Parler des meilleurs graphiques de skate de tous les temps, c’est une mission impossible.
Pas parce que les candidats manquent, mais parce qu’ils sont trop nombreux.
Chaque génération a ses favoris. Certains se souviennent de la première fois qu’ils ont vu une Screaming Hand collée sur un lampadaire. D’autres ont grandi en rêvant d’une Skull and Sword de Powell-Peralta accrochée au mur de leur chambre. Et il y en a qui ressentent encore quelque chose de particulier en croisant une planche de Gonzales, Templeton ou Natas Kaupas.
C’est pourquoi on veut être clairs d’entrée de jeu.
Ce n’est pas un classement définitif, ni une liste objective.
C’est notre sélection de certains des graphiques les plus importants, influents, iconiques ou simplement mémorables que l’histoire du skateboard ait produits.
On a épluché des livres, des interviews, des catalogues historiques, des magazines comme Thrasher, Juice ou Jenkem et des dizaines de sources spécialisées pour construire une ligne du temps qui explique comment une simple planche de bois a fini par devenir l’un des supports artistiques les plus reconnaissables de la culture populaire. Parce que le skate a réussi quelque chose que très peu de sports ont accompli. Il a créé son propre langage visuel.
Là où d’autres sports construisaient leur identité autour d’équipes, de stades ou d’équipements, le skate a transformé le dessous d’une planche en toile. Un espace où cohabitaient art, musique, culture urbaine, humour, provocation, politique et personnalité.
Beaucoup des images qui apparaissent ici sont reconnaissables même pour des gens qui n’ont jamais fait un ollie. Et ça dit beaucoup de leur impact.
Comment fonctionne cette liste
Chaque graphique inclut un bouton de vote pour nous dire lesquels méritent, selon toi, d’être plus haut. Les résultats se mettent à jour en temps réel et alimentent notre classement général.
En plus, si tu veux tester tes propres préjugés de skateur, tu peux aussi essayer notre bracket : une élimination directe où tu affrontes des designs historiques face à face jusqu’à élire ton champion personnel.
Parce qu’une chose est claire. Il n’y a pas de bonne réponse.
La Screaming Hand est-elle meilleure que le Ripper ?
La Dogtown Cross a-t-elle plus d’importance historique que la Skull and Sword ?
Un logo comme Girl peut-il rivaliser avec un chef-d’œuvre illustré de Jim Phillips ?
On a notre opinion et tu as sûrement la tienne. C’est précisément pour ça que cet article existe.
Avant de commencer…
Il y a quelque chose d’important à garder en tête. Tous les graphiques ne comptent pas pour les mêmes raisons. Certains ont révolutionné le design. D’autres ont vendu des millions de planches. Certains ont défini une génération. D’autres ont aidé à construire une marque. Et quelques-uns ont réussi à s’échapper du skate pour devenir des icônes culturelles reconnaissables dans le monde entier.
Les comparer entre eux n’est pas toujours juste, mais c’est là une partie du sel de la chose.
Si tu trouves qu’il manque un graphique que tu penses devoir figurer ici, laisse-le dans les commentaires. On est certains qu’il en manque et on n’arrêtera probablement jamais d’en ajouter de nouveaux. Parce que l’histoire de l’art dans le skate continue de s’écrire chaque jour.
Quel est le meilleur graphique de l'histoire ? À toi de décider
Bracket complet avec tous les graphiques de l'article : qualifs courtes + 64 propre jusqu'à la finale. Choisis le gagnant à chaque match jusqu'à ton champion.
Commencer le bracket →1976-1977 — quand les planches ont commencé à raconter des histoires
Aujourd’hui, il paraît impossible d’imaginer une planche de skate sans un graphique accrocheur.
Mais pendant une bonne partie des années soixante et du début des années soixante-dix, les planches n’étaient guère plus que des équipements sportifs. Un logo simple. Un autocollant. Quelques sérigraphies basiques. Rien de plus. L’idée qu’une planche puisse devenir une œuvre graphique n’existait tout simplement pas.
Ça a commencé à changer dans le sud de la Californie. Et, comme tant d’autres révolutions du skate, ça a démarré à Dogtown.
Entre Venice et Santa Monica naissait une génération de skateurs qui ne ressemblait à aucune autre. Ils skataient des piscines vides, écoutaient une musique différente et avaient une attitude bien plus proche du surf underground et du punk que du sport traditionnel. Ils avaient besoin d’une identité propre. Et cette identité a fini par apparaître aussi sur le bois.
Dogtown Cross
Marque Dogtown Skates
Pro model Team (Tony Alva, Jay Adams, Jim Muir)
Designer Craig Stecyk III (símbolo) + Wes Humpston (deck)
S'il existe un point de départ pour l'histoire du graphisme dans le skate, c'est probablement la Dogtown Cross. Ce qui est curieux, c'est qu'elle n'est même pas née comme graphic de skate. Craig Stecyk III, photographe, écrivain et l'une des figures intellectuelles les plus importantes du mouvement Zephyr, peignait cette croix depuis des années sur les murs de Santa Monica comme marque territoriale. C'était un symbole du quartier. Une signature. Un message pour ceux qui appartenaient à l'environnement Dogtown. Quand Wes Humpston demanda la permission de l'utiliser sur les boards de Dogtown Skates (vers 1976), Stecyk la lui accorda. Mais la véritable révolution, c'est Humpston : il commença à dessiner à la main directement sur les boards, ce qui paraît normal aujourd'hui mais était une folie en 1976. Sans Humpston, il est difficile d'imaginer le travail ultérieur de Jim Phillips, VCJ ou de n'importe quel autre grand artiste du skate.
Pourquoi c'est important Non pas parce que c'était le graphic le plus beau ni le plus vendu, mais parce que c'est le premier à avoir démontré qu'une board pouvait transmettre une culture, une attitude et un sentiment d'appartenance. Le skate ne vendait plus uniquement de la performance. Il commençait à vendre de l'identité. L'innovation formelle la plus importante de l'histoire visuelle du skate.
Alva (logo + fades)
Marque Alva Skates
Pro model Tony Alva
Designer Tony Alva / equipo Alva
Si Dogtown a contribué à forger l'identité visuelle du skate, Tony Alva a contribué à transformer le modèle économique. Z-Boy de Dogtown, il fonde Alva Skates en 1977 et devient le premier grand professionnel à décider de créer sa propre marque plutôt que de rider pour une entreprise dirigée par des ingénieurs. Aujourd'hui ça paraît évident, mais à l'époque c'était une déclaration d'indépendance. Le fameux "A" angulaire d'Alva et les boards teintées en dégradé de couleur (les fades) deviennent rapidement une image reconnaissable dans la scène. Pas de monstres. Pas d'illustrations complexes. Pas de narratives. Juste de l'attitude. Et ça a fonctionné. La marque transmettait exactement la personnalité de Tony Alva : agressive, frondeuse et totalement à l'opposé de l'image sportive traditionnelle.
Pourquoi c'est important A posé le précédent de la marque dirigée par le skater lui-même. Ce modèle — le rider comme propriétaire — est celui que reprendraient ensuite Powell, World Industries, Plan B, Birdhouse, Girl, Baker et pratiquement toutes les marques skater-owned. L'idée qu'un skater pouvait contrôler sa propre image commence ici.
Vans — Off The Wall
Marque Vans
Pro model (marque de chaussures)
Designer Familia Van Doren
Bien que techniquement on ne parle pas d'un graphic de board, il est impossible de raconter l'histoire visuelle du skate sans s'arrêter un instant sur Vans. La Van Doren Rubber Company ouvre à Anaheim en 1966 en fabriquant des chaussures à semelle de caoutchouc sur mesure. Au milieu des années 70, les skaters californiens adoptent la Era et l'Authentic pour une raison très simple : elles fonctionnaient mieux que presque tout ce qui était disponible à l'époque, notamment grâce à la semelle waffle collante. Ce qui vint ensuite était inattendu : la semelle waffle, le damier, le slogan Off The Wall, la Sk8-Hi, la Half Cab. Tous ces éléments finirent par former l'un des systèmes visuels les plus reconnaissables de toute la culture skate. Aujourd'hui on trouve un t-shirt Vans dans n'importe quelle ville de la planète, mais son ADN reste connecté à ces premiers skateparks de Californie.
Pourquoi c'est important A contribué à démontrer que l'esthétique skate pouvait transcender le skate lui-même. Une idée qui exploserait des décennies plus tard avec Supreme, Thrasher et une grande partie du streetwear moderne. Le damier et le Off The Wall comptent parmi les emblèmes les plus reconnaissables de la culture skate, bien au-delà de la board.
À la fin des années soixante-dix, il était déjà clair que quelque chose d’important était en train de se passer. La planche cessait d’être simplement un outil pour skater. Elle devenait un moyen d’expression.
Ce que personne n’imaginait, c’est ce qui allait arriver ensuite. Parce qu’en 1978, une petite marque appelée Powell-Peralta a recruté un illustrateur nommé Vernon Courtlandt Johnson. Et à partir de ce moment, plus rien ne serait jamais pareil.
1978-1989 — Powell-Peralta et l’âge d’or du graphique de skate
S’il y a une marque qui a changé pour toujours l’esthétique du skateboard, c’est probablement Powell-Peralta.
