda un foglio di carta con il suo artiglio.
Perché conta Insieme alla Screaming Hand, una delle grafiche skate più riprodotte e riconosciute della storia. Dimostrò che un'immagine di marca poteva vendere più di un pro model specifico. È ancora in produzione più di quarant'anni dopo il suo lancio originale.
Winged Ripper
Marca Powell-Peralta
Pro model (team / promozionale)
Designer Vernon Courtlandt Johnson (VCJ)
Variazione del Ripper (1983) con ali estese ai lati del teschio. Compare nel catalogo Powell-Peralta di metà e fine anni 80 come grafico promozionale e di team, e fa parte delle reissue ricorrenti del brand, incluse le serie moderne dei Bones Brigade.
Perché conta Una delle varianti più riprodotte del Ripper originale. Estende il linguaggio araldico di VCJ verso composizioni di maggiore respiro.
Tra il 1983 e la fine degli anni Ottanta, Powell visse un momento creativo difficile da replicare. Ogni stagione apparivano nuove grafiche che espandevano l’universo visivo del brand e dimostravano che VCJ era capace di adattarsi a personalità molto diverse senza perdere coerenza estetica.
E all’interno di quel catalogo c’è un pezzo che merita una menzione a parte: il Mutt / Chess Piece di Rodney Mullen. Non è la grafica più spettacolare del brand, ma è il pro model di probabilmente lo skater più influente di tutta la storia, e rompe deliberatamente con l’estetica dominante di Powell. Quella scelta di differenziarsi, all’interno di un brand con un linguaggio visivo così consolidato, dice molto fino a dove arrivava il margine creativo in quell’epoca.
Nordic Skull
Nordic Skull
Marca Powell-Peralta
Pro model Per Welinder
Designer VCJ
Teschio fantasy circondato da rune vichinghe che compongono il nome di Welinder più il messaggio: 'Search and strive, push beyond with strength, yours not theirs, that is the key.' Rifletteva le sue origini svedesi.
Perché conta Prima grafica Powell con identità culturale/etnica integrata. VCJ che canalizza i suoi studi sui manoscritti medievali.
Skull and Snake
Skull and Snake
Marca Powell-Peralta
Pro model Mike McGill
Designer VCJ + Mike McGill
Disegnata mentre McGill stava perfezionando il McTwist al camp svedese nel 1984. Lui aggiunse il serpente e i fulmini citando la Florida, il suo stato natale. Uno dei deck più venduti di sempre da Powell.
Perché conta Vertice della formula VCJ skull-and-creature. Ispirazione per un'intera generazione di artisti skate.
Future Primitive
Future Primitive
Marca Powell-Peralta
Pro model Lance Mountain
Designer VCJ
Mountain rifiutò un primo concept skull+knee-bone perché voleva uscire dagli schemi. Ne uscì una composizione illustrativa con riferimenti tribali/primitivi. La tiratura originale aveva un dettaglio di fallo di cane nascosto che venne rimosso rapidamente — quelle con il dettaglio sono hyper-collectibles. La grafica diede il nome al video Powell del 1985.
Perché conta Ruppe il mold del teschio. Dimostrò il range illustrativo più ampio di VCJ.
Flaming Dagger
Flaming Dagger
Marca Powell-Peralta
Pro model Tommy Guerrero
Designer Kevin Ancell (NO VCJ)
Ispirata all'arte dei cofani delle hot rod americane degli anni '60-'70. Prima grafica pro Powell non disegnata da VCJ. Segnò una differenziazione netta: Guerrero come skater da strada/urbano rispetto al resto della Brigade vert.
Perché conta Prima crepa nel dominio totale di VCJ. Annuncia la diversificazione visiva che arriverà negli anni '90.
Elephant
Elephant
Marca Powell-Peralta
Pro model Mike Vallely
Designer VCJ + Mike Vallely
Primo pro model di Vallely. Rifiutò un primo concept 'Roach'. L'elefante nacque dalla sua collaborazione con VCJ e seguì Vallely per tutta la carriera (oggi il suo brand si chiama Elephant Skateboards).
Perché conta Ultimo grande VCJ prima dell'esodo massiccio di talenti da Powell nel 1991.
Un universo completo
Mutt / Chess Piece
Marca Powell-Peralta
Pro model Rodney Mullen
Designer VCJ
Primo pro freestyle di Powell. Il motivo degli scacchi (versione circa 1983) rappresentava la mente analitica di Mullen — gli scacchi come metafora del flatground. Un pezzo è nella collezione dello Smithsonian.
Perché conta Simbolo dello 'skater pensatore'. Mullen è il padre tecnico dello street moderno.
Skull and Spade
Marca Powell-Peralta
Pro model Steve Steadham
Designer Craig Stecyk III (NO Phillips)
Teschio rasta + shape con sidecut + tail squadrato per il pool coping. Steadham fu il primo pro afroamericano di rilievo in Powell.
Perché conta Pietra miliare di rappresentazione in un'industria quasi interamente bianca.
Kevin Harris (Mountie e castoro)
Marca Powell-Peralta
Pro model Kevin Harris
Designer Vernon Courtlandt Johnson (VCJ)
Pro model del freestyler canadese Kevin Harris per Powell-Peralta, disegnato da VCJ. Il grafico — un agente della Royal Canadian Mounted Police insieme a un castoro — combinava le due icone nazionali canadesi come strizzata d'occhio alle origini del rider. Harris è stato una delle figure del freestyle degli anni 80 insieme a Rodney Mullen, con uno stile orientato alla comicità e allo spettacolo.
Perché conta Uno dei pochi pezzi del freestyle anni 80 nel catalogo Powell-Peralta insieme al Mullen Chess, e uno dei pro model con identità culturale più esplicita di VCJ.
Ray Barbee Ragdoll
Marca Powell-Peralta
Pro model Ray Barbee
Designer Vernon Courtlandt Johnson (VCJ)
Pro model di Ray Barbee, membro dei Bones Brigade, disegnato da VCJ. Il motivo — un pupazzo di pezza su fondo caldo — si allontana dal repertorio gotico abituale di Powell-Peralta e riflette un registro più vicino allo stile di Barbee, noto per il suo skating fluido e per la sua attività parallela come musicista.
Perché conta Uno dei pochi pro model dei Bones Brigade che esce dal codice araldico di teschi e draghi caratteristico di VCJ.
Vato Rats / Rat Bones
Marca Powell-Peralta
Pro model (logo di marca)
Designer Craig Stecyk III
Stecyk riattivò la sua iconografia Dogtown degli anni '70 (gang latine di Santa Monica/Venice) e Stacy Peralta la portò in Powell come brand graphic nel 1983. Una linea estetica alternativa a VCJ: più grezza, più di strada, con influenze latino-americane.
Perché conta Continuità diretta tra l'underground di Dogtown degli anni '70 e il Powell commerciale degli '80. Stesso quartiere, stesso artista, mercato diverso.
Tony Hawk Claw (Powell-Peralta)
Marca Powell-Peralta
Pro model Tony Hawk
Designer Vernon Courtlandt Johnson (VCJ)
Pro model di Tony Hawk per Powell-Peralta con motivo di artiglio d'uccello. Fa parte dell'ultima generazione di design di Hawk per il brand prima della sua uscita nel 1992 per fondare Birdhouse insieme a Per Welinder.
Perché conta Chiusura dell'era Powell di Hawk all'interno del linguaggio VCJ. Precedente diretto dell'immaginario aviario che Hawk avrebbe portato in seguito a Birdhouse.
Frankie Hill Bull Dog
Marca Powell-Peralta
Pro model Frankie Hill
Designer Vernon Courtlandt Johnson (VCJ)
Pro model di Frankie Hill, disegnato da VCJ. Testa di bulldog con bandana su fondo giallo. Hill è stato uno dei pro street della fine degli anni 80 in Powell-Peralta, noto per le sue uscite da bowl a banks e per la sua fisicità potente. Il modello è considerato uno degli ultimi design rilevanti di VCJ prima del crash dell'industria nel 1991.
Perché conta Chiude l'ultima generazione di pro model VCJ degli anni 80 prima dello scioglimento della Bones Brigade classica.
BONES (wordmark con ossa incrociate)
Marca Powell-Peralta · Bones
Pro model (logo di marca)
Designer Powell-Peralta / Bones
Wordmark della linea Bones di Powell-Peralta (Bones Wheels, Bones Bearings, Bones Brigade): la parola BONES in tipografia spessa con due ossa incrociate a formare una X dietro le lettere. Stampato intensamente su t-shirt, sticker e merchandising dall'inizio degli anni 80, raggiunse una penetrazione massiccia nella cultura giovanile californiana dell'epoca. Una parte importante di chi indossava il logo non pattinava: lo usava come capo associato all'immaginario skate.
Perché conta Uno dei wordmark dell'ambiente skate con la maggiore presenza al di fuori dello sport stesso come capo da strada negli anni 80 e 90.
1980-1989 — Santa Cruz e Jim Phillips: l’altro grande universo dello skate
Mentre Powell-Peralta costruiva il suo immaginario con teschi medievali, draghi e fantasy eroica, dall’altra parte della California stava crescendo una visione completamente diversa di cosa potesse essere una tavola da skate.
Se VCJ rappresentava la precisione, il simbolismo e l’influenza dell’illustrazione classica, Jim Phillips puntava sull’eccesso, il colore e l’energia visiva. E funzionò.
Santa Cruz esisteva già dai primi anni Settanta sotto l’egida di NHS, ma fu l’arrivo di Phillips come direttore artistico a definire definitivamente la personalità visiva del brand. La sua esperienza precedente nel design di poster di concerti e nell’arte psichedelica si adattò perfettamente al momento che viveva lo skate. Il risultato fu una collezione di creature impossibili, mostri deformi, mani con vita propria, teschi esagerati e personaggi che sembravano fuggiti dalla copertina di un fumetto underground.
A differenza di Powell, dove molte grafiche trasmettevano una sensazione epica o quasi mitologica, Santa Cruz puntò su qualcosa di più viscerale. Le sue illustrazioni erano divertenti, aggressive, esagerate e, soprattutto, indimenticabili.
La cosa interessante è che, sebbene per anni Powell e Santa Cruz siano stati presentati come poli opposti, la realtà è che entrambi i brand hanno contribuito a costruire l’età dell’oro dell’arte nello skate. Uno ha apportato eleganza e simbolismo; l’altro, personalità e una capacità unica di creare icone visive che funzionano ancora quarant’anni dopo.
Poche epoche hanno concentrato tanta creatività in così poco tempo. E poche hanno lasciato così tante grafiche che ancora oggi vengono riedite continuamente.
La prova inizia con una mano blu che finì per diventare uno dei simboli più riconoscibili di tutta la cultura skate.
Screaming Hand
Marca Santa Cruz / Speed Wheels
Pro model (logo di marca)
Designer Jim Phillips
Phillips da anni disegnava varianti (un naufrago che urla con la mano fuori dall'acqua). Nel 1985 lo riformulò: una mano blu che urla con una bocca propria tra le dita. Era pensata per la linea Speed Wheels ma finì per divorare l'intera marca. Il 30º anniversario fu celebrato con una mostra itinerante in oltre 25 paesi.
Perché conta Viene spesso citata — insieme al Ripper — come una delle grafiche skate più riprodotte della storia. Appare tatuata su migliaia di skater in tutto il mondo e opera come secondo emblema di fatto di Santa Cruz accanto al wordmark del brand.
Tuttavia, ancora prima che la Screaming Hand conquistasse mezzo pianeta, Santa Cruz aveva già un altro emblema visivo che sarebbe sopravvissuto a intere generazioni di skater.
Santa Cruz Dot Logo
Santa Cruz Dot Logo
Marca Santa Cruz Skateboards
Pro model (brand logo)
Designer Jim Phillips
Il famoso cerchio rosso con il wordmark Santa Cruz è apparso alla fine degli anni settanta ed è diventato rapidamente uno degli identificatori più potenti di tutta l'industria. A differenza di altri loghi che sono cambiati costantemente seguendo le mode, il Dot ha avuto quasi bisogno di modifiche per più di quattro decenni. Lo si trova su tavole, ruote, abbigliamento, adesivi e praticamente qualsiasi prodotto associato alla marca.
Perché conta Insieme alla Screaming Hand forma il nucleo dell'identità visiva di Santa Cruz ed è uno dei loghi più riconoscibili di tutta la storia dello skate.
Se la Screaming Hand finì per rappresentare tutto un brand, Rob Roskopp fu protagonista di uno degli esperimenti narrativi più interessanti della storia dello skate. Invece di limitarsi a un’unica illustrazione, Jim Phillips sviluppò una serie di grafiche che evolvevano di tavola in tavola, qualcosa di molto insolito per l’epoca.
Roskopp Target
Marca Santa Cruz
Pro model Rob Roskopp
Designer Jim Phillips + Rob Roskopp
Primo pro model di Roskopp. L'idea originale ('un braccio che rompe un bersaglio') era sua, Phillips la materializzò. Evolvette in 7-8 deck nell'arco del decennio: braccio, testa, torso, mostro completo che distrugge il bersaglio.
Perché conta Prima serie evolutiva nel skate. Inventò la meccanica narrativa multi-tavola.
Roskopp Face
Marca Santa Cruz
Pro model Rob Roskopp
Designer Jim Phillips
Originariamente 'Street model'. Faccia spettrale stirata che è rimasta universalmente nota come 'il Roskopp Face'. Primo street model di Santa Cruz a vendere più di molti deck da vert.
Perché conta Dimostrò che lo street poteva spingere tanto prodotto quanto il vert — anticipa la transizione del 1990.
Slasher
Marca Santa Cruz
Pro model Keith 'Slasher' Meek
Designer Jim Phillips
Pro model di Keith Meek per Santa Cruz, illustrato da Jim Phillips nel 1986. Mostro verde con artigli in una composizione dinamica quasi da onda, disegnato per riflettere il soprannome del rider ("Slasher"). Il NOS (new old stock) è oggi estremamente raro secondo lo stesso Meek, il che ha fatto schizzare il suo valore nel mercato del collezionismo.
Perché conta Estetica pool-skating punk rock anni '80 in forma di creatura.
Salba — Tiger
Marca Santa Cruz
Pro model Steve Alba (Salba)
Designer Jim Phillips
Pro model di Steve Alba — Salba, leggenda del pool e del vert — per Santa Cruz, con una tigre firmata Jim Phillips. Immagine aggressiva e felina che si sposava con lo stile brutale di Alba in bowl.
Perché conta Un altro icona del duo Phillips–Santa Cruz degli anni 80, associata a uno dei nomi più grandi dello skate da piscina. Ristampata e molto ricercata dai collezionisti.
Jason Jessee — Sun God
Marca Santa Cruz
Pro model Jason Jessee
Designer Jim Phillips
Pro model di Jason Jessee per Santa Cruz disegnato da Jim Phillips alla fine degli anni 80: un sole con volto, dal tratto psichedelico e solare, opposto al bestiario di mostri verdi del marchio. Uno dei grafici più riconoscibili del catalogo Phillips.
Perché conta Dimostrò che il linguaggio Santa Cruz non era solo horror fumettistico: c'era posto anche per il psichedelico e il luminoso. Pezzo da collezione classico dell'era d'oro di Phillips.
Jason Jessee Neptune
Marca Santa Cruz
Pro model Jason Jessee
Designer Jim Phillips
Pro model di Jason Jessee in Santa Cruz lanciato nel 1988, illustrato da Jim Phillips. La composizione rappresenta il dio Nettuno con tridente su un mare in tempesta e serpenti marini, in una palette di ori, ocre, rossi e azzurri che si allontana dal tono saturo tipico del brand per entrare in territorio quasi da manifesto psichedelico. Il dettaglio del tratteggio è tra i più densi del catalogo Santa Cruz del decennio, allineato con l'immaginario mistico che Jessee coltivava dentro e fuori dalla tavola.
Perché conta Una delle assenze più citate in qualsiasi lista internazionale di grafiche storiche dello skate: molti collezionisti la collocano al di sopra persino del Sun God dello stesso Jessee. Segna il momento in cui Santa Cruz mescola horror comico con simbologia mistica, in buona parte grazie alla personalità del rider, e apre un registro distinto all'interno del linguaggio Phillips.
Jeff Grosso Toy Box
Marca Santa Cruz
Pro model Jeff Grosso
Designer Jim Phillips
Pro model di Jeff Grosso per Santa Cruz, illustrato da Jim Phillips alla fine degli anni '80. Il deck mostra una caja de juguetes traboccante di creature Phillips classiche — occhi sporgenti, denti, mani, palette saturate — in una composizione horror-comica. Grosso, figura chiave del vert degli anni '80 e voce critica dello skate per decenni, usava questo deck nelle sue parti più memorabili del periodo.
Perché conta Culturalmente molto importante, soprattutto per chi visse il vert di quell'epoca. Jeff Grosso fu inoltre uno dei grandi cronisti orali dello skate fino alla sua morte nel 2020 (video Love Letters to Skateboarding per Vans), il che rende i suoi pro model un pezzo imprescindibile per comprendere la memoria orale di questo sport.
Reaper
Marca Santa Cruz
Pro model Corey O'Brien
Designer Jim Phillips
La Morte che lancia fiamme. Uno dei grafici più imitati di Santa Cruz. O'Brien oggi è proprietario di un club rock a San José.
Perché conta Iconografia gothic-skate codificata in una sola immagine.
1981-1990 — Pushead, Hosoi, Sims e altre voci
Sebbene Powell-Peralta e Santa Cruz abbiano dominato buona parte dell’immaginario visivo degli anni Ottanta, il decennio fu molto più ricco e diversificato di quanto a volte ricordiamo.
Mentre VCJ disegnava draghi e Jim Phillips riempiva le tavole di mostri impossibili, altri brand iniziarono a sviluppare linguaggi propri che si collegavano a scene culturali diverse. Il punk, l’hardcore, l’heavy metal e la cultura underground iniziarono a lasciare un’impronta sempre più visibile nello skate.
Fu un’epoca in cui le grafiche smisero di sembrare semplici illustrazioni per diventare dichiarazioni di identità.
Alcuni brand volevano sembrare selvaggi.
Altri volevano sembrare pericolosi.
E alcuni volevano semplicemente essere diversi.
Poche persone rappresentano meglio quello spirito di Brian Schroeder, più noto come Pushead.
Artista, musicista, illustratore e figura di culto nella scena hardcore americana, Pushead portò nello skate un’estetica ispirata alle copertine di dischi, ai fanzine fotocopiati e ai film horror. Il suo lavoro per Zorlac aprì una via completamente diversa da quella che stavano esplorando Powell o Santa Cruz.
Se quei brand stavano costruendo universi visivi riconoscibili, Pushead sembrava interessato a creare incubi.
Ed era esattamente questo a rendere le sue grafiche così speciali.
Damaged Pirate / Skull Pirate
Marca Zorlac
Pro model Team / Jeff Phillips
Designer Pushead (Brian Schroeder)
Teschio-pirata putrefatto con cappello. Pushead lavorò con Zorlac per quasi un decennio (1981-1990). In parallelo realizzò artwork per i Metallica (t-shirt 'Damage Inc.', copertina St. Anger 2003).
Perché conta L'ala metal/horror dello skate anni '80. Estetica body horror che sopravvisse alla Satanic Panic.
Se Pushead rappresentava il lato più oscuro dello skate degli anni Ottanta, Christian Hosoi simboleggiava tutto il contrario. Carismatico, stravagante e completamente imprevedibile, fu uno dei rider che meglio capì che una tavola poteva essere anche un’estensione della personalità di chi la skateiava.
Hammerhead
Marca Hosoi Skates
Pro model Christian Hosoi
Designer Christian Hosoi (shape + gráfico)
Non è solo un grafico: è una shape inventata APPOSTA per un grafico. Nose allungato a testa di squalo martello, profilo unico, senza concave. Disegnata per i Christ Air e Rocket Air che Hosoi inventava. Nel 2016 è entrata allo Smithsonian.
Perché conta Quando la forma della tavola seguì l'arte e non il contrario. Segnò la disruption shape-driven dell'era anni '80.
La cosa più curiosa dell’Hammerhead è che non viene ricordato solo per la sua grafica. Viene ricordato anche per la sua forma. In un’epoca in cui la maggior parte delle tavole seguiva schemi relativamente simili, Hosoi decise di progettare una sagoma che sembrava arrivata da un altro pianeta. Il risultato fu una delle shape più riconoscibili di tutta la storia dello skate.
Mentre Hosoi rivoluzionava il design dalla figura del rider, Sims continuava a rappresentare una generazione precedente. La compagnia fondata da Tom Sims era una delle grandi pioniere dello skate moderno e aiutò a collegare gli anni Settanta con l’esplosione creativa degli Ottanta. Tra tutte le grafiche di quella fase, poche sono invecchiate altrettanto bene del Pirate di Kevin Staab.
Kevin Staab Pirate
Marca Sims
Pro model Kevin Staab
Designer Equipo de arte de Sims
Sims, il marchio di Tom Sims (pioniere anche dello snowboard), fu uno dei grandi dei 70-80. Il Pirate di Kevin Staab — teschio pirata da vert — rimase come uno dei grafici più riconoscibili del marchio alla fine degli anni 80.
Perché conta Sims è uno dei marchi fondativi dello skate; il Pirate è pezzo da collezione del vert degli anni Ottanta e ricordo di un'era in cui i grandi marchi non erano ancora skater-owned.