Durant les années quatre-vingt, Powell a non seulement réuni certains des skateurs les plus importants de l’histoire au sein de la Bones Brigade. Elle a aussi contribué à transformer la planche en quelque chose qui dépassait le simple produit sportif. Pour la première fois, les graphiques commençaient à avoir autant d’importance que le rider lui-même.
Cette transformation est passée en grande partie par Vernon Courtlandt Johnson, plus connu sous le nom de VCJ. Son travail a défini une bonne partie de l’imaginaire visuel du skate classique : crânes, dragons, créatures fantastiques, symboles médiévaux et compositions qu’on retrouve encore aujourd’hui dans des rééditions, des collections et sur les murs de milliers de skateurs.
Ce qui est intéressant, c’est que beaucoup de ces designs ne fonctionnaient pas seulement comme des illustrations spectaculaires. Ils aidaient aussi à construire l’identité de chaque rider. La planche commençait à devenir une extension de la personnalité de celui qui la skatait.
Skull and Sword
Skull and Sword
Marque Powell-Peralta
Pro model Ray 'Bones' Rodriguez
Designer Vernon Courtlandt Johnson (VCJ)
Premier pro model signature de Powell-Peralta et l'un des premiers grands crânes sur un deck skate de production industrielle. Lancé en couleurs Brite-Lite Dayglo. Le surnom "Bones" de Rodriguez vint du graphic lui-même, et le nom Bones Brigade (1979) se fixa définitivement grâce au succès commercial du modèle.
Pourquoi c'est important Établit l'ADN visuel de Powell-Peralta pour la décennie suivante.
Chinese Dragon
Chinese Dragon
Marque Powell-Peralta
Pro model Steve Caballero
Designer VCJ, sobre boceto de Steve Caballero
Cab fut Rookie of the Year 1980 et refusa la proposition de Powell (skull+hélice) en présentant son propre dessin : un dragon accroupi. VCJ le finalisa. Il tint 6 ans avec des modifications minimes — un record.
Pourquoi c'est important Première fois qu'un rider co-signa son propre graphic chez Powell. Établit l'idée que le deck reflète la personnalité du skater.
Iron Cross / Screaming Chicken Skull
Iron Cross / Screaming Chicken Skull
Marque Powell-Peralta
Pro model Tony Hawk
Designer VCJ
Hawk avait connu un échec commercial avec son 'Soaring Hawk' (1982). VCJ redesigna : un crâne hybride humain/faucon sur une croix de fer type biker. Quand le skate rebondit en 1984, ce graphic décolla avec la carrière de Hawk.
Pourquoi c'est important L'un des graphics les plus reproduits de l'histoire. Base visuelle de la marque personnelle de Hawk depuis 40 ans.
The Ripper
The Ripper
Marque Powell-Peralta
Pro model (graphic de marque, PAS un pro model)
Designer VCJ
Dessiné à l'origine comme sticker 'Bones Sold Here' pour les shops. Il eut un tel succès qu'il migra vers les t-shirts, les stickers, son propre deck. Un crâne lacérant un papier de sa griffe.
Pourquoi c'est important Avec la Screaming Hand, l'un des graphics de skate les plus reproduits et les plus reconnus de l'histoire. Il prouva qu'une image de marque pouvait se vendre mieux qu'un pro model précis. Toujours en production plus de quarante ans après son lancement original.
Winged Ripper
Marque Powell-Peralta
Pro model (team / promotionnel)
Designer Vernon Courtlandt Johnson (VCJ)
Variation du Ripper (1983) avec des ailes déployées de chaque côté du crâne. Apparaît dans le catalogue Powell-Peralta du milieu et de la fin des années 80 comme graphic promotionnel et de team, et fait partie des reissues récurrentes de la marque, y compris dans des séries modernes de la Bones Brigade.
Pourquoi c'est important Une des variantes les plus reproduites du Ripper original. Étend le langage héraldique de VCJ vers des compositions de plus grande envergure.
Entre 1983 et la fin des années quatre-vingt, Powell a vécu un moment créatif difficile à reproduire. Chaque saison apportait de nouveaux graphiques qui élargissaient l’univers visuel de la marque et démontraient que VCJ était capable de s’adapter à des personnalités très différentes sans perdre la cohérence esthétique.
Et dans ce catalogue, il y a une pièce qui mérite une mention à part : le Mutt / Chess Piece de Rodney Mullen. Ce n’est pas le graphique le plus spectaculaire de la marque, mais c’est le pro model de celui qui est peut-être le skateur le plus influent de toute l’histoire, et il rompt délibérément avec l’esthétique dominante de Powell. Cette décision de se différencier, au sein d’une marque dotée d’un langage visuel si établi, dit beaucoup de l’espace de liberté créative qui existait à cette époque.
Nordic Skull
Nordic Skull
Marque Powell-Peralta
Pro model Per Welinder
Designer VCJ
Un crâne fantasy entouré de runes vikings qui épèlent le nom de Welinder accompagné du message : 'Search and strive, push beyond with strength, yours not theirs, that is the key.' Le graphic reflétait ses origines suédoises.
Pourquoi c'est important Premier graphic Powell avec une identité culturelle et ethnique intégrée. VCJ puisant dans son étude des manuscrits médiévaux.
Skull and Snake
Skull and Snake
Marque Powell-Peralta
Pro model Mike McGill
Designer VCJ + Mike McGill
Conçu pendant que McGill perfectionnait le McTwist au camp suédois en 1984. Il ajouta lui-même le serpent et les éclairs en référence à la Floride, son État natal. L'un des decks Powell les plus vendus de tous les temps.
Pourquoi c'est important Sommet de la formule VCJ skull-and-creature. Source d'inspiration pour toute une génération d'artistes skate.
Future Primitive
Future Primitive
Marque Powell-Peralta
Pro model Lance Mountain
Designer VCJ
Mountain refusa un premier concept skull+knee-bone parce qu'il voulait sortir des sentiers battus. Il en résulta une composition illustrative avec des références tribales et primitives. Le tirage original comportait un détail phallique de chien caché qui fut retiré rapidement — les exemplaires avec ce détail sont hyper-collectibles. Le graphic donna son nom à la vidéo Powell de 1985.
Pourquoi c'est important Brisa le moule du crâne. Démontra l'étendue illustrative bien plus large de VCJ.
Flaming Dagger
Flaming Dagger
Marque Powell-Peralta
Pro model Tommy Guerrero
Designer Kevin Ancell (NO VCJ)
Inspiré de l'art de capot des hot rods américains des années 60-70. Premier graphic Powell pro non dessiné par VCJ. Il marqua une différenciation claire : Guerrero comme skater de rue et urbain face au reste de la Brigade vert.
Pourquoi c'est important Première fissure dans la domination totale de VCJ. Annonce la diversification visuelle qui viendra dans les années 90.
Elephant
Elephant
Marque Powell-Peralta
Pro model Mike Vallely
Designer VCJ + Mike Vallely
Premier pro model de Vallely. Il a refusé un premier concept 'Roach'. L'éléphant est né de sa collaboration avec VCJ et a suivi Vallely tout au long de sa carrière (aujourd'hui sa marque s'appelle Elephant Skateboards).
Pourquoi c'est important Dernière grande pièce de VCJ avant le départ massif de talents de Powell en 1991.
Un univers complet
Mutt / Chess Piece
Marque Powell-Peralta
Pro model Rodney Mullen
Designer VCJ
Premier pro model freestyle de Powell. Le motif d'échecs (version circa 1983) représentait l'esprit analytique de Mullen — les échecs comme métaphore du flatground. Une pièce fait partie de la collection du Smithsonian.
Pourquoi c'est important Symbole du 'skater penseur'. Mullen est le père technique du street moderne.
Skull and Spade
Marque Powell-Peralta
Pro model Steve Steadham
Designer Craig Stecyk III (NO Phillips)
Crâne rasta + sidecut shape + tail carrée pour le pool coping. Steadham a été le premier pro afro-américain de premier plan chez Powell.
Pourquoi c'est important Jalon de représentation dans une industrie quasi entièrement blanche.
Kevin Harris (Mountie et castor)
Marque Powell-Peralta
Pro model Kevin Harris
Designer Vernon Courtlandt Johnson (VCJ)
Pro model du freestyler canadien Kevin Harris pour Powell-Peralta, designé par VCJ. Le graphic — un agent de la Royal Canadian Mounted Police aux côtés d'un castor — combinait les deux icônes nationales canadiennes comme clin d'œil aux origines du rider. Harris a été l'une des figures du freestyle des années 80 aux côtés de Rodney Mullen, avec un style orienté vers la comédie et le spectacle.
Pourquoi c'est important Une des rares pièces du freestyle 80s dans le catalogue Powell-Peralta aux côtés du Mullen Chess, et l'un des pro models à l'identité culturelle la plus explicite de VCJ.
Ray Barbee Ragdoll
Marque Powell-Peralta
Pro model Ray Barbee
Designer Vernon Courtlandt Johnson (VCJ)
Pro model de Ray Barbee, membre de la Bones Brigade, designé par VCJ. Le motif — une poupée de chiffon sur fond chaud — s'écarte du répertoire gothique habituel de Powell-Peralta et reflète un registre plus proche du style de Barbee, connu pour son skate fluide et son activité parallèle en tant que musicien.
Pourquoi c'est important Un des rares pro models de la Bones Brigade qui sort du code héraldique de crânes et de dragons caractéristique de VCJ.