Alla fine degli anni Ottanta, l’arte nello skate non rispondeva più a un’unica formula.
C’era spazio per le composizioni araldiche di Powell, per i mostri fluorescenti di Santa Cruz, per l’horror punk di Pushead, per le sperimentazioni di Hosoi o per le proposte di brand storici come Sims.
La tavola era diventata definitivamente un supporto artistico.
E la cosa più interessante doveva ancora arrivare.
Perché mentre il vert dominava le copertine delle riviste e le grandi competizioni, una nuova generazione di skater stava iniziando a cambiare le regole del gioco dalle strade, dai cordoli e dai corrimano.
Con loro sarebbero arrivati nuovi brand, nuovi artisti e un modo completamente diverso di intendere il design di una tavola.
Gli anni Novanta stavano per cominciare.
1985-1991 — Vision, Gonzales, Lucero e la nascita del rider-artista
Verso la fine degli anni Ottanta iniziò a prodursi un cambiamento che andava ben oltre i trick o le competizioni.
Fino ad allora, la maggior parte delle grafiche nasceva dalla collaborazione tra un brand e un artista ingaggiato. Il rider poteva apportare idee, suggerire concetti o partecipare ad alcune decisioni, ma il risultato finale di solito rimaneva nelle mani di illustratori professionisti.
Questo iniziò a cambiare quando una nuova generazione di skater decise di intervenire direttamente nel processo creativo.
E nessuno simboleggia meglio questo cambiamento di Mark Gonzales.
L’influenza di Gonzales sullo skate si misura solitamente in trick, video o spot di strada, ma il suo impatto visivo è altrettanto importante. Fu uno dei primi professionisti che intese la tavola come uno spazio di espressione artistica personale e aiutò ad aprire la strada a decine di rider che sarebbero venuti dopo.
Quello che oggi ci sembra normale — che uno skater disegni, dipinga o progetti le proprie grafiche — era qualcosa di abbastanza insolito in quel momento.
Da qui in poi, la storia dell’arte nello skate smette di essere dominata esclusivamente da grandi illustratori e inizia a mescolarsi con le idee, le ossessioni e i disegni dei rider stessi. La transizione verso gli anni Novanta era già in corso.
Vision Skateboards fu uno dei brand dominanti dello street americano della fine degli anni ‘80. Il suo Psycho Stick (modello team) e il brand derivato Vision Street Wear contribuirono a portare il linguaggio skate fuori dall’ambito sportivo verso la moda urbana.
Psycho Stick (Vision, team)
Marca Vision
Pro model (grafico di team)
Designer Equipo de arte de Vision
Il Psycho Stick fu il grafico di team di Vision: una figura punk-cartoon che divenne una delle tavole più vendute degli anni 80. Non era un pro model — era LA tavola di Vision che aveva tutto il mondo.
Perché conta Caso precoce del grafico di marca che supera il pro model: la tavola che definisce un'intera azienda e si vende in modo massiccio, prima che World industrializzasse quell'idea.
Vision Street Wear
Marca Vision Street Wear
Pro model (marchio di abbigliamento e calzature)
Designer Vision (Brad Dorfman)
Intorno al 1986 Vision lanciò Vision Street Wear, il suo ramo di abbigliamento e scarpe. Il wordmark in blocco saltò dagli skateparks alla moda di strada degli anni 80 e si vide persino addosso a gente che non era mai salita su una tavola in vita sua.
Perché conta Uno dei primi casi di marchio skate trasformatosi in fenomeno di moda. Anticipò lo skate come industria lifestyle che decenni dopo avrebbero fatto esplodere Supreme e compagnia.
Gonz / Profile (1985)
Gonz / Profile (primo pro model di street)
Marca Vision
Pro model Mark Gonzales
Designer Mark Gonzales
A metà degli anni '80 Mark Gonzales pubblicò il suo pro model in Vision. Viene spesso citato come il primo pro model di street della storia: il riconoscimento che lo skater di strada — non solo quello da vert — poteva avere la propria tavola col suo nome.
Perché conta Segna il momento in cui l'industria accetta lo street come disciplina con le proprie stelle. Gonz, inoltre, avrebbe aperto la porta al deck disegnato dallo skater stesso.
Behind Bars (1986)
Behind Bars
Marca Schmitt Stix
Pro model John Lucero
Designer John Lucero
Primo grafico di Lucero per Schmitt Stix dopo aver lasciato Madrid. 'Vendette nel primo mese più di quanto Schmitt Stix avesse venduto nel suo primo anno intero'. Sarebbero arrivate dopo la mitica serie Jester.
Perché conta Lucero codificò lo stile rider-come-artista che Mark Gonzales praticava in parallelo. Avrebbe poi fondato Black Label.
Coffee Break (1987)
Coffee Break
Marca G&S (Gordon & Smith)
Pro model Neil Blender
Designer Neil Blender
Neil Blender non era solo uno skater: disegnava. Per il suo pro model di G&S saltò il bestiario di teschi e draghi e disegnò lui stesso un personaggio che si prende un caffè. Umorismo secco, tratto personale, zero epica.
Perché conta Uno dei primi grafici pro realizzati a mano dallo skater stesso. Aprì la porta al deck come opera d'autore: la linea che avrebbero seguito Gonz, e due decenni dopo Fucking Awesome, Polar o Magenta.
Gator (1986)
Gator
Marca Vision Sports
Pro model Mark 'Gator' Rogowski
Designer Greg Evans
Primo pro deck di Vision Sports per Mark "Gator" Rogowski. Nella seconda metà degli anni '80 fu una delle tavole più vendute del catalogo Vision e Rogowski una delle grandi stelle del vert. Tutto cambiò con la sua condanna per l'omicidio di Jessica Bergsten nel 1991 (sta scontando l'ergastolo con possibilità di libertà condizionale dopo 31 anni); Vision ritirò il modello dal catalogo dopo il processo nel 1992.
Perché conta Caso di studio sul legame tra un grafico e il collasso morale del rider. Vision ritirò tutto il prodotto Gator dopo la condanna nel 1992.
Natas Kaupas in SMA
SMA Panther
Marca Santa Monica Airlines (SMA)
Pro model Natas Kaupas
Designer Kevin Ancell
Primo pro model di Natas Kaupas per SMA (Santa Monica Airlines), lanciato nel 1985 quando Natas aveva 15 anni. Apparve in copertina su Thrasher nel settembre del 1984 con un wallride, il che contribuì a spingere il modello all'uscita. Il disegno originale è di Kevin Ancell; versioni successive furono reinterpretate da Buchinsky, Jim Phillips, Wes Humpston e Forbes. Nel 1986 SMA strinse accordi di produzione e distribuzione con Santa Cruz. La pantera vendette come poche tavole del decennio.
Perché conta Icona dello street primigenio. Natas e Gonzales avrebbero inventato l'handrail-skating appena un anno dopo (1986), e il pro model di Natas in SMA rimase associato a quel cambio di paradigma dal vert alla strada.
Quando finì il decennio, lo skate stava cambiando a una velocità difficile da immaginare solo pochi anni prima.
Le grandi rampe iniziavano a perdere protagonismo. La strada guadagnava terreno. I video sostituivano poco a poco le competizioni come principale motore culturale.
E una nuova generazione di brand stava per sfruttare quel cambiamento.
La più importante di tutte si chiamava World Industries.
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Vedi la classifica completa →- 1 Flaming Dagger 3
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1989-1993 — World Industries, Blind e la rivoluzione di Steve Rocco
Se Powell-Peralta aveva contribuito a professionalizzare lo skate e Santa Cruz aveva costruito alcune delle sue icone visive più riconoscibili, World Industries arrivò per far saltare in aria le regole.
Verso la fine degli anni Ottanta lo skate attraversava un momento complicato. L’industria si contraeva, molti parchi chiudevano e l’interesse generale sembrava molto lontano dai livelli raggiunti durante la prima metà del decennio. Mentre alcuni brand cercavano di resistere mantenendo i modelli tradizionali, Steve Rocco decise di fare esattamente l’opposto.
La sua proposta era più irriverente, più provocatoria e molto meno rispettosa delle regole non scritte dell’industria.
Rocco capì qualcosa che altri non vedevano ancora: la nuova generazione di skater non si identificava più con gli eroi del vert né con i discorsi corporate dei grandi brand. Il centro di gravità dello skate si stava spostando verso la strada e aveva bisogno di un linguaggio visivo diverso.
Per costruirlo riunì alcuni degli artisti più influenti degli anni Novanta, in particolare Marc McKee e Sean Cliver. Insieme svilupparono un’estetica carica di umorismo assurdo, satira, personaggi dei cartoni animati, riferimenti culturali e provocazioni che generavano tante critiche quante vendite.
Quello che per alcuni era cattivo gusto, per altri era esattamente ciò di cui lo skate aveva bisogno.
Pochi brand sono stati così divisivi. E pochi hanno lasciato un’impronta così profonda.
Buona parte dell’identità di World Industries fu costruita attraverso la provocazione. Steve Rocco trasformò le parodie, le campagne aggressive e gli attacchi diretti ai concorrenti come Powell-Peralta in uno strumento di marketing, generando alcune delle polemiche più ricordate della storia dello skate. Molte grafiche di World non erano semplici illustrazioni: erano armi all’interno di una guerra culturale tra generazioni dello skate.
Devilman / Flameboy / Wet Willy
Devilman / Flameboy / Wet Willy
Marca World Industries
Pro model (mascotte di marca)
Designer Marc McKee
Tre creature-mascotte. Devilman per primo, Flameboy come sidekick (idea di Rocco), Wet Willy a completare il trio (idea di JT: 'una goccia d'acqua ad accompagnare la fiamma'). Funzionarono come i Mickey di World — il meccanismo di merchandising che finanziò l'intero brand.
Perché conta Dimostrarono che le mascotte potevano sostenere un brand di skate commercialmente al livello di Disney.
Flameboy vs Wet Willy (fenomeno culturale)
Marca World Industries
Pro model (mascots)
Designer Marc McKee
Marc McKee creò Flameboy (la creatura rossa con la testa in fiamme) e Wet Willy (la goccia d'acqua antropomorfa) come mascotte di World Industries all'inizio degli anni '90. La rivalità tra i due, presentata come gag continuo su deck, abbigliamento, adesivi e pubblicità, finì per diventare uno dei fenomeni visivi più forti del skate del decennio. Apparvero anche nei videogiochi — in particolare nella serie Tony Hawk's Pro Skater — e in un merchandising massiccio dentro e fuori dalla nicchia.
Perché conta Per un'intera generazione di bambini degli anni '90, Flameboy vs Wet Willy furono letteralmente le mascotte dello skate. Il loro impatto sulla cultura visiva dello skate degli anni '90 è paragonabile a quello del Ripper di Powell per gli anni '80, anche se percorrendo la strada del fumetto anziché dell'araldica.
Napping Negro
Napping Negro
Marca World Industries
Pro model Jovontae Turner
Designer Marc McKee, sobre concepto de Jovontae Turner
TURNER (skater afroamericano) chiese a McKee 'old school black slavery stuff' come satira della nostalgia razzista bianca. Iconografia Jim Crow vintage. Fa parte di una serie con 'Jovontae at Night' e 'Runaway Slave'. McKee la descrive come satira dei bianchi nostalgici del passato.
Perché conta Caso di studio su chi controlla la narrativa razziale quando il concept viene dallo stesso skater nero. Il dibattito sulla grafica è ancora aperto tre decenni dopo, e il modello raggiunge quotazioni alte nel mercato del collezionismo skate classico.
Reaper Logo
Reaper logo
Marca Blind Skateboards
Pro model (logo di marca)
Designer Mark Gonzales (él mismo)
Quando Gonzales lasciò Vision nel 1989 per co-fondare Blind con Steve Rocco (il nome era una frecciata a Vision), disegnò lui stesso il logo del Reaper stilizzato. È ancora in uso oggi.
Perché conta Gonzales che codifica come il founder + rider possa essere ANCHE il designer. Template per tutto ciò che sarebbe venuto dopo.
Panther (101)
Panther (101)
Marca 101 Skateboards
Pro model Natas Kaupas
Designer Marc McKee
Reinterpretazione del SMA Panther del 1984, quando Natas lasciò SMA e co-fondò 101 sotto World. 101 fu il laboratorio dello street puro: Koston, Gino, Dill, Markovich vi sono passati tutti.
Perché conta Continuità dell'icona Natas nella nuova economia dello street.
Dodo
Dodo
Marca Blind Skateboards
Pro model Jason Lee
Designer Marc McKee
Originariamente concepito per Danny Way (mentre era in Blind) come frecciatina velata a Tony Hawk — l''uccellino' in via d'estinzione. Fu considerato troppo personale e, quando Danny saltò a Plan B, la grafica finì su Jason Lee.
Perché conta Aneddoto perfetto delle dinamiche inter-brand degli anni '90: grafiche che si riscrivono in base a chi si trova dove.
All’inizio degli anni Novanta, l’arte dello skate era cambiata completamente rispetto al decennio precedente.
Le grandi illustrazioni epiche continuavano a esistere, ma ora condividevano lo spazio con satire, personaggi assurdi, riferimenti culturali, humor nero e messaggi che cercavano di provocare una reazione immediata.
Era un’estetica più di strada, più caotica e, in molti casi, più vicina alla generazione che stava ridefinendo lo skate da piazze, cordoli e corrimano.
Tuttavia, la prossima rivoluzione non sarebbe venuta da un brand né da un artista specifico.
Sarebbe venuta da un’idea.
L’idea che lo skate potesse essere un progetto profondamente personale.
E nessuno incarnò meglio quella filosofia di Ed Templeton, Toy Machine e la generazione che finì per consolidare lo street moderno.
1988-1995 — H-Street, Plan B, Toy Machine, Real e Anti-Hero
Se World Industries rappresentò la rivoluzione culturale dei primi anni Novanta, H-Street e Plan B contribuirono a definire la rivoluzione tecnica.
Durante gli anni Ottanta, l’immagine più popolare dello skate era ancora quella del rider che volava su una rampa gigante o eseguiva trick impossibili in una piscina vuota. Ma nelle strade della California stava succedendo qualcosa di diverso.
I corrimano, i muretti, i gap e i cordoli iniziavano a diventare i nuovi terreni di gioco. Lo street skating smetteva di essere una disciplina secondaria per diventare il centro della conversazione.
Poche persone ebbero più influenza in quel cambiamento di Mike Ternasky. Prima da H-Street e poi da Plan B, Ternasky contribuì a riunire alcuni degli skater più innovativi dell’epoca e capì prima di quasi chiunque altro verso dove si dirigeva il futuro dello skate.
Anche le grafiche iniziarono a cambiare. Le tavole erano più strette, le forme evolvevano e le nuove generazioni cercavano un’estetica diversa da quella dei grandi eroi del vert.
Matt Hensley — Street Swinger
Matt Hensley — Street Swinger
Marca H-Street
Pro model Matt Hensley
Designer Equipo de arte de H-Street
H-Street (Tony Magnusson e Mike Ternasky, 1986) e il suo rider di punta Matt Hensley definirono lo street di fine anni 80 con i video Shackle Me Not (1988) e Hokus Pokus (1989). Lo Street Swinger di Hensley è il grafico-icona di quell'era: tavole più sottili e economiche, fatte per la strada.
Perché conta Il ponte dal vert allo street moderno. Ternasky avrebbe portato quel DNA in Plan B poco dopo. Le tavole H-Street dell'era Hensley sono il graal della transizione.
Mentre H-Street e Plan B spingevano i limiti tecnici dello street, altri skater iniziavano a usare i brand come progetti profondamente personali.
Nessuno rappresenta meglio quell’idea di Ed Templeton.
Sect / Transistor Sect
Sect / Transistor Sect
Marca Toy Machine
Pro model (logo di marca + team models)
Designer Ed Templeton
L'occhio unico, mostro astratto. Templeton fondò Toy Machine nel 1993 (non 1994) con il supporto di Tod Swank/Tum Yeto. Disegna TUTTE le grafiche da solo, ispirato da Mark Gonzales in Vision/Blind.
Perché conta Templeton ha stabilito il modello del brand come progetto artistico personale. Oggi è un artista contemporaneo esposto in galleria.
Toy Machine Monster
Toy Machine Monster
Marca Toy Machine
Designer Ed Templeton
Il Monster compare nel catalogo Toy Machine a metà degli anni 90, disegnato da Ed Templeton. La creatura — un ciclope rosso con un unico occhio enorme, denti storti e corpo da pupazzo rotto — divenne mascotte informale del brand e compare da allora su tavole, abbigliamento, adesivi e video. Templeton lo disegnò con il tratto deliberatamente naïf che avrebbe finito per definire il linguaggio visivo completo di Toy Machine.
Perché conta Probabilmente la grafica più riconoscibile di Toy Machine, al di sopra persino del Sect logo. L'iconografia del ciclope ha segnato l'estetica dello street europeo e americano della fine degli anni 90 e ha influenzato brand successivi che hanno adottato mascotte non-umane come veicolo di identità.
Sebbene il Monster sia diventato la mascotte più riconoscibile di Toy Machine, l’universo visivo di Ed Templeton era pieno di personaggi ricorrenti che comparivano costantemente su tavole, magliette, adesivi e video. Tra tutti loro, pochi raggiunsero la popolarità del Devil Cat.
Toy Machine Devil Cat
Toy Machine Devil Cat
Marca Toy Machine
Pro model (team series)
Designer Ed Templeton
Il Devil Cat è apparso alla fine degli anni novanta come una delle tante creature create da Ed Templeton per ampliare l'universo visivo di Toy Machine. Con le sue corna, il sorriso storto e l'aspetto deliberatamente infantile, il personaggio condensava perfettamente lo stile grafico di Templeton: disegni apparentemente semplici, eseguiti con un tratto spontaneo e carichi di personalità. A differenza dei mostri aggressivi che dominavano gran parte dello skate dell'epoca, il Devil Cat trasmetteva uno strano mix di umorismo, stranezza e simpatia che finì per connettersi con diverse generazioni di skater. Col passare degli anni è diventato uno dei personaggi più utilizzati dal marchio e continua ad apparire regolarmente su board, abbigliamento e collaborazioni speciali.
Perché conta È una delle mascotte più riconoscibili dello skate moderno e una delle migliori rappresentazioni del linguaggio visivo unico creato da Ed Templeton per Toy Machine.
Mentre Ed Templeton sviluppava in Toy Machine un universo popolato da mostri, creature impossibili e disegni deliberatamente infantili, un altro skater stava esplorando un territorio visivo completamente diverso. Jeremy Klein trovò ispirazione in una fonte che praticamente nessuno all’interno dell’industria skate stava osservando in quel momento: il manga e l’animazione giapponese. Quella che iniziò come un’ossessione personale finì per diventare una delle identità visive più riconoscibili e controverse della fine degli anni Novanta.
Hook-Ups Anime Girl
Hook-Ups Anime Girl
Marca Hook-Ups
Pro model (team series)
Designer Jeremy Klein
Dopo aver lasciato World Industries, Jeremy Klein ha fondato Hook-Ups nel 1994 e ha iniziato a costruire un'identità visiva completamente diversa da qualsiasi altra marca di skate dell'epoca. Affascinato dal manga, dall'anime, dalla fantascienza giapponese e dalla cultura otaku molto prima che questi fenomeni si diffondessero in Occidente, ha riempito le sue tavole di personaggi femminili ispirati all'animazione giapponese, robot, alieni e riferimenti costanti alla cultura pop asiatica. Le cosiddette Anime Girls sono diventate rapidamente l'immagine più riconoscibile di Hook-Ups. Per alcuni erano provocatorie. Per altri, semplicemente diverse. Il fatto è che per anni nessuno nel mondo dello skate assomigliava a Jeremy Klein.
Perché conta Ha introdotto l'estetica anime nello skate occidentale decenni prima che diventasse mainstream. La sua influenza è ancora visibile in marche, illustratori e designer che mescolano cultura giapponese, streetwear e skateboarding.
Man mano che Hook-Ups cresceva, Jeremy Klein ampliò il suo immaginario ben oltre le prime protagoniste manga.
Hook-Ups Nurse Series
Hook-Ups Nurse Series
Marca Hook-Ups
Pro model (team series)
Designer Jeremy Klein
Le Nurse Series rappresentano una delle fasi più ricordate di Hook-Ups. Infermiere futuristiche, androidi, riferimenti all'anime di fantascienza e un'estetica ispirata ai manga cyberpunk hanno finito per consolidare definitivamente l'identità visiva della marca. Le tavole sono diventate veri e propri oggetti di culto nel collezionismo skate della fine degli anni novanta.
Perché conta È una delle series più riconoscibili di Jeremy Klein e ha consolidato definitivamente il legame tra cultura anime e skateboarding.
All’inizio degli anni Novanta iniziarono a comparire anche compagnie che rappresentavano una visione più indipendente e meno spettacolare dello skate. San Francisco divenne uno dei grandi centri creativi di quella nuova corrente.
Una delle prime voci di quella corrente fu John Lucero, che dopo aver lasciato Schmitt Stix fondò Black Label verso il 1989 e iniziò a sviluppare il proprio universo visivo.
Black Label Jester
Black Label Jester
Marca Black Label Skateboards
Pro model (brand logo)
Designer John Lucero
Fondata da John Lucero dopo aver lasciato Schmitt Stix, Black Label è nata come dichiarazione di indipendenza creativa. Il suo personaggio più noto è stato il Jester, un buffone dall'aspetto inquietante che condensava perfettamente la filosofia della marca: irriverenza, cultura punk, attitudine DIY e rifiuto totale delle tendenze dominanti. Per decenni il Jester è apparso in innumerevoli versioni, diventando una delle immagini più riconoscibili dello skate indipendente americano.