Vato Rats / Rat Bones
Marque Powell-Peralta
Pro model (graphic de marque)
Designer Craig Stecyk III
Stecyk réactiva son iconographie Dogtown des années 70 (gangs latinos de Santa Monica/Venice) et Stacy Peralta la fit monter chez Powell comme brand graphic en 1983. Une ligne esthétique alternative à VCJ : plus brute, plus street, à influence latino.
Pourquoi c'est important Continuité directe entre l'underground de Dogtown des années 70 et le Powell commercial des années 80. Même quartier, même artiste, marché différent.
Tony Hawk Claw (Powell-Peralta)
Marque Powell-Peralta
Pro model Tony Hawk
Designer Vernon Courtlandt Johnson (VCJ)
Pro model de Tony Hawk pour Powell-Peralta avec un motif de serre d'oiseau. Fait partie de la dernière génération de designs de Hawk dans la marque avant son départ en 1992 pour fonder Birdhouse avec Per Welinder.
Pourquoi c'est important Clôture de l'époque Powell de Hawk dans le langage VCJ. Précédent direct de l'imaginaire aviaire que Hawk allait ensuite emmener chez Birdhouse.
Frankie Hill Bull Dog
Marque Powell-Peralta
Pro model Frankie Hill
Designer Vernon Courtlandt Johnson (VCJ)
Pro model de Frankie Hill, dessiné par VCJ. Tête de bulldog avec bandana sur fond jaune. Hill a été l'un des pros street de la fin des années 80 chez Powell-Peralta, connu pour ses sorties de bowl sur banks et pour son physique puissant. Le modèle est considéré comme l'un des derniers designs marquants de VCJ avant le crash de l'industrie en 1991.
Pourquoi c'est important Clôt la dernière génération de pro models VCJ des années 80 avant la dissolution de la Bones Brigade classique.
BONES (wordmark aux os croisés)
Marque Powell-Peralta · Bones
Pro model (logo de marque)
Designer Powell-Peralta / Bones
Wordmark de la ligne Bones de Powell-Peralta (Bones Wheels, Bones Bearings, Bones Brigade) : le mot BONES en typographie épaisse avec deux os croisés formant un X derrière les lettres. Imprimé massivement sur des t-shirts, stickers et merchandising depuis le début des années 80, il a atteint une pénétration considérable dans la culture jeune californienne de l'époque. Une part importante de ceux qui portaient le logo ne skatait pas : ils l'arboraient comme vêtement associé à l'imaginaire skate.
Pourquoi c'est important L'un des wordmarks de l'univers skate ayant eu la plus grande présence hors du sport lui-même, en tant que pièce de rue durant les années 80 et 90.
1980-1989 — Santa Cruz et Jim Phillips : l’autre grand univers du skate
Pendant que Powell-Peralta construisait son imaginaire avec des crânes médiévaux, des dragons et de la fantasy héroïque, de l’autre côté de la Californie grandissait une vision radicalement différente de ce que pouvait être une planche de skate.
Si VCJ représentait la précision, le symbolisme et l’influence de l’illustration classique, Jim Phillips misait sur l’excès, la couleur et l’énergie visuelle. Et ça a fonctionné.
Santa Cruz existait depuis le début des années soixante-dix sous l’égide de NHS, mais c’est l’arrivée de Phillips comme directeur artistique qui a fini par définir la personnalité visuelle de la marque. Son expérience préalable dans le design d’affiches de concerts et l’art psychédélique s’est parfaitement accordée avec le moment que vivait le skate. Le résultat : une collection de créatures impossibles, de monstres difformes, de mains avec une vie propre, de crânes exagérés et de personnages qui semblaient s’être échappés d’une couverture de comics underground.
Contrairement à Powell, où beaucoup de graphiques transmettaient une sensation épique ou presque mythologique, Santa Cruz a misé sur quelque chose de plus viscéral. Ses illustrations étaient amusantes, agressives, exagérées et, surtout, inoubliables.
Ce qui est intéressant, c’est que même si pendant des années on a présenté Powell et Santa Cruz comme des pôles opposés, la réalité est que les deux marques ont contribué à construire l’âge d’or de l’art dans le skate. L’une apportait élégance et symbolisme ; l’autre, personnalité et une capacité unique à créer des icônes visuelles qui fonctionnent encore quarante ans plus tard.
Peu d’époques ont concentré autant de créativité en si peu de temps. Et peu ont laissé autant de graphiques qui continuent d’être réédités encore et encore.
La preuve commence avec une main bleue qui a fini par devenir l’un des symboles les plus reconnaissables de toute la culture skate.
Screaming Hand
Marque Santa Cruz / Speed Wheels
Pro model (graphic de marque)
Designer Jim Phillips
Phillips dessinait des variantes depuis des années (un naufragé criant avec la main hors de l'eau). En 1985, il le reformula : une main bleue hurlant avec sa propre bouche entre les doigts. C'était pour la ligne Speed Wheels mais le graphic finit par engloutir toute la marque. Le 30e anniversaire fut célébré par une exposition itinérante dans plus de 25 pays.
Pourquoi c'est important Souvent cité — avec The Ripper — comme l'un des graphics de skate les plus reproduits de l'histoire. On le retrouve tatoué sur des milliers de skaters à travers le monde, et il fonctionne comme second emblème de facto de Santa Cruz aux côtés du wordmark de la marque.
Cependant, avant même que la Screaming Hand ne conquière la moitié de la planète, Santa Cruz possédait déjà un autre emblème visuel qui allait survivre à des générations entières de skateurs.
Santa Cruz Dot Logo
Santa Cruz Dot Logo
Marque Santa Cruz Skateboards
Pro model (logo de marque)
Designer Jim Phillips
Le célèbre cercle rouge avec le wordmark Santa Cruz est apparu à la fin des années 70 et est rapidement devenu l'un des identifiants les plus puissants de toute l'industrie. Contrairement à d'autres logos qui ont constamment changé au gré des modes, le Dot n'a pratiquement pas eu besoin de modifications en plus de quatre décennies. On le retrouve sur des decks, des roues, des vêtements, des stickers et pratiquement tous les produits associés à la marque.
Pourquoi c'est important Avec la Screaming Hand, il forme le noyau de l'identité visuelle de Santa Cruz et est l'un des logos les plus reconnaissables de toute l'histoire du skate.
Si la Screaming Hand a fini par représenter toute une marque, Rob Roskopp a été le protagoniste d’une des expériences narratives les plus intéressantes de l’histoire du skate. Plutôt que de se limiter à une unique illustration, Jim Phillips a développé une série de graphiques qui évoluaient de planche en planche, quelque chose d’assez inhabituel pour l’époque.
Roskopp Target
Marque Santa Cruz
Pro model Rob Roskopp
Designer Jim Phillips + Rob Roskopp
Premier pro model de Roskopp. L'idée originale ('un bras fracassant une cible') était la sienne, Phillips l'a concrétisée. Elle a évolué sur 7-8 decks au cours de la décennie : bras, tête, torse, monstre complet détruisant la cible.
Pourquoi c'est important Première série évolutive dans le skate. A inventé la mécanique narrative multi-planche.
Roskopp Face
Marque Santa Cruz
Pro model Rob Roskopp
Designer Jim Phillips
À l'origine un 'Street model'. Visage fantomatique étiré qui est universellement resté comme 'le Roskopp Face'. Premier street model de Santa Cruz à s'être vendu davantage que bien des planches de vert.
Pourquoi c'est important A montré que le street pouvait pousser autant de produit que le vert — anticipe la transition de 1990.
Slasher
Marque Santa Cruz
Pro model Keith 'Slasher' Meek
Designer Jim Phillips
Pro model de Keith Meek pour Santa Cruz, illustré par Jim Phillips en 1986. Monstre vert à griffes dans une composition dynamique quasi-vague, conçu pour refléter le surnom du rider ("Slasher"). Le NOS (new old stock) est aujourd'hui extrêmement rare selon Meek lui-même, ce qui a fait exploser sa valeur sur le marché du collectionnisme.
Pourquoi c'est important Esthétique pool-skating punk rock 80s incarnée sous forme de créature.
Salba — Tiger
Marque Santa Cruz
Pro model Steve Alba (Salba)
Designer Jim Phillips
Pro model de Steve Alba — Salba, légende du pool et du vert — pour Santa Cruz, avec un tigre signé Jim Phillips. Image agressive et féline qui collait parfaitement au style brutal d'Alba en bowl.
Pourquoi c'est important Autre icône du duo Phillips–Santa Cruz des années 80, associé à l'un des grands noms du skate de piscine. Réédité et très recherché par les collectionneurs.
Jason Jessee — Sun God
Marque Santa Cruz
Pro model Jason Jessee
Designer Jim Phillips
Pro model de Jason Jessee pour Santa Cruz dessiné par Jim Phillips à la fin des années 80 : un soleil à visage, au trait psychédélique et solaire, à l'opposé du bestiaire de monstres verts de la marque. L'un des graphics les plus reconnaissables du catalogue Phillips.
Pourquoi c'est important A démontré que le langage Santa Cruz ne se limitait pas à l'horreur comique : le psychédélique et le lumineux y avaient aussi leur place. Pièce de collection classique de l'âge d'or de Phillips.