Perché conta È uno dei personaggi più longevi di tutta la storia dello skate e uno dei simboli più chiari del movimento DIY che ha contribuito a definire gli anni novanta.
Se il Jester rappresentava il lato più irriverente e provocatorio di Black Label, la prossima immagine divenne qualcosa di molto più simile a un manifesto. Una semplice stampella finì per trasformarsi in uno dei simboli più riconoscibili dello skate indipendente americano.
Black Label Crutch
Black Label Crutch
Marca Black Label Skateboards
Pro model (logo di marca)
Designer John Lucero
La Crutch — la caratteristica stampella rossa di Black Label — è apparsa nei primi anni del marchio diventando rapidamente uno dei suoi simboli più riconoscibili. Il suo design minimalista contrastava con i personaggi e le illustrazioni complesse che dominavano gran parte dello skate dell'epoca, ma fu proprio quella semplicità una delle sue maggiori forze. Col tempo la stampella ha acquisito un significato quasi simbolico all'interno della comunità skate. Infortuni, cadute, cicatrici e la determinazione di continuare a skate nonostante tutto si sono condensati in un'unica immagine. Decenni dopo, rimane uno degli elementi visivi più associati al marchio fondato da John Lucero.
Perché conta È uno dei simboli più originali di tutta la storia dello skate e una rappresentazione perfetta della filosofia DIY, resistente e indipendente che ha caratterizzato Black Label fin dalle sue origini.
Hanging Klansman
Hanging Klansman
Marca Real / Deluxe
Pro model Jim Thiebaud
Designer Jim Thiebaud (concepto) + Natas Kaupas (dibujo a línea)
Primo pro model di Jim Thiebaud in Real Skateboards (marchio che cofondò con Tommy Guerrero in Deluxe intorno al 1990). Il concept era di Thiebaud: una figura incappucciata del Ku Klux Klan appesa a una corda, legata alla rinascita delle marce del KKK all'inizio degli anni 90 negli Stati Uniti. Il disegno a linea finale lo realizzò Natas Kaupas come regalo a Thiebaud. Senza precedenti su una tavola per la sua carica politica diretta.
Perché conta Uno dei grafici politici più importanti della storia dello skate. Dimostrò che la tavola poteva essere un manifesto antirazzista — non solo provocazione commerciale — ed è stato ristampato da allora. Fa parte della collezione permanente dello Smithsonian National Museum of American History.
Anti-Hero Pigeon
Anti-Hero Pigeon
Marca Anti-Hero Skateboards
Designer Todd Francis
Prima dell'Eagle, Todd Francis disegnò il piccione urbano come motivo ricorrente per Anti-Hero nei primi anni del brand (fondato nel 1995 all'interno del gruppo Deluxe a San Francisco). Il piccione — topo con le ali, animale di strada per eccellenza — si adattava perfettamente alla postura anti-glamour di Anti-Hero e divenne immagine complementare all'Eagle dal 1996 in avanti.
Perché conta Per capire il linguaggio visivo di Todd Francis bisogna passare dalla Pigeon prima che dall'Eagle. Il piccione ha stabilito il tono editoriale del brand — acido, urbano, anti-corporativo — mantenuto in tutto ciò che è venuto dopo e che è cifra distintiva di Anti-Hero fino ad oggi.
Anti-Hero Eagle
Anti-Hero Eagle
Marca Anti-Hero
Pro model (logo di marca)
Designer Todd Francis
Francis entrò in Deluxe nel 1996. Il suo primo lavoro: una colomba 'su cui la vita ha rovesciato un secchio d'olio'. Poi disegnò l'aquila feroce, che sostituì la colomba e divenne il logo principale. Estetica da vignetta politica americana, anti-corporativa.
Perché conta Anti-patriottismo patriottico: usa l'aquila americana ma la rende aggressiva, controculturale. Simbolo di Deluxe SF e dell'anima punk dello skate. Complex l'ha inserita nei 50 Greatest Skate Logos.
A metà degli anni Novanta lo street era ormai il linguaggio dominante dello skate.
Le grandi rampe continuavano a esistere, ma la cultura si stava costruendo nelle strade, nei video e nei nuovi brand che apparivano continuamente. Anche le grafiche stavano cambiando. Le illustrazioni epiche degli anni Ottanta convivevano ora con proposte molto più minimaliste, personali e concettuali.
La prossima grande trasformazione sarebbe arrivata da Girl, Chocolate e Crailtap, brand che avrebbero dimostrato che una tavola non aveva bisogno di mostri, teschi o provocazioni per diventare un’icona.
1993-2000 — Girl, Chocolate e la nascita dello skate moderno
A metà degli anni Novanta lo skate era cambiato completamente.
L’estetica esagerata degli anni Ottanta conviveva con la provocazione di World Industries, ma stava emergendo una terza via. Più pulita. Più grafica. Più vicina al design contemporaneo che ai mostri, ai teschi o ai cartoni animati.
Gran parte di quella trasformazione nacque attorno a un piccolo brand fondato da Rick Howard e Mike Carroll nel 1993. Si chiamava Girl. E la sua influenza sarebbe risultata enorme.
A differenza di molte compagnie precedenti, Girl non cercò di costruire un universo visivo basato su creature, personaggi o narrative complesse. La sua scommessa fu molto più semplice: creare un’identità grafica chiara, coerente e riconoscibile.
Per riuscirci si affidò ad Andy Jenkins, una delle figure più importanti della storia visiva dello skate e probabilmente uno dei designer più influenti degli ultimi trent’anni.
Quello che accadde dopo cambiò per sempre l’estetica dello skateboarding.
Girl Logo (Skater Silhouette)
Girl logo (skater silhouette)
Marca Girl Skateboards
Pro model (logo di marca)
Designer Andy Jenkins
Silhouette in stile segnaletica da bagno femminile. Rick Howard e Mike Carroll fondarono Girl Skateboards nell'agosto del 1993, dopo aver lasciato Plan B per le pressioni che l'industria stava esercitando sulle carriere professionali dei rider. Il nome venne fuori da una battuta: qualcuno disse che Howard "skates like a girl" e se ne appropriarono. (Mike Ternasky, mentore di Carroll e Howard in Plan B, morì il 17 maggio 1994, quasi un anno dopo la fondazione di Girl.)
Perché conta Risposta pulita/pop al barocchismo provocatorio di World. Estetica svizzero-minimalista nello skate. Andy Jenkins fondò Art Dump, il collettivo creativo del distributore Crailtap.
Girl OG Series
Girl OG Series
Marca Girl Skateboards
Pro model (team series)
Designer Andy Jenkins
Prime serie di deck di Girl Skateboards lanciate dopo la fondazione del marchio nel 1993 da parte di Rick Howard e Mike Carroll. La direzione artistica di Andy Jenkins — in precedenza art director di BMX Action — puntò fin dall'inizio sulla semplicità, l'equilibrio compositivo e il design tipografico, in contrasto deliberato con la saturazione grafica dominante in buona parte del catalogo skate degli anni '90. I primi deck presentavano la silhouette femminile pittogramma come elemento centrale e composizioni pulite, quasi da poster commerciale.
Perché conta Segnarono l'inizio di un nuovo modo di intendere il design grafico all'interno dello skateboarding. L'estetica Girl — minimalismo, tipografia chiara, riferimento al design contemporaneo e al linguaggio urbano — influenzò direttamente buona parte del catalogo skate successivo al 1995 e rimane il segno distintivo di tutta l'operazione Crailtap (Girl, Chocolate, Lakai, Royal, Fourstar).
Girl Mouse Series
Girl Mouse Series
Marca Girl Skateboards
Pro model (team series)
Designer Andy Jenkins / Eric McKinley
Serie di deck di Girl con un topo antropomorfo come personaggio ricorrente, lanciata a metà degli anni '90. Rispetto al minimalismo del logo silhouette, la Mouse Series dimostrò che il marchio poteva sviluppare personaggi propri senza perdere identità. Il tono giocoso del topo — con varianti che giocavano con pose, abbigliamento o scenari quotidiani — si adattava perfettamente allo spirito Girl e ampliò il linguaggio visivo del marchio oltre il pittogramma femminile.
Perché conta Una delle serie più ricordate di Girl negli anni '90. Dimostra come il marchio sia stato capace di evolversi visivamente senza perdere coerenza estetica, e apre la linea dei "personaggi Crailtap" che avrebbe continuato ad apparire nei cataloghi successivi.
Chocolate Big Chunk
Chocolate (logo Big Chunk)
Marca Chocolate
Pro model (logo di marca)
Designer Andy Jenkins
Chocolate fu creata nel 1994 come marchio gemello di Girl (fondata nel 1993 da Rick Howard, Mike Carroll e Spike Jonze). Andy Jenkins, ex direttore artistico di BMX Action, arrivò nella famiglia Crailtap per definire il linguaggio visivo dei due marchi. Il logotipo di Chocolate — tipografia e motivo a goccia — risponde a quella linea più adulta e minimalista rispetto ai cartoon aggressivi dominanti nella prima metà degli anni 90.
Perché conta Marchio chiave dell'asse Crailtap insieme a Girl. Andy Jenkins ha modellato l'estetica visiva dello skate più sobrio degli anni 90 e 2000.
Chocolate City Series
Chocolate City Series
Marca Chocolate Skateboards
Pro model (team series)
Designer Andy Jenkins / Equipo Crailtap
Alla fine degli anni '90, Chocolate iniziò a esplorare una direzione visiva sempre più legata alla cultura urbana, alla fotografia e alla narrativa di città. La City Series trasformò i deck in piccole cartoline della vita urbana — architettura, vetrine, angoli di strada, ritratti di strada — e rafforzava il legame tra il marchio e lo street skating che stava definendo l'epoca. Ogni artista dello staff visivo apportò composizioni diverse all'interno dello stesso linguaggio.
Perché conta Uno dei migliori esempi della maturità grafica di Chocolate. Contribuì a consolidare l'identità propria del marchio all'interno dell'universo Crailtap, distaccandolo dal minimalismo più commerciale di Girl e connettendolo al linguaggio editoriale-fotografico dello street skating di fine anni '90.
Mentre Girl e Chocolate ridefinivano il design grafico dello street skating, Tony Hawk continuava a scrivere alcuni dei capitoli più importanti della storia dello sport.
Birdhouse Falcon 2
Birdhouse Falcon 2 (900 board)
Marca Birdhouse
Pro model Tony Hawk
Designer Birdhouse in-house
La Birdhouse Falcon 2 che Tony Hawk usò per inchiodare il primo 900 documentato della storia, agli X Games del 1999. Fu battuta all'asta da Julien's Auctions nel settembre 2025 per 1.152.000$, doppiando la stima precedente e battendo il record assoluto per un deck da skate. Parte del ricavato fu destinato a The Skatepark Project (fondazione di Hawk).
Perché conta L'oggetto più costoso legato allo skate. Combina dato storico (il 900), provenance (Hawk) e momento televisivo di massa. Ha confermato che un deck da skate può operare pienamente nel mercato del collezionismo di alto livello.
Sebbene il Falcon sia rimasto associato al momento più famoso della carriera di Tony Hawk, l’immagine che finì per definire l’identità visiva di Birdhouse fu tutt’altra.
Tony Hawk Skeleton Bird
Tony Hawk Skeleton Bird
Marca Birdhouse Skateboards
Pro model Tony Hawk
Designer Birdhouse Skateboards
Dopo aver lasciato Powell-Peralta e fondato Birdhouse insieme a Per Welinder, Tony Hawk ha avviato una nuova fase sia sportiva che visiva. Pur lasciandosi alle spalle gran parte dell'universo grafico creato da VCJ durante gli anni ottanta, alcuni degli elementi che avevano accompagnato la sua carriera sono rimasti intatti: i rapaci, le ali e l'idea di elevarsi oltre i limiti conosciuti. Lo Skeleton Bird è diventato una delle rappresentazioni più iconiche di quella transizione. Il graphic mostra lo scheletro di un uccello da preda con enormi ali spiegate formate da affilate piume ossee, un'immagine che trasmette velocità, aggressività e libertà allo stesso tempo. Il design si ricollega direttamente alla tradizione visiva di Hawk, costruita nel corso di oltre un decennio attorno a falchi, artigli e creature alate. Durante gli anni novanta e i primi anni 2000, lo Skeleton Bird è apparso in diverse versioni e riedizioni, consolidandosi come una delle immagini più riconoscibili associate a Tony Hawk al di fuori dell'era Powell-Peralta. Per molti skater rappresenta il ponte perfetto tra l'estetica classica della Bones Brigade e la nascita dello skate moderno.
Perché conta È uno dei graphic più rappresentativi della fase Birdhouse di Tony Hawk e una delle migliori evoluzioni visive dell'iconografia che aveva accompagnato lo skater fin dai suoi primi pro model in Powell-Peralta. La sua silhouette è immediatamente riconoscibile e fa parte dell'immaginario grafico di una delle figure più importanti di tutta la storia dello skateboarding.
Alla fine degli anni Novanta lo skate era irriconoscibile rispetto a quello di un decennio prima.
La strada dominava la conversazione. I video erano diventati il principale motore culturale. E i brand iniziavano a capire che potevano costruire identità visive solide senza dover necessariamente ricorrere ai codici ereditati dagli anni Ottanta.
Ma la prossima trasformazione sarebbe stata ancora più profonda.
Perché a partire dagli anni 2000 la tavola avrebbe smesso di essere solo uno strumento per skateare. Avrebbe iniziato a diventare anche oggetto da collezione, pezzo di design e prodotto culturale capace di trascendere completamente lo skateboarding stesso.
2000-2010 — Alien Workshop, Supreme, Baker, Enjoi, Zero, Creature, Foundation, Flip e l’espansione culturale dello skate
Alla fine degli anni Novanta lo skate aveva trovato una stabilità che sembrava impensabile solo pochi anni prima.
Le grandi crisi degli anni Ottanta erano rimaste alle spalle, lo street dominava l’industria e una nuova generazione di brand iniziava a costruire identità visive molto diverse tra loro.
Non esisteva più un unico modo di disegnare una tavola.
Alcune compagnie puntavano sull’arte concettuale. Altre sull’umorismo. Altre sulla provocazione. E alcune capirono che la grafica poteva diventare molto più di una semplice immagine associata allo skate. Poteva trasformarsi in un oggetto culturale.
Pochi brand rappresentano meglio questa diversità di Alien Workshop, Supreme, Baker, Enjoi, Zero, Creature, Foundation e Flip.
Alien Workshop Alien Logo
Alien Workshop (logo)
Marca Alien Workshop
Pro model (logo di marca)
Designer Mike Hill
Alien Workshop fu fondata a Dayton (Ohio) nel 1990 da Chris Carter, Mike Hill e Neil Blender, con l'idea che il marchio fosse guidato da artisti e non da manager. Il logo — testa aliena di profilo — lo disegnò Mike Hill e rimase come segno d'identità del marchio fino alla sua chiusura nel 2014, quando DC Shoes interruppe l'operazione.
Perché conta Riferimento dello skate underground degli anni 90 e 2000, con enfasi sul direttore artistico come figura centrale del progetto.
Alien Workshop Abduction Series
Alien Workshop Abduction Series
Marca Alien Workshop
Pro model (series)
Designer Mike Hill
Serie di pro model concettuali che Alien Workshop produsse alla fine degli anni '90 con motivi di UFO, scansioni mediche, geometrie esoteriche e figure umane disposte come soggetti di abduzione. Mike Hill dirigeva la linea da Dayton (Ohio), lavorando con un vocabolario sci-fi, paranoia concettuale e simbologia New Age. La serie è stata ristampata frequentemente da allora.
Perché conta Probabilmente la serie più ricordata di Alien Workshop. Definì il DNA "arty + paranoia concettuale" che avrebbe distinto il marchio per tutta la sua esistenza (1990-2014) e che sarebbe poi continuato in Quasi Skateboards sotto Chad Bowers.
Ma se esiste un’immagine capace di riassumere tutta la filosofia di Alien Workshop in un unico simbolo, probabilmente è il Visitor.
Alien Workshop Visitor
Alien Workshop Visitor
Marca Alien Workshop
Pro model (team series)
Designer Mike Hill
Il Visitor è apparso come un'evoluzione naturale dell'iconografia extraterrestre che Alien Workshop stava sviluppando dai primi anni novanta. La figura umanoide dalla testa grande e i tratti semplificati è diventata il personaggio più associato alla marca ed è apparsa ripetutamente su tavole, abbigliamento, adesivi e materiale promozionale per più di due decenni. Il suo design minimalista contrastava con la complessità di molte grafiche dell'epoca e ha contribuito a consolidare l'identità visiva unica di Alien Workshop.
Perché conta Probabilmente il personaggio più riconoscibile dello skate alternativo tra la fine degli anni novanta e i primi anni 2000.
Supreme Box Logo Deck
Supreme Box Logo
Marca Supreme
Pro model (logo di marca)
Designer James Jebbia (adaptado de Barbara Kruger)
Box rossa con Futura Heavy Oblique in bianco. Ispirato direttamente all'opera di Barbara Kruger. Supreme aprì in Lafayette Street, Manhattan, nell'aprile del 1994 con un layout pensato per entrarci pattinando. Prima collab con un artista: Rammellzee (1994). VF comprò Supreme nel 2020 per 2.100M$, EssilorLuxottica riacquistò nel 2024 per 1.500M$.
Perché conta Ha trasformato il deck in oggetto d'asta. Set KAWS x Supreme sono stati battuti per 55.700$. Cambio di paradigma: skate → streetwear di lusso.
Baker Logo Deck
Baker Logo Deck
Marca Baker Skateboards
Pro model (logo di marca)
Designer Andrew Reynolds y equipo Baker
All'inizio degli anni 2000, mentre molte compagnie continuavano a puntare su illustrazioni complesse, Baker trovò gran parte della propria identità visiva in qualcosa di molto più semplice: il proprio nome. Le tavole con l'enorme wordmark BAKER divennero un simbolo di un'intera generazione di street skater e contribuirono a consolidare il brand fondato da Andrew Reynolds nel 2000 come una delle compagnie più influenti della sua epoca.
Perché conta Trasformò un semplice logo in uno dei simboli più riconoscibili dello skate degli anni 2000. Catturò perfettamente lo spirito dello street skating di inizio decennio — punk, diretto, senza fronzoli — e aprì la strada all'intera generazione di brand skater-owned che sarebbero venuti dopo (Deathwish, Shake Junt e compagnia).
Creature Logo
Creature Logo
Marca Creature Skateboards
Pro model (brand logo)
Designer Equipo Creature / NHS
Il logotipo Creature —tipografia gotica densa con la parola CREATURE in maiuscolo, normalmente accompagnata dal simbolo della croce rovesciata o dal pentacolo— è ispirato direttamente all'iconografia dell'heavy metal, dell'horror classico e della cultura underground. Ha accompagnato diverse generazioni di rider dai primi anni 2000 fino ad oggi e rimane uno dei loghi più riconoscibili del catalogo NHS.
Perché conta Una delle identità visive più solide e coerenti dello skate moderno. Poche marche hanno mantenuto un linguaggio grafico così consistente per così tanto tempo senza perdere rilevanza culturale.
Element Tree
Element Tree / Triple Eight
Marca Element
Pro model (logo di marca)
Designer Johnny Schillereff
Tre cerchi a formare un triangolo (i quattro elementi: terra, fuoco, acqua, aria) + albero con radici. Estetica eco-naturalista. Element è stata probabilmente il brand commercialmente più di successo dell'era moderna, fino al suo fallimento all'interno del gruppo Liberated Brands nel febbraio 2025.
Perché conta Primo grande brand skate con iconografia ambientalista. Incarna l'ala 'corporate' dello skate anni 2000 — rifinito, mainstream, accessibile.
Element Section
Element Section
Marca Element Skateboards
Pro model (brand logo)
Designer Equipo Element
Il Section Logo ha semplificato l'identità di Element in quattro elementi geometrici: albero, acqua, fuoco e vento. Il suo design pulito e facilmente riproducibile ha contribuito a spingere l'espansione internazionale della marca durante gli anni 2000.
Perché conta Rappresenta la transizione dello skate verso identità visive sempre più vicine al branding contemporaneo.
Flip HKD Logo
Flip HKD Logo
Marca Flip Skateboards
Pro model (brand logo)
Designer Equipo Flip
Flip Skateboards si è rilanciata nel 1994 negli Stati Uniti dopo le origini della marca nel Regno Unito (Deathbox, fondata da Jeremy Fox e Ian Deacon). Il logotipo HKD —tipografia pulita con la sigla integrata nel wordmark Flip— si è consolidato durante gli anni novanta e i primi anni 2000 come immagine ufficiale della marca. L'epoca d'oro di Flip coincide con un team leggendario: Geoff Rowley, Tom Penny, Arto Saari, Rune Glifberg, Ali Boulala, Bastien Salabanzi, e i video Sorry (2002) e Really Sorry (2003), riferimenti assoluti dello street skating dell'epoca.
Perché conta Una delle marche più influenti della transizione tra gli anni novanta e i 2000. Il logo HKD ha accompagnato una delle generazioni più memorabili dello street skating europeo-americano e rimane immediatamente riconoscibile per qualsiasi skater che ha vissuto quell'epoca.