Jason Jessee Neptune
Marque Santa Cruz
Pro model Jason Jessee
Designer Jim Phillips
Pro model de Jason Jessee chez Santa Cruz lancé en 1988, illustré par Jim Phillips. La composition représente le dieu Neptune avec son trident sur une mer déchaînée et des serpents marins, dans une palette de dorés, d'ocres, de rouges et de bleus qui s'écarte du ton saturé typique de la marque pour entrer dans un territoire presque d'affiche psychédélique. Le niveau de détail est parmi les plus denses du catalogue Santa Cruz de la décennie, en accord avec l'imagerie mystique que Jessee cultivait dans et hors de la board.
Pourquoi c'est important Une des absences les plus citées dans toute liste internationale de graphics historiques du skate : beaucoup de collectionneurs la placent même au-dessus du Sun God du même Jessee. Marque le moment où Santa Cruz mêle horreur comique et symbolisme mystique, en grande partie grâce à la personnalité du rider, et ouvre un registre distinct au sein du langage Phillips.
Jeff Grosso Toy Box
Marque Santa Cruz
Pro model Jeff Grosso
Designer Jim Phillips
Pro model de Jeff Grosso chez Santa Cruz, illustré par Jim Phillips à la fin des années 80. Le board représente une boîte à jouets débordant de créatures Phillips classiques — yeux exorbités, dents, mains, palettes saturées — dans une composition horror comique. Grosso, figure clé du vert des années 80 et voix critique du skate pendant des décennies, riders ce board dans ses parts les plus mémorables de l'époque.
Pourquoi c'est important Culturellement très important, surtout pour ceux qui ont vécu le vert de cette époque. Jeff Grosso fut par ailleurs l'un des grands chroniqueurs oraux du skate jusqu'à sa mort en 2020 (vidéos Love Letters to Skateboarding pour Vans), ce qui fait de ses pro models une pièce indispensable pour comprendre la mémoire orale du sport.
Reaper
Marque Santa Cruz
Pro model Corey O'Brien
Designer Jim Phillips
La Faucheuse lançant des flammes. L'un des graphics les plus imités de Santa Cruz. O'Brien est aujourd'hui propriétaire d'un club de rock à San José.
Pourquoi c'est important Iconographie gothique-skate codifiée en une seule image.
1981-1990 — Pushead, Hosoi, Sims et d’autres voix
Même si Powell-Peralta et Santa Cruz ont dominé une grande partie de l’imaginaire visuel des années quatre-vingt, la décennie était bien plus riche et diverse qu’on ne s’en souvient parfois.
Pendant que VCJ dessinait des dragons et que Jim Phillips remplissait les planches de monstres impossibles, d’autres marques commençaient à développer des langages propres qui connectaient avec des scènes culturelles différentes. Le punk, le hardcore, le heavy metal et la culture underground ont commencé à laisser une empreinte de plus en plus visible dans le skate.
C’était une époque où les graphiques cessaient de ressembler à de simples illustrations pour devenir des déclarations d’identité.
Certaines marques voulaient paraître sauvages.
D’autres voulaient paraître dangereuses.
Et certaines voulaient simplement être différentes.
Peu de personnes représentent mieux cet esprit que Brian Schroeder, plus connu sous le nom de Pushead.
Artiste, musicien, illustrateur et figure culte de la scène hardcore américaine, Pushead a apporté au skate une esthétique inspirée des pochettes de disques, des fanzines photocopiés et des films d’horreur. Son travail pour Zorlac a contribué à ouvrir une voie radicalement différente de celle qu’exploraient Powell ou Santa Cruz.
Si ces marques construisaient des univers visuels reconnaissables, Pushead semblait intéressé à créer des cauchemars.
Et c’est précisément ce qui rendait ses graphiques si spéciaux.
Damaged Pirate / Skull Pirate
Marque Zorlac
Pro model Team / Jeff Phillips
Designer Pushead (Brian Schroeder)
Crâne-pirate putréfié avec chapeau. Pushead a travaillé avec Zorlac pendant près d'une décennie (1981-1990). Il a réalisé en parallèle des artworks pour Metallica (t-shirt 'Damage Inc.', pochette de St. Anger en 2003).
Pourquoi c'est important L'aile metal/horreur du skate des années 80. Une esthétique body horror qui a survécu à la Satanic Panic.
Si Pushead représentait le côté le plus sombre du skate des années quatre-vingt, Christian Hosoi symbolisait tout le contraire. Charismatique, extravagant et totalement imprévisible, il a été l’un des riders qui a le mieux compris qu’une planche pouvait être aussi une extension de la personnalité de celui qui la skatait.
Hammerhead
Marque Hosoi Skates
Pro model Christian Hosoi
Designer Christian Hosoi (shape + gráfico)
Ce n'est pas seulement un graphic : c'est une shape inventée POUR un graphic. Nose allongé façon requin-marteau, profil unique, sans concave. Conçue pour les Christ Air et Rocket Air qu'Hosoi inventait. En 2016, elle a intégré les collections du Smithsonian.
Pourquoi c'est important Quand la forme de la planche a suivi l'art et non l'inverse. A marqué la disruption shape-driven de l'ère 80s.
Ce qui est le plus curieux avec le Hammerhead, c’est qu’il n’est pas uniquement associé à son graphique. Il est aussi mémorable pour sa forme. À une époque où la plupart des planches suivaient des modèles relativement similaires, Hosoi a décidé de concevoir une silhouette qui semblait venue d’une autre planète. Le résultat est l’une des shapes les plus reconnaissables de toute l’histoire du skate.
Pendant qu’Hosoi révolutionnait le design depuis la figure du rider, Sims continuait de représenter une génération antérieure. La compagnie fondée par Tom Sims était l’une des grandes pionnières du skate moderne et a contribué à relier les années soixante-dix à l’explosion créative des années quatre-vingt. Parmi tous les graphiques de cette époque, peu ont aussi bien vieilli que le Pirate de Kevin Staab.
Kevin Staab Pirate
Marque Sims
Pro model Kevin Staab
Designer Equipo de arte de Sims
Sims, la marque de Tom Sims (pionnier également du snowboard), fut l'une des grandes des années 70-80. Le Pirate de Kevin Staab — crâne de pirate du vert — reste l'un des graphics les plus reconnaissables de la marque à la fin des années 80.
Pourquoi c'est important Sims est l'une des marques fondatrices du skate ; le Pirate est une pièce de collection du vert eighties et le souvenir d'une époque où les grandes marques n'étaient pas encore skater-owned.
À la fin des années quatre-vingt, l’art dans le skate ne répondait plus à une seule formule.
Il y avait de la place pour les compositions héraldiques de Powell, pour les monstres fluorescents de Santa Cruz, pour le horror punk de Pushead, pour les expérimentations de Hosoi ou pour les propositions de marques historiques comme Sims.
La planche était définitivement devenue un support artistique.
Et le plus intéressant était encore à venir.
Parce que pendant que le vert dominait les couvertures de magazines et les grandes compétitions, une nouvelle génération de skateurs commençait à changer les règles du jeu depuis les rues, les bords de trottoir et les rampes.
Avec eux arriveraient de nouvelles marques, de nouveaux artistes et une façon radicalement différente de concevoir le design d’une planche.
Les années quatre-vingt-dix allaient bientôt commencer.
1985-1991 — Vision, Gonzales, Lucero et la naissance du rider-artiste
À la fin des années quatre-vingt a commencé à se produire un changement qui allait bien au-delà des tricks ou des compétitions.
Jusqu’alors, la plupart des graphiques naissaient de la collaboration entre une marque et un artiste sous contrat. Le rider pouvait apporter des idées, suggérer des concepts ou participer à certaines décisions, mais le résultat final restait généralement entre les mains d’illustrateurs professionnels.
Ça a commencé à changer quand une nouvelle génération de skateurs a décidé d’intervenir directement dans le processus créatif.
Et personne ne symbolise mieux ce changement que Mark Gonzales.
L’influence de Gonzales sur le skate se mesure habituellement en tricks, en vidéos ou en spots de street, mais son impact visuel est tout aussi important. Il a été l’un des premiers pros à concevoir la planche comme un espace d’expression artistique personnelle et a ouvert la voie à des dizaines de riders qui allaient suivre.
Ce qui nous paraît normal aujourd’hui — qu’un skateur dessine, peigne ou conçoive ses propres graphiques — était quelque chose d’assez inhabituel à l’époque.
À partir d’ici, l’histoire de l’art dans le skate cesse d’être dominée exclusivement par de grands illustrateurs et commence à se mêler aux idées, obsessions et dessins des riders eux-mêmes. La transition vers les années quatre-vingt-dix était déjà en marche.
Vision Skateboards était l’une des marques dominantes du street américain de la fin des années 80. Son Psycho Stick (modèle d’équipe) et la marque dérivée Vision Street Wear ont contribué à faire sortir le langage skate du contexte sportif pour l’amener dans la mode urbaine.
Psycho Stick (Vision, team series)
Marque Vision
Pro model (graphic d'équipe)
Designer Equipo de arte de Vision
Le Psycho Stick fut le graphic d'équipe de Vision : une figure punk-cartoon qui devint l'une des boards les plus vendues des années 80. Ce n'était pas un pro model — c'était LA board Vision que tout le monde avait.
Pourquoi c'est important Cas précoce du graphic de marque qui surpasse le pro model : la board qui définit une entreprise entière et se vend massivement, avant que World industrialise cette idée.
Vision Street Wear
Marque Vision Street Wear
Pro model (marque de vêtements et chaussures)
Designer Vision (Brad Dorfman)
Vers 1986, Vision lance Vision Street Wear, sa branche vêtements et chaussures. Le wordmark en bloc quitte les skateparks pour envahir la mode de rue des années 80 et se retrouve même sur des gens qui n'avaient jamais posé un pied sur une board.
Pourquoi c'est important L'un des premiers cas d'une marque de skate devenue phénomène de mode. Il anticipe le skate comme industrie lifestyle que Supreme et consorts exploiteraient des décennies plus tard.
Gonz / Profile (1985)
Gonz / Profile (premier pro model de street)
Marque Vision
Pro model Mark Gonzales
Designer Mark Gonzales
Au milieu des années 80, Mark Gonzales a sorti son pro model chez Vision. Il est souvent cité comme le premier pro model de street de l'histoire : la reconnaissance que le skater de rue — et pas seulement celui du vert — pouvait avoir son propre deck à son nom.
Pourquoi c'est important Marque le moment où l'industrie accepte le street comme discipline avec ses propres stars. Gonz allait par ailleurs ouvrir la voie au deck dessiné par le skater lui-même.
Behind Bars (1986)
Behind Bars
Marque Schmitt Stix
Pro model John Lucero
Designer John Lucero
Premier graphic de Lucero pour Schmitt Stix après avoir quitté Madrid. 'Il s'est vendu en son premier mois plus que Schmitt Stix durant toute sa première année'. Viendrait ensuite la mythique série Jester.
Pourquoi c'est important Lucero a codifié le style rider-comme-artiste que Mark Gonzales développait en parallèle. Il fondera ensuite Black Label.
Coffee Break (1987)
Coffee Break
Marque G&S (Gordon & Smith)
Pro model Neil Blender
Designer Neil Blender
Neil Blender n'était pas seulement skater : il dessinait. Pour son pro model chez G&S, il contourne le bestiaire de crânes et de dragons et dessine lui-même un personnage en train de boire un café. Humour sec, trait personnel, zéro épique.
Pourquoi c'est important L'un des premiers graphics pro réalisés à la main par le skater lui-même. A ouvert la voie au deck comme œuvre d'auteur : la ligne que suivraient Gonz, et deux décennies plus tard Fucking Awesome, Polar ou Magenta.
Gator (1986)
Gator
Marque Vision Sports
Pro model Mark 'Gator' Rogowski
Designer Greg Evans
Premier pro deck de Vision Sports pour Mark "Gator" Rogowski. Durant la seconde moitié des années 80, c'était l'une des planches les plus vendues du catalogue Vision, et Rogowski l'une des grandes stars du vert. Tout a basculé après sa condamnation pour le meurtre de Jessica Bergsten en 1991 (il purge une peine de prison à vie avec possibilité de liberté conditionnelle au bout de 31 ans) ; Vision a retiré le modèle du catalogue après le procès en 1992.
Pourquoi c'est important Cas d'école sur l'héritage d'un graphic quand le rider s'effondre moralement. Vision a retiré l'ensemble des produits Gator après la condamnation en 1992.
Natas Kaupas chez SMA
SMA Panther
Marque Santa Monica Airlines (SMA)
Pro model Natas Kaupas
Designer Kevin Ancell
Premier pro model de Natas Kaupas chez SMA (Santa Monica Airlines), lancé en 1985 quand Natas avait 15 ans. Il était apparu en couverture de Thrasher en septembre 1984 avec un wallride, ce qui a contribué à lancer le modèle à sa sortie. Le dessin original est de Kevin Ancell ; des versions ultérieures ont été réinterprétées par Buchinsky, Jim Phillips, Wes Humpston et Forbes. En 1986, SMA a confié la fabrication et la distribution à Santa Cruz. La panthère s'est vendue comme peu de planches de la décennie.
Pourquoi c'est important Icône du street originel. Natas et Gonzales allaient inventer le handrail-skating à peine un an plus tard (1986), et le pro model de Natas chez SMA est resté associé à ce basculement de paradigme du vert vers la rue.
Quand la décennie s’est terminée, le skate changeait à une vitesse difficile à imaginer quelques années plus tôt.
Les grandes rampes commençaient à perdre de leur importance. La rue gagnait du terrain. Les vidéos remplaçaient peu à peu les compétitions comme principal moteur culturel.
Et une nouvelle génération de marques était sur le point de saisir ce changement.
La plus importante s’appelait World Industries.
Regarde qui mène la course
93 designs au catalogue classés par votes réels. Chaque "j'aime" fait bouger le classement.
Voir le classement complet →- 1 Flaming Dagger 3
- 2 Iron Cross / Screaming Chicken Skull 2
- 3 Nordic Skull 2
1989-1993 — World Industries, Blind et la révolution de Steve Rocco
Si Powell-Peralta a contribué à professionnaliser le skate et Santa Cruz a construit certaines de ses icônes visuelles les plus reconnaissables, World Industries est arrivée pour faire exploser les règles.
À la fin des années quatre-vingt, le skate traversait une période compliquée. L’industrie se contractait, beaucoup de parcs fermaient et l’intérêt général semblait très loin des niveaux atteints pendant la première moitié de la décennie. Pendant que certaines marques tentaient de résister en maintenant les modèles traditionnels, Steve Rocco a décidé de faire exactement le contraire.
Sa proposition était plus irrévérencieuse, plus provocatrice et bien moins respectueuse des règles non écrites de l’industrie.
Rocco a compris quelque chose que d’autres ne voyaient pas encore : la nouvelle génération de skateurs ne s’identifiait plus aux héros du vert ni aux discours corporatifs des grandes marques. Le centre de gravité du skate se déplaçait vers la rue et avait besoin d’un langage visuel différent.
Pour le construire, il a réuni certains des artistes les plus influents des années quatre-vingt-dix, notamment Marc McKee et Sean Cliver. Ensemble, ils ont développé une esthétique chargée d’humour absurde, de satire, de personnages de dessins animés, de références culturelles et de provocations qui généraient autant de critiques que de ventes.
Ce qui était de mauvais goût pour certains était exactement ce dont le skate avait besoin pour d’autres.
Peu de marques ont été aussi clivantes. Et peu ont laissé une empreinte aussi profonde.
Une grande partie de l’identité de World Industries s’est construite autour de la provocation. Steve Rocco a transformé les parodies, les campagnes agressives et les attaques directes contre des concurrents comme Powell-Peralta en outil marketing, générant certaines des polémiques les plus mémorables de l’histoire du skate. Beaucoup de graphiques de World n’étaient pas de simples illustrations : c’étaient des armes dans une guerre culturelle entre générations du skate.
Devilman / Flameboy / Wet Willy
Devilman / Flameboy / Wet Willy
Marque World Industries
Pro model (mascottes de marque)
Designer Marc McKee
Trois créatures-mascottes. Devilman en premier, Flameboy en sidekick (idée de Rocco), Wet Willy complétant le trio (idée de JT : 'une goutte d'eau pour accompagner la flamme'). Ils ont fonctionné comme les Mickey de World — la machine à merchandising qui a financé toute la marque.
Pourquoi c'est important Ils ont démontré que des mascottes pouvaient soutenir une marque de skate commercialement au niveau de Disney.
Flameboy vs Wet Willy (phénomène culturel)
Marque World Industries
Pro model (mascots)
Designer Marc McKee
Marc McKee créa Flameboy (la créature rouge à tête enflammée) et Wet Willy (la goutte d'eau anthropomorphique) comme mascottes de World Industries au début des années 90. La rivalité entre les deux, développée comme un gag continu sur des boards, des vêtements, des stickers et des publicités, finit par devenir l'un des phénomènes visuels les plus forts du skate de la décennie. Ils apparurent également dans des jeux vidéo — notamment la série Tony Hawk's Pro Skater — et dans un merchandising massif, au sein et au-delà du milieu.
Pourquoi c'est important Pour toute une génération d'enfants des années 90, Flameboy vs Wet Willy furent littéralement les mascottes du skate. Leur impact sur la culture visuelle du skate des nineties est comparable à celui du Ripper de Powell pour les années 80, mais par la voie du comic plutôt que de l'héraldique.
Napping Negro
Napping Negro
Marque World Industries
Pro model Jovontae Turner
Designer Marc McKee, sobre concepto de Jovontae Turner
TURNER (skater afro-américain) a demandé à McKee du 'old school black slavery stuff' comme satire de la nostalgie raciste blanche. Iconographie Jim Crow vintage. Fait partie d'une série avec 'Jovontae at Night' et 'Runaway Slave'. McKee la décrit comme une satire des blancs nostalgiques du passé.
Pourquoi c'est important Cas d'étude sur qui contrôle le récit racial quand le concept vient du skater noir lui-même. Le débat autour de la pièce reste ouvert trois décennies plus tard, et le modèle se cote haut sur le marché du collectionnisme skate classique.
Reaper Logo
Reaper logo
Marque Blind Skateboards
Pro model (logo de marque)
Designer Mark Gonzales (él mismo)
Quand Gonzales a quitté Vision en 1989 pour co-fonder Blind avec Steve Rocco (le nom était une pique contre Vision), il a lui-même dessiné le logo du Reaper stylisé. Il est toujours d'actualité aujourd'hui.
Pourquoi c'est important Gonzales codifiant que le fondateur + rider peut AUSSI être le designer. Modèle pour tout ce qui allait suivre.
Panther (101)
Panther (101)
Marque 101 Skateboards
Pro model Natas Kaupas
Designer Marc McKee
Réinterprétation du SMA Panther de 1984 quand Natas a quitté SMA et co-fondé 101 sous World. 101 a été un laboratoire du street pur : Koston, Gino, Dill, Markovich sont tous passés par là.