Enjoi Panda
Enjoi (panda)
Marca Enjoi Skateboards
Pro model (logo di marca)
Designer Marc Johnson / equipo Enjoi
Enjoi è stata fondata nel 2000 all'interno del distributore Dwindle, con Rodney Mullen, Marc Johnson e Louie Barletta tra le facce visibili del progetto. La mascotte del brand — un panda dall'espressione goffa — accompagnava il tono umoristico che differenziava Enjoi dal resto dello street tecnico degli anni 2000.
Perché conta Uno dei logo più riconoscibili dello skate degli anni 2000, associato a un brand con una volontà comica esplicita.
Zero Single Skull
Zero Single Skull
Marca Zero Skateboards
Pro model (logo del marchio)
Designer Jamie Thomas
Jamie Thomas fondò Zero Skateboards nel 1996 dopo la sua uscita da Toy Machine. La Single Skull, disegnata dallo stesso Thomas, divenne l'emblema centrale del marchio a partire dalla fine degli anni '90 e dominò l'identità visiva di Zero per tutta la prima metà degli anni 2000. Il suo successo non si spiega solo con il design, ma con tutto ciò che il marchio rappresentava in quel momento: street skating portato al limite, part video di hammers (Misled Youth, 1999; Dying to Live, 2002) e un'estetica hardcore direttamente connessa alla scena punk californiana.
Perché conta Uno degli iconici visivi più riconoscibili di un'intera generazione di skater. La skull Zero apparve su deck, t-shirt, sticker, zaini e quasi ogni superficie immaginabile durante i primi anni 2000, su una scala paragonabile al Panda di Enjoi o al logo di Baker nello stesso periodo.
Zero Three Skulls
Zero Three Skulls
Marca Zero Skateboards
Pro model (logo del marchio)
Designer Jamie Thomas
Variante della skull Zero con l'immagine triplicata in composizione orizzontale, lanciata all'inizio degli anni 2000. La ripetizione creava un'immagine ancora più aggressiva e riconoscibile rispetto alla Single Skull originale, e divenne una delle versioni più popolari di tutta la storia del marchio. Viene ristampata frequentemente e appare tuttora in buona parte del merchandising attuale di Zero.
Perché conta Rappresenta il momento di massima influenza culturale di Zero all'interno dello street skating. Per molti skater cresciuti durante gli anni 2000, questa immagine è identificabile quanto qualsiasi altro logo della generazione Baker / Deathwish / Toy Machine.
Mentre Zero rappresentava il lato più aggressivo e hardcore dello street skating degli anni 2000, altri brand stavano esplorando direzioni molto più surrealiste. Nessun artista simboleggia meglio quella ricerca di Don Pendleton.
Foundation Moon & Star
Foundation Moon & Star
Marca Foundation Skateboards
Pro model (logo di marca)
Designer Foundation Skateboards
La combinazione di una luna crescente e una stella è diventata una delle immagini più riconoscibili di Foundation durante gli anni novanta e i primi anni 2000. Il suo design semplice contrastava con le illustrazioni complesse che dominavano gran parte del mercato e ha contribuito a costruire un'identità visiva immediatamente riconoscibile per diverse generazioni di skater. È apparsa su board, t-shirt, adesivi e materiale promozionale, accompagnando la crescita di uno dei marchi più influenti dello street skating moderno. Col tempo, Moon & Star ha finito per funzionare come un simbolo di appartenenza per un'intera comunità di rider legati all'universo Foundation.
Perché conta È una delle immagini più riconoscibili di Foundation e uno dei simboli più duraturi dello street skating di fine anni novanta e inizio anni 2000. La sua semplicità dimostra che un graphic non ha bisogno di essere complesso per diventare un'icona.
Man mano che avanzava il decennio degli anni 2000, i confini tra skate, design, moda e arte iniziavano a sfumarsi.
Le grafiche non vivevano più solo negli skate shop. Comparivano nelle gallerie. Nei musei. Nelle collezioni private. E nelle collaborazioni con artisti di tutto il mondo.
La prossima tappa di questa storia sarebbe stata caratterizzata proprio da quella mescolanza tra skate e arte contemporanea.
E pochi nomi risultano così importanti per comprenderla come Mark Gonzales, Krooked e la generazione che trasformò il disegno spontaneo in una forma di identità visiva.
2000-2025 — Krooked, DGK, Deathwish e l’era dell’identità visiva
Man mano che avanzavano gli anni 2000, lo skate non era più esclusivamente una sottocultura.
Continuava a essere una comunità relativamente piccola rispetto ad altri sport, ma la sua influenza sulla moda, sul design grafico, sulla fotografia e sulla cultura urbana era sempre maggiore.
Anche i brand stavano cambiando. Alcuni puntavano su un’identità visiva molto curata e coerente. Altri preferivano costruire universi grafici completi. E altri semplicemente riflettevano la personalità dei loro fondatori.
Poche compagnie rappresentano meglio quest’ultima idea di Krooked.
Fondata da Mark Gonzales nel 2002, il brand recuperò qualcosa che si era andato perdendo con il passare degli anni: il disegno spontaneo, imperfetto e profondamente personale.
Non sembrava progettato da un ufficio marketing. Sembrava disegnato da Gonz. Ed era esattamente lì che stava il bello.
Mentre alcuni brand puntavano sul minimalismo, altri costruivano identità visive profondamente connesse alla realtà dei quartieri in cui erano nati. Pochi rappresentano meglio quell’idea di DGK.
DGK Money Series
DGK Money Series
Marca DGK
Pro model (team series)
Designer Equipo DGK
DGK —Dirty Ghetto Kids— è stata fondata da Stevie Williams a Filadelfia con l'obiettivo di rappresentare una realtà che quasi non appariva riflessa nello skate commerciale dell'epoca. Le Money Series hanno utilizzato banconote, simboli di ricchezza e riferimenti diretti all'ascesa sociale come elemento visivo centrale. La serie è diventata rapidamente una delle immagini più riconoscibili del catalogo DGK e ha contribuito a consolidare l'identità di una delle marche più influenti dello street skating moderno.
Perché conta Ha ampliato la rappresentazione culturale all'interno dello skate e ha costruito un'identità visiva inseparabile dalla storia personale di Stevie Williams e dalla cultura urbana della Costa Est.
Krooked Eyes
Krooked Eyes
Marca Krooked Skateboards
Pro model (motivo ricorrente)
Designer Mark Gonzales
Due occhi asimmetrici, tra il birichino e il malinconico. Compaiono su felpe, cappellini, deck. Incarnano l'umorismo goofy/assurdo di Krooked.
Perché conta Secondo icona Krooked. Modello di come un brand possa avere un'identità senza un logo unico formale.
Deathwish Gang Logo
Deathwish Gang Logo
Marca Deathwish Skateboards
Pro model (logo del marchio)
Designer Equipo Deathwish
Deathwish Skateboards fu fondata nel 2008 come marchio gemello di Baker, con Erik Ellington, Jim Greco e Andrew Reynolds al centro del progetto. Il Gang Logo — tipografia gotica con la parola DEATHWISH e due mani che formano il "gang sign" caratteristico del marchio — divenne rapidamente uno degli emblemi più riconoscibili della generazione post-Baker.
Perché conta Rappresenta l'evoluzione naturale dello spirito Baker nella generazione successiva: un'estetica più cruda, più aggressiva e meno rifinita. Definisce un'intera corrente dello skate americano dalla fine degli anni 2000 fino agli anni 2010.
Palace Tri-Ferg
Palace Tri-Ferg
Marca Palace Skateboards
Pro model (logo del marchio)
Designer Fergus Purcell
Palace Skateboards fu fondato a Londra nel 2009 da Lev Tanju. Il logo — tre triangoli che formano un triangolo più grande, noto come il Tri-Ferg — fu disegnato da Fergus Purcell (da cui il nome), artista londinese con un lungo trascorso in marchi come Marc Jacobs e Lucien Pellat-Finet. Lanciato nel 2010, il Tri-Ferg divenne rapidamente uno dei logo di skate più riconoscibili del XXI secolo e uno dei simboli centrali dello streetwear globale a partire dalla metà del decennio.
Perché conta Dimostra fino a che punto il design grafico dello skate abbia influenzato la moda globale. Pochi marchi di skate sono riusciti ad attraversare così nettamente il confine tra skateboarding e cultura popolare, con collaborazioni con Adidas, Reebok, Stella Artois, Polo Ralph Lauren e mezza dozzina di maison del lusso.
Polar Stroke Logo
Polar Stroke Logo
Marca Polar Skate Co.
Pro model (logo del marchio)
Designer Pontus Alv
Polar Skate Co. fu fondata a Malmö (Svezia) nel 2011 da Pontus Alv, dopo diversi progetti precedenti — tra cui il video The Strongest of the Strange. Lo stroke logo del marchio, disegnato a mano da Alv con un tratto spesso e un aspetto deliberatamente imperfetto, si ricollega direttamente alla corrente naïf aperta da Mark Gonzales in Krooked. In un'epoca dominata da graphic molto elaborate, Polar trovò forza nella semplicità.
Perché conta Rappresenta la crescente influenza dell'Europa all'interno del design grafico dello skate moderno. L'estetica Polar — disegno a mano, palette ridotte, composizioni quasi da poster underground — ha segnato il linguaggio visivo dello skate europeo degli anni 2010 e si è esportata nel mercato americano.
Cliché Hand
Cliché Hand
Marca Cliché Skateboards
Pro model (logo di marca)
Designer Jérémie Daclin / equipo Cliché
Fondata a Lione, Cliché ha contribuito a dimostrare che l'Europa poteva sviluppare un'identità visiva completamente propria all'interno dello skate. Il suo caratteristico simbolo della mano ha accompagnato per anni alcuni dei video e dei cataloghi più influenti del continente.
Perché conta Uno degli icon più importanti dello skate europeo e precursore diretto dell'esplosione creativa che sarebbe arrivata in seguito con Magenta e Polar.
Magenta Leaf / M
Marca Magenta Skateboards
Pro model (logo di marca)
Designer Soy Panday
Foglia + 'M' con tratto elegante, calligrafico, quasi giapponese-bandes-dessinées. Fondata nel 2010 a Bordeaux da Soy Panday e dai fratelli Feil. Senza intermediari: Soy disegna tutto, Vivien gestisce il business, Jean le spedizioni.
Perché conta Estetica 'living street' europea. Insieme a Polar, ha ridefinito che si può avere un brand skate senza alzare mai la voce.
Jart Logo
Jart Logo
Marca Jart Skateboards
Pro model (brand logo)
Designer Equipo Jart
Fondata nei Paesi Baschi, Jart è diventata una delle compagnie europee di maggior successo nella storia dello skate. La sua identità visiva semplice e riconoscibile ha accompagnato la crescita internazionale della marca durante gli anni 2000 e 2010, rendendola un riferimento per diverse generazioni di skater europei.
Perché conta È uno dei simboli più riconoscibili dello skate europeo e rappresenta il successo internazionale di una marca nata in Spagna.
Supreme Louis Vuitton Deck (2017)
Supreme x Louis Vuitton Deck
Marca Supreme / Louis Vuitton
Pro model (collezione)
Designer Supreme + Louis Vuitton
La collaborazione Supreme x Louis Vuitton fu presentata alla Fashion Week maschile di Parigi, autunno-inverno 2017. Parte del drop era composta da deck con il monogramma LV abbinato al wordmark rosso Supreme. L'operazione segnò il momento in cui un marchio di skate e una delle maison del lusso più antiche al mondo presentavano insieme una collezione in passerella. I prezzi di rivendita dei deck raggiunsero cifre di diverse migliaia di dollari a pezzo.
Perché conta Simboleggia il momento in cui lo skate è entrato a far parte del mainstream globale senza perdere completamente la propria identità. Chiude l'arco aperto da Supreme nel 1994 (Box Logo) e rende evidente che il deck da skate si è consolidato come oggetto di design, lusso e collezionismo, non solo come attrezzo sportivo.
Toy Machine Charred Cross (2025)
Charred Cross
Marca Toy Machine
Pro model (graphic manifesto)
Designer Ed Templeton
Incappucciato KKK crocifisso e in fiamme su svastica spezzata. Manifesto antirazzista. Polarizzò: applaudito da gran parte della community, attaccato da simpatizzanti KKK e da critici che sostenevano che 'il messaggio è giusto ma non dovrebbe essere venduto come prodotto'.
Perché conta Toy Machine e Templeton restano la coscienza politica dello skate, 30+ anni dopo.
Loghi cross-industry: quando la grafica esce dalla tavola
Alcuni design dell’ambiente skate hanno raggiunto una presenza massiccia al di fuori dello sport stesso come abbigliamento di strada o iconografia giovanile. Thrasher Magazine introdusse il suo wordmark con le fiamme e il motto Skate and Destroy all’inizio degli anni ‘80; la croce di Independent Trucks (introdotta alla fine degli anni ‘70 da NHS) e il bighead di Spitfire Wheels sono tra i loghi dello skate più tatuati sulla pelle ancora oggi.
Thrasher (logo di fiamme / Skate and Destroy)
Marca Thrasher Magazine
Pro model (slogan/identity)
Designer Thrasher / Kevin Thatcher (revista, 1981)
Thrasher nacque nel 1981 (Kevin Thatcher, Eric Swenson, Fausto Vitello). Il wordmark gotico di fiamme e il motto Skate and Destroy diventarono l'identità visiva più imitata dello skate: dalla copertina di una rivista a patch, tatuaggio e, decenni dopo, t-shirt da passerella.
Perché conta Probabilmente il logo più bootleggeato della cultura skate. Ha trasceso la rivista per diventare simbolo di attitudine — e, ironicamente, oggetto di moda mainstream che la stessa Thrasher ha criticato.
Independent Cross
Marca Independent Truck Company
Pro model (logo di marca)
Designer Jim Phillips
Phillips disegnò la croce per Independent (fondata nel 1978 da Vitello, Swenson, Novak, Shuirman). Idea originale: 'surfer's cross', variante della croce di ferro tedesca per il legame surf/skate. Inizialmente rifiutata per l'associazione nazista, Phillips insistette indicando l'uso in croce di Papa Giovanni Paolo II. Nel 2022 il brand ridisegnò il logo distanziandosene esplicitamente.
Perché conta Insieme allo Spitfire Bighead, il logo più tatuato nella storia dello skate. Il suo redesign del 2022 fu un evento culturale.
Spitfire Bighead
Marca Spitfire Wheels
Pro model (logo di marca)
Designer Kevin Ancell
Faccia stilizzata con testa in fiamme, occhi allungati neri con riflesso bianco, sorriso con denti bianchi esagerati, tutto in rosso vivo su fondo nero. Apparve per la prima volta come ad nel maggio del 1992. Spitfire fu fondata nel 1987 da Jim Thiebaud sotto Deluxe.
Perché conta Una delle immagini più riprodotte nella storia dello skate. Cucita su felpe, tatuata, dipinta su bowl DIY in tutto il mondo. Incarna l'energia DLXSF.
DC Star Logo
Marca DC Shoes
Pro model (brand logo)
Designer Damon Way / Ken Block (equipo fundador)
Fondata nel 1994, DC Shoes è cresciuta fino a diventare una delle compagnie più visibili di tutta l'industria dello skate tra la fine degli anni novanta e i primi anni 2000. Il suo logotipo —la caratteristica stella accompagnata dalle lettere DC— è apparso su scarpe, abbigliamento, competizioni, videogiochi e campagne pubblicitarie che hanno raggiunto un pubblico molto più ampio di quello dello skate tradizionale. Per diversi anni è stato praticamente impossibile entrare in uno skatepark senza vedere il logo DC ripetuto decine di volte.
Perché conta Pochi loghi skate hanno raggiunto una visibilità globale simile durante gli anni 2000. Rappresenta il momento in cui lo skateboarding è diventato un'industria internazionale di massa.
Etnies "E"
Marca Etnies
Pro model (brand logo)
Designer Pierre André Sénizergues
La caratteristica lettera E stilizzata di Etnies ha accompagnato l'espansione mondiale di una delle compagnie di calzature più importanti della storia dello skate. Durante gli anni novanta e i primi anni 2000 è apparsa su milioni di scarpe, magliette e annunci pubblicitari.
Perché conta Rappresenta la professionalizzazione globale delle calzature skate e una delle marche più influenti di tutti i tempi.
Classifica live dei più votati
Guarda quali grafici stanno vincendo
93 design del catalogo ordinati per voti reali. Ogni "mi piace" muove la classifica.
Vedi la classifica completa →- 1 Flaming Dagger 3
- 2 Iron Cross / Screaming Chicken Skull 2
- 3 Nordic Skull 2
Cinque designer che hanno definito il linguaggio visivo dello skate
Vernon Courtlandt Johnson (VCJ) — designer principale del catalogo Powell-Peralta tra il 1978 e il 1991. Lavora con inchiostro su carta. Ha studiato manoscritti medievali miniati e simbologia esoterica. Lasciò Powell nel 1991, tornò nel 2011. Vende print originali su vcjart.com.
Wes Humpston — cofondatore di Dogtown Skates con Jim Muir. Gli viene attribuito di essere stato il primo a disegnare a mano su tavole prodotte in serie, a partire dal 1976. Gestisce Bulldog Skates dal 1995.
Jim Phillips — direttore artistico di Santa Cruz dal 1975. Background nel cartellonismo rock psichedelico degli anni ‘60. Autore della Screaming Hand e di buona parte del bestiario di Santa Cruz. Tre libri pubblicati tra il 2003 e il 2007. Entrato nella Skateboarding Hall of Fame nel 2017. Suo figlio Jimbo Phillips continua l’attività.
Marc McKee — artista principale di World Industries e Blind negli anni ‘90. Background nel BMX flatland (Skyway). Progettò le mascotte Devilman, Flameboy e Wet Willy. Pubblicò The Art of Marc McKee nel 2011.
Sean Cliver — artista parallelo a McKee in World/Blind. Pubblicò nel 2004 Disposable: A History of Skateboard Art (Gingko Press), considerato opera di riferimento del settore. In seguito produsse Jackass, Wildboyz e Bad Grandpa con Jeff Tremaine.
Mark Gonzales — pro skater dal 1984 (Vision). Cofondatore di Blind (1989) e Krooked (2002). Transworld Skateboarding lo nominò skater più influente della storia nel 2011. Carriera parallela come artista contemporaneo: zine, libri pubblicati con Drag City, mostre a Tokyo, San Francisco, New York, Parigi e Berlino. Collabora con Supreme dal 2011.
Evoluzione tecnica della stampa
La tecnica di stampare una grafica su una tavola curva è cambiata nei cinque decenni che copre questo articolo. La linea temporale seguente riassume i grandi salti:
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Legno liscio + adesivi / logo in metallo
Tavole Logan, Sims, Hobie. Serigrafia di un colore al massimo. La tavola è equipaggiamento sportivo, non oggetto grafico.
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Immagine trasferita a caldo
Si degradava velocemente con l'uso. Powell-Peralta lo usò fino a metà decade prima della serigrafia stabile.
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Serigrafia 2-4 colori spot
Il linguaggio visivo moderno dello skate si sviluppa qui. Tavole da 10 pollici o più con composizione full-bottom. Linee sottili e masse nere adattate al limite tecnico.
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Serigrafia full-color
Massimo livello raggiunto nella serigrafia su legno curvo. Coincide con la fine dell'era pre-crash.
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Serigrafia limitata in formato stretto
Le tavole si assottigliano a 7,5-8 pollici. Le estremità si consumano ad ogni slide, quindi le grafiche si centrano e i cartoon sostituiscono le composizioni araldiche.
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Heat transfer digitale
Permette immagini fotografiche full-color, ma con minore durabilità della serigrafia tradizionale.
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Litografia + serigrafia premium + legni alternativi
Edizioni limitate, collaborazioni con gallerie d'arte, bambù e betulla baltica. La tavola entra pienamente nel mercato del collezionismo.
Letture e fonti
- Cliver, Sean. Disposable: A History of Skateboard Art. Gingko Press, 2004.
- Phillips, Jim. The Skateboard Art of Jim Phillips. Schiffer Publishing, 2007.
- McKee, Marc. The Art of Marc McKee. Gingko Press, 2011.
- Interviste a VCJ su Juice Magazine.
- Copertura editoriale di Jenkem Magazine e Thrasher per i periodi successivi al 2010.
Se vuoi continuare a scavare, nel dizionario skate trovi definite le parole tecniche che compaiono qui (deck, pro model, slide, popsicle, vert), e nella storia completa dello skate c’è il contesto cronologico della disciplina.
Questa lista non è definitiva
A questo punto è evidente che la storia delle grafiche skate non è finita.
Continuano ad apparire nuovi brand, nuovi artisti e nuove idee ogni anno. Alcuni scompariranno con il tempo. Altri finiranno per diventare classici. E probabilmente tra vent’anni ci saranno dibattiti appassionati sulle grafiche attuali come quelli che oggi esistono attorno a Powell, Santa Cruz o World Industries.
Per questo questa lista non potrà mai essere considerata definitiva. È semplicemente la nostra selezione di alcune delle grafiche che ci piacciono di più, che ci hanno influenzato di più o che ci sembrano più importanti nell’evoluzione dello skateboarding.
Ora tocca a te.
Manca qualcuna di imprescindibile? Lasciala nei commenti e aiutaci a continuare ad ampliare questa storia.
Commenti
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