Pourquoi c'est important Continuité de l'icône Natas dans la nouvelle économie street.
Dodo
Dodo
Marque Blind Skateboards
Pro model Jason Lee
Designer Marc McKee
Conçu à l'origine pour Danny Way (alors chez Blind) comme une pique voilée contre Tony Hawk — le 'petit oiseau' en voie d'extinction. Jugé trop personnel, et quand Danny a sauté chez Plan B, le graphic a atterri sur Jason Lee.
Pourquoi c'est important Anecdote parfaite de la dynamique inter-marques des années 90 : des graphics réécrits selon qui est où.
Au début des années quatre-vingt-dix, l’art du skate avait totalement changé par rapport à la décennie précédente.
Les grandes illustrations épiques existaient toujours, mais partageaient désormais l’espace avec des satires, des personnages absurdes, des références culturelles, de l’humour noir et des messages cherchant à provoquer une réaction immédiate.
C’était une esthétique plus urbaine, plus chaotique et, dans beaucoup de cas, plus proche de la génération qui redéfinissait le skate depuis les places, les bords de trottoir et les rampes.
La prochaine révolution ne viendrait cependant pas d’une marque ni d’un artiste précis.
Elle viendrait d’une idée.
L’idée que le skate pouvait être un projet profondément personnel.
Et personne n’a mieux incarné cette philosophie que Ed Templeton, Toy Machine et la génération qui a achevé de consolider le street moderne.
1988-1995 — H-Street, Plan B, Toy Machine, Real et Anti-Hero
Si World Industries a représenté la révolution culturelle du début des années quatre-vingt-dix, H-Street et Plan B ont contribué à définir la révolution technique.
Durant les années quatre-vingt, l’image la plus répandue du skate restait celle du rider volant au-dessus d’une rampe géante ou réalisant des tricks impossibles dans une piscine vide. Mais dans les rues de Californie, quelque chose de différent se passait.
Les rampes, les bancs, les gaps et les bordures commençaient à devenir les nouveaux terrains de jeu. Le street skating cessait d’être une discipline secondaire pour devenir le centre de la conversation.
Peu de personnes ont eu plus d’influence dans ce changement que Mike Ternasky. D’abord chez H-Street puis chez Plan B, Ternasky a contribué à réunir certains des skateurs les plus innovants de l’époque et a compris avant presque tout le monde vers où se dirigeait l’avenir du skate.
Les graphiques aussi commençaient à changer. Les planches étaient plus étroites, les formes évoluaient et les nouvelles générations cherchaient une esthétique différente de celle des grands héros du vert.
Matt Hensley — Street Swinger
Matt Hensley — Street Swinger
Marque H-Street
Pro model Matt Hensley
Designer Equipo de arte de H-Street
H-Street (Tony Magnusson et Mike Ternasky, 1986) et son rider star Matt Hensley ont défini le street de la fin des années 80 avec les vidéos Shackle Me Not (1988) et Hokus Pokus (1989). Le Street Swinger de Hensley est le graphic-icône de cette époque : boards plus fines et moins chères, conçues pour la rue.
Pourquoi c'est important Le pont entre le vert et le street moderne. Ternasky emporterait cet ADN chez Plan B peu après. Les boards H-Street de l'ère Hensley sont le graal de cette période de transition.
Pendant que H-Street et Plan B poussaient les limites techniques du street, d’autres skateurs commençaient à utiliser les marques comme projets profondément personnels.
Personne ne représente mieux cette idée que Ed Templeton.
Sect / Transistor Sect
Sect / Transistor Sect
Marque Toy Machine
Pro model (logo de marque + team models)
Designer Ed Templeton
L'œil unique, monstre abstrait. Templeton a fondé Toy Machine en 1993 (pas 1994) avec le soutien de Tod Swank/Tum Yeto. Il dessine TOUS les graphics lui-même, inspiré par Mark Gonzales chez Vision/Blind.
Pourquoi c'est important Templeton a établi la marque comme projet artistique personnel. Il est aujourd'hui artiste contemporain exposé en galerie.
Toy Machine Monster
Toy Machine Monster
Marque Toy Machine
Designer Ed Templeton
Le Monster apparaît dans le catalogue Toy Machine au milieu des années 90, dessiné par Ed Templeton. La créature — un cyclope rouge avec un unique œil énorme, des dents de travers et un corps de poupée cassée — est devenue la mascotte informelle de la marque et apparaît depuis lors sur les boards, les vêtements, les stickers et les vidéos. Templeton l'a dessiné avec le trait délibérément naïf qui allait finir par définir le langage visuel complet de Toy Machine.
Pourquoi c'est important Probablement le graphic le plus reconnaissable de Toy Machine, au-dessus même du Sect logo. L'iconographie du cyclope a marqué l'esthétique du street européen et américain de la fin des années 90 et a influencé des marques ultérieures qui ont adopté des mascottes non-humaines comme vecteur d'identité.
Même si le Monster a fini par devenir la mascotte la plus reconnaissable de Toy Machine, l’univers visuel d’Ed Templeton était rempli de personnages récurrents qui apparaissaient constamment sur des planches, des t-shirts, des autocollants et des vidéos. Parmi tous, peu ont atteint la popularité du Devil Cat.
Toy Machine Devil Cat
Toy Machine Devil Cat
Marque Toy Machine
Pro model (team series)
Designer Ed Templeton
Le Devil Cat est apparu à la fin des années quatre-vingt-dix comme l'une des nombreuses créatures imaginées par Ed Templeton pour élargir l'univers visuel de Toy Machine. Avec ses cornes, son sourire de travers et son aspect délibérément enfantin, le personnage condensait parfaitement le style graphique de Templeton : des dessins en apparence simples, exécutés avec un trait spontané et chargés de personnalité. Contrairement aux monstres agressifs qui dominaient une grande partie du skate de l'époque, le Devil Cat dégageait un mélange étrange d'humour, d'étrangeté et de sympathie qui a fini par toucher plusieurs générations de skaters. Au fil des années, il est devenu l'un des personnages les plus utilisés par la marque et continue d'apparaître régulièrement sur des decks, des vêtements et des collaborations spéciales.
Pourquoi c'est important C'est l'une des mascottes les plus reconnaissables du skate moderne et l'une des meilleures représentations du langage visuel unique créé par Ed Templeton pour Toy Machine.
Pendant qu’Ed Templeton développait chez Toy Machine un univers peuplé de monstres, de créatures impossibles et de dessins délibérément enfantins, un autre skateur explorait un territoire visuel complètement différent. Jeremy Klein a trouvé son inspiration dans une source que pratiquement personne dans l’industrie du skate n’observait à ce moment-là : le manga et l’animation japonaise. Ce qui a commencé comme une obsession personnelle a fini par devenir l’une des identités visuelles les plus reconnaissables et controversées de la fin des années quatre-vingt-dix.
Hook-Ups Anime Girl
Hook-Ups Anime Girl
Marque Hook-Ups
Pro model (team series)
Designer Jeremy Klein
Après avoir quitté World Industries, Jeremy Klein a fondé Hook-Ups en 1994 et commencé à construire une identité visuelle radicalement différente de toutes les autres marques de skate de l'époque. Fasciné par le manga, l'anime, la science-fiction japonaise et la culture otaku bien avant que ces phénomènes ne se popularisent en Occident, il a rempli ses boards de personnages féminins inspirés de l'animation japonaise, de robots, d'aliens et de références constantes à la pop culture asiatique. Les Anime Girls sont rapidement devenues l'image la plus reconnaissable de Hook-Ups. Pour certains, elles étaient provocatrices. Pour d'autres, simplement différentes. Ce qui est certain, c'est que pendant des années, personne dans le skate ne ressemblait à Jeremy Klein.
Pourquoi c'est important A introduit l'esthétique anime dans le skate occidental des décennies avant qu'elle ne devienne mainstream. Son influence reste visible dans les marques, illustrateurs et designers qui mélangent culture japonaise, streetwear et skateboarding.
Au fur et à mesure que Hook-Ups grandissait, Jeremy Klein a élargi son imaginaire bien au-delà des premières protagonistes manga.
Hook-Ups Nurse Series
Hook-Ups Nurse Series
Marque Hook-Ups
Pro model (team series)
Designer Jeremy Klein
Les Nurse Series représentent l'une des périodes les plus mémorables de Hook-Ups. Des infirmières futuristes, des androïdes, des références à l'anime de science-fiction et une esthétique inspirée des mangas cyberpunk ont définitivement consolidé l'identité visuelle de la marque. Les boards sont devenues de véritables objets de culte dans le collectionnisme skate de la fin des années 90.
Pourquoi c'est important L'une des séries les plus reconnaissables de Jeremy Klein, qui a définitivement ancré la relation entre culture anime et skateboarding.
Au début des années quatre-vingt-dix ont également commencé à apparaître des compagnies représentant une vision plus indépendante et moins spectaculaire du skate. San Francisco est devenu l’un des grands centres créatifs de ce nouveau courant.
L’une des premières voix de ce courant était John Lucero, qui après avoir quitté Schmitt Stix a fondé Black Label vers 1989 et a commencé à développer son propre univers visuel.
Black Label Jester
Black Label Jester
Marque Black Label Skateboards
Pro model (logo de marque)
Designer John Lucero
Fondée par John Lucero après avoir quitté Schmitt Stix, Black Label est née comme une déclaration d'indépendance créative. Son personnage le plus connu fut le Jester, un bouffon à l'aspect inquiétant qui condensait parfaitement la philosophie de la marque : irrévérence, culture punk, attitude DIY et rejet total des tendances dominantes. Pendant des décennies, le Jester est apparu dans d'innombrables versions, devenant l'une des images les plus reconnaissables du skate indépendant américain.
Pourquoi c'est important L'un des personnages les plus durables de toute l'histoire du skate et l'un des symboles les plus clairs du mouvement DIY qui a contribué à définir les années 90.
Si le Jester représentait le côté le plus irrévérencieux et provocateur de Black Label, l’image suivante est devenue quelque chose de bien plus proche d’un manifeste. Une simple béquille s’est transformée en l’un des symboles les plus reconnaissables du skate indépendant américain.
Black Label Crutch
Black Label Crutch
Marque Black Label Skateboards
Pro model (logo de marque)
Designer John Lucero
La Crutch — la béquille rouge caractéristique de Black Label — est apparue dès les premières années de la marque et s'est rapidement imposée comme l'un de ses symboles les plus reconnaissables. Son design minimaliste contrastait avec les personnages et les illustrations complexes qui dominaient une grande partie du skate de l'époque, mais c'est précisément cette simplicité qui fit sa force. Avec le temps, la béquille a acquis une signification presque symbolique au sein de la communauté skate. Blessures, chutes, cicatrices et la détermination de continuer à skater malgré tout se trouvaient résumées en une seule image. Des décennies plus tard, elle reste l'un des éléments visuels les plus associés à la marque fondée par John Lucero.
Pourquoi c'est important C'est l'un des symboles les plus originaux de toute l'histoire du skate et une représentation parfaite de la philosophie DIY, résistante et indépendante qui a caractérisé Black Label depuis ses débuts.
Hanging Klansman
Hanging Klansman
Marque Real / Deluxe
Pro model Jim Thiebaud
Designer Jim Thiebaud (concepto) + Natas Kaupas (dibujo a línea)
Premier pro model de Jim Thiebaud chez Real Skateboards (marque qu'il cofonde avec Tommy Guerrero chez Deluxe vers 1990). Le concept était de Thiebaud : une figure encapuchée du Ku Klux Klan pendue à une corde, en lien avec le regain des marches du KKK au début des années 90 aux États-Unis. Le dessin au trait final a été réalisé par Natas Kaupas en cadeau à Thiebaud. Sans précédent sur une board par sa charge politique frontale.
Pourquoi c'est important L'un des graphics politiques les plus importants de l'histoire du skate. Il a démontré que la board pouvait être un manifeste antiraciste — pas seulement une provocation commerciale — et continue d'être réédité depuis lors. Il fait partie de la collection permanente du Smithsonian National Museum of American History.
Anti-Hero Pigeon
Anti-Hero Pigeon
Marque Anti-Hero Skateboards
Designer Todd Francis
Avant l'Eagle, Todd Francis a dessiné le pigeon urbain comme motif récurrent pour Anti-Hero dans les premières années de la marque (fondée en 1995 au sein du groupe Deluxe à San Francisco). Le pigeon — rat ailé, animal de rue par excellence — cadrait avec la posture anti-glamour d'Anti-Hero et est devenu une image complémentaire à l'Eagle à partir de 1996.
Pourquoi c'est important Pour comprendre le langage visuel de Todd Francis, il faut passer par la Pigeon avant l'Eagle. Le pigeon a établi le ton éditorial de la marque — acide, urbain, anti-corporatif — qui s'est maintenu dans tout ce qui a suivi et qui est la marque de fabrique d'Anti-Hero jusqu'à aujourd'hui.
Anti-Hero Eagle
Anti-Hero Eagle
Marque Anti-Hero
Pro model (logo de marque)
Designer Todd Francis
Francis a rejoint Deluxe en 1996. Son premier travail : une colombe 'sur laquelle la vie a renversé un seau d'huile'. Il a ensuite dessiné l'aigle féroce, qui a remplacé la colombe et est devenu le logo principal. Esthétique caricature politique américaine, anti-corporative.
Pourquoi c'est important Anti-patriotisme patriotique : utilise l'aigle américain mais le rend agressif, contraculturel. Symbole de Deluxe SF et de l'aile punk du skate. Complex l'a inclus dans les 50 Greatest Skate Logos.
Au milieu des années quatre-vingt-dix, le street était déjà le langage dominant du skate.
Les grandes rampes existaient toujours, mais la culture se construisait dans les rues, dans les vidéos et dans les nouvelles marques qui apparaissaient constamment. Les graphiques aussi changeaient. Les illustrations épiques des années quatre-vingt coexistaient désormais avec des propositions bien plus minimalistes, personnelles et conceptuelles.
La prochaine grande transformation viendrait de Girl, Chocolate et Crailtap, des marques qui allaient démontrer qu’une planche n’avait pas besoin de monstres, de crânes ou de provocations pour devenir une icône.
1993-2000 — Girl, Chocolate et la naissance du skate moderne
Au milieu des années quatre-vingt-dix, le skate avait complètement changé.
L’esthétique exagérée des années quatre-vingt coexistait avec la provocation de World Industries, mais une troisième voie commençait à émerger. Plus propre. Plus graphique. Plus proche du design contemporain que des monstres, des crânes ou des dessins animés.
Une grande partie de cette transformation est née autour d’une petite marque fondée par Rick Howard et Mike Carroll en 1993. Elle s’appelait Girl. Et son influence serait finalement immense.
Contrairement à beaucoup de compagnies précédentes, Girl n’a pas essayé de construire un univers visuel basé sur des créatures, des personnages ou des récits complexes. Son pari était bien plus simple : créer une identité graphique claire, cohérente et reconnaissable.
Pour y parvenir, ils ont fait appel à Andy Jenkins, l’une des figures les plus importantes de l’histoire visuelle du skate et probablement l’un des designers les plus influents des trente dernières années.
Ce qui s’est passé ensuite a changé pour toujours l’esthétique du skateboard.
Girl Logo (Skater Silhouette)
Girl logo (skater silhouette)
Marque Girl Skateboards
Pro model (logo de marque)
Designer Andy Jenkins
Silhouette type pictogramme de toilettes féminines. Rick Howard et Mike Carroll ont fondé Girl Skateboards en août 1993, après avoir quitté Plan B en raison des pressions que l'industrie exerçait sur les carrières professionnelles des riders. Le nom est venu d'une blague : quelqu'un a dit que Howard "skates like a girl" et ils se le sont approprié. (Mike Ternasky, mentor de Carroll et Howard chez Plan B, est décédé le 17 mai 1994, près d'un an après la fondation de Girl.)
Pourquoi c'est important Réponse clean/pop au baroque provocateur de World. Esthétique suisse-minimaliste en skate. Andy Jenkins a fondé Art Dump, le collectif créatif du distributeur Crailtap.
Girl OG Series
Girl OG Series
Marque Girl Skateboards
Pro model (team series)
Designer Andy Jenkins
Premières séries de boards de Girl Skateboards lancées après la fondation de la marque en 1993 par Rick Howard et Mike Carroll. La direction artistique d'Andy Jenkins — ancien directeur artistique de BMX Action — misait dès le départ sur la simplicité, l'équilibre compositionnel et le design typographique, en contraste délibéré avec la saturation graphique dominante dans une grande partie du catalogue skate des années 90. Les premières boards arboraient la silhouette féminine pictogramme comme élément central, avec des compositions épurées proches de l'affiche commerciale.
Pourquoi c'est important Elles marquèrent le début d'une nouvelle façon de concevoir le design graphique dans le skateboarding. L'esthétique Girl — minimalisme, typographie claire, référence au design contemporain et au langage urbain — influa directement sur une grande partie du catalogue skate postérieur à 1995 et reste la marque de fabrique de toute l'opération Crailtap (Girl, Chocolate, Lakai, Royal, Fourstar).
Girl Mouse Series
Girl Mouse Series
Marque Girl Skateboards
Pro model (team series)
Designer Andy Jenkins / Eric McKinley
Série de boards Girl avec une souris anthropomorphique comme personnage récurrent, lancée au milieu des années 90. Face au minimalisme du logo silhouette, la Mouse Series démontra que la marque pouvait développer ses propres personnages sans perdre son identité. Le ton décontracté de la souris — avec des variantes jouant sur les poses, les vêtements ou les décors du quotidien — cadrait avec l'esprit Girl et élargi le langage visuel de la marque au-delà du pictogramme féminin.
Pourquoi c'est important L'une des séries les plus mémorables de Girl dans les années 90. Elle illustre comment la marque fut capable d'évoluer visuellement sans perdre sa cohérence esthétique, et inaugure la ligne de « personnages Crailtap » qui continuerait à apparaître dans les catalogues suivants.
Chocolate Big Chunk
Chocolate (logo Big Chunk)
Marque Chocolate
Pro model (logo de marque)
Designer Andy Jenkins
Chocolate est créée en 1994 comme marque sœur de Girl (fondée en 1993 par Rick Howard, Mike Carroll et Spike Jonze). Andy Jenkins, ancien directeur artistique de BMX Action, rejoint la famille Crailtap pour définir le langage visuel des deux marques. Le logotype de Chocolate — typographie et motif de goutte — s'inscrit dans cette ligne plus adulte et minimaliste face aux cartoons agressifs dominants dans la première moitié des années 90.
Pourquoi c'est important Marque clé de l'axe Crailtap aux côtés de Girl. Andy Jenkins a façonné l'esthétique visuelle du skate le plus sobre des années 90 et 2000.
Chocolate City Series
Chocolate City Series
Marque Chocolate Skateboards
Pro model (team series)
Designer Andy Jenkins / Equipo Crailtap
À la fin des années 90, Chocolate commença à explorer une direction visuelle de plus en plus liée à la culture urbaine, à la photographie et à la narration de la ville. La City Series transforma les boards en petites cartes postales de la vie urbaine — architecture, vitrines, coins de rue, portraits de rue — et renforçait le lien entre la marque et le street skating qui définissait l'époque. Chaque artiste du staff visuel apporta des compositions distinctes au sein du même langage.
Pourquoi c'est important L'un des meilleurs exemples de la maturité graphique de Chocolate. Elle contribua à consolider l'identité propre de la marque au sein de l'univers Crailtap, la distinguant du minimalisme plus commercial de Girl et la connectant au langage éditorial-photographique du street skating de la fin des années 90.
Pendant que Girl et Chocolate redéfinissaient le design graphique du street skating, Tony Hawk continuait d’écrire certains des chapitres les plus importants de l’histoire du sport.
Birdhouse Falcon 2
Birdhouse Falcon 2 (900 board)
Marque Birdhouse
Pro model Tony Hawk
Designer Birdhouse in-house
La Birdhouse Falcon 2 que Tony Hawk a utilisée pour réussir le premier 900 documenté de l'histoire, aux X Games de 1999. Adjugée chez Julien's Auctions en septembre 2025 pour 1 152 000 $, doublant l'estimation préalable et établissant le record absolu pour un deck de skate. Une partie des fonds récoltés a été reversée à The Skatepark Project (fondation de Hawk).
Pourquoi c'est important L'objet le plus cher jamais lié au skate. Conjugue donnée historique (le 900), provenance (Hawk) et moment télévisuel massif. A confirmé qu'un deck de skate peut opérer pleinement sur le marché du collectionnisme haut de gamme.
Même si le Falcon est resté associé au moment le plus célèbre de la carrière de Tony Hawk, c’est une image très différente qui a fini par définir l’identité visuelle de Birdhouse.
Tony Hawk Skeleton Bird
Tony Hawk Skeleton Bird
Marque Birdhouse Skateboards
Pro model Tony Hawk
Designer Birdhouse Skateboards
Après avoir quitté Powell-Peralta et fondé Birdhouse aux côtés de Per Welinder, Tony Hawk entamait une nouvelle étape, aussi bien sportive que visuelle. S'il laissait derrière lui une grande partie de l'univers graphique créé par VCJ durant les années quatre-vingt, certains des éléments qui avaient accompagné sa carrière demeuraient intacts : les rapaces, les ailes et l'idée de s'élever au-delà des limites connues. Le Skeleton Bird est devenu l'une des représentations les plus iconiques de cette transition. Le graphic montre le squelette d'un oiseau de proie aux immenses ailes déployées, formées de plumes osseuses acérées — une image qui transmet simultanément vitesse, agressivité et liberté. Le design s'inscrit directement dans la tradition visuelle de Hawk, construite sur plus d'une décennie autour des faucons, des serres et des créatures ailées. Durant les années quatre-vingt-dix et le début des années 2000, le Skeleton Bird est apparu dans différentes versions et rééditions, s'imposant comme l'une des images les plus reconnaissables associées à Tony Hawk en dehors de l'ère Powell-Peralta. Pour beaucoup de skaters, il représente le pont parfait entre l'esthétique classique de la Bones Brigade et la naissance du skate moderne.
Pourquoi c'est important C'est l'un des graphics les plus représentatifs de la période Birdhouse de Tony Hawk et l'une des meilleures évolutions visuelles de l'iconographie qui avait accompagné le skater depuis ses premiers pro models chez Powell-Peralta. Sa silhouette est immédiatement reconnaissable et fait partie de l'imaginaire graphique de l'une des figures les plus importantes de toute l'histoire du skateboarding.
À la fin des années quatre-vingt-dix, le skate était méconnaissable comparé à celui d’une décennie plus tôt.
La rue dominait la conversation. Les vidéos étaient devenues le principal moteur culturel. Et les marques commençaient à comprendre qu’elles pouvaient construire des identités visuelles solides sans forcément recourir aux codes hérités des années quatre-vingt.
Mais la transformation suivante serait encore plus profonde.
Parce qu’à partir des années 2000, la planche allait cesser d’être uniquement un outil pour skater. Elle allait aussi commencer à devenir objet de collection, pièce de design et produit culturel capable de transcender complètement le skateboard lui-même.
2000-2010 — Alien Workshop, Supreme, Baker, Enjoi, Zero, Creature, Foundation, Flip et l’expansion culturelle du skate
À la fin des années quatre-vingt-dix, le skate avait trouvé une stabilité qui semblait impensable quelques années plus tôt.
Les grandes crises des années quatre-vingt étaient derrière lui, le street dominait l’industrie et une nouvelle génération de marques commençait à construire des identités visuelles très différentes les unes des autres.
Il n’existait plus une seule façon de designer une planche.
Certaines compagnies misaient sur l’art conceptuel. D’autres sur l’humour. D’autres sur la provocation. Et certaines ont compris que le graphique pouvait devenir bien plus qu’une image associée au skate. Il pouvait se transformer en objet culturel.
Peu de marques représentent mieux cette diversité que Alien Workshop, Supreme, Baker, Enjoi, Zero, Creature, Foundation et Flip.
Alien Workshop Alien Logo
Alien Workshop (logo)
Marque Alien Workshop
Pro model (logo de marque)
Designer Mike Hill
Alien Workshop est fondé à Dayton (Ohio) en 1990 par Chris Carter, Mike Hill et Neil Blender, avec l'idée que la marque soit dirigée par des artistes et non par des gestionnaires. Le logo — tête extraterrestre de profil — est dessiné par Mike Hill et restera la signature de la marque jusqu'à sa fermeture en 2014, lorsque DC Shoes interrompt l'opération.
Pourquoi c'est important Référence du skate underground des années 90 et 2000, avec un directeur artistique placé au cœur du projet.
Alien Workshop Abduction Series
Alien Workshop Abduction Series
Marque Alien Workshop
Pro model (series)
Designer Mike Hill
Série de pro models conceptuels qu'Alien Workshop produisit à la fin des années 90 autour des OVNIs, des scanners médicaux, des géométries ésotériques et de figures humaines disposées comme sujets d'abduction. Mike Hill dirigeait la ligne depuis Dayton (Ohio), en travaillant avec un vocabulaire sci-fi, une paranoïa conceptuelle et une symbolique New Age. La série a été régulièrement rééditée depuis lors.
Pourquoi c'est important Probablement la série la plus mémorable d'Alien Workshop. Elle a défini l'ADN « arty + paranoïa conceptuelle » qui distinguerait la marque tout au long de son existence (1990-2014) et qui se poursuivrait ensuite chez Quasi Skateboards sous Chad Bowers.
Mais s’il existe une image capable de résumer toute la philosophie d’Alien Workshop en un seul symbole, c’est probablement le Visitor.
Alien Workshop Visitor
Alien Workshop Visitor
Marque Alien Workshop
Pro model (team series)
Designer Mike Hill
Le Visitor est apparu comme une évolution naturelle de l'iconographie extraterrestre qu'Alien Workshop développait depuis le début des années 90. La figure humanoïde à grande tête et traits simplifiés est devenue le personnage le plus associé à la marque et est apparue à répétition sur des boards, des vêtements, des stickers et du matériel promotionnel pendant plus de deux décennies. Son design minimaliste contrastait avec la complexité de nombreuses graphics de l'époque et a contribué à consolider l'identité visuelle unique d'Alien Workshop.
Pourquoi c'est important Probablement le personnage le plus reconnaissable du skate alternatif de la fin des années 90 et du début des années 2000.
Supreme Box Logo Deck
Supreme Box Logo
Marque Supreme
Pro model (logo de marque)
Designer James Jebbia (adaptado de Barbara Kruger)
Boîte rouge avec Futura Heavy Oblique en blanc. Inspiré directement de l'œuvre de Barbara Kruger. Supreme a ouvert sur Lafayette Street, Manhattan, en avril 1994, avec un agencement conçu pour qu'on puisse entrer en skatant. Première collab avec un artiste : Rammellzee (1994). VF a racheté Supreme en 2020 pour 2,1 milliards de dollars ; EssilorLuxottica le rachète en 2024 pour 1,5 milliard.
Pourquoi c'est important A transformé le deck en objet de vente aux enchères. Des sets KAWS x Supreme ont été adjugés pour 55 700 $. Changement de paradigme : skate → streetwear de luxe.
Baker Logo Deck
Baker Logo Deck
Marque Baker Skateboards
Pro model (logo de marque)
Designer Andrew Reynolds y equipo Baker
Au début des années 2000, alors que beaucoup de compagnies continuaient de miser sur des illustrations complexes, Baker a trouvé une grande partie de son identité visuelle dans quelque chose de beaucoup plus simple : son propre nom. Les boards arborant l'énorme wordmark BAKER sont devenues un symbole de toute une génération de street skaters et ont contribué à consolider la marque fondée par Andrew Reynolds en 2000 comme l'une des compagnies les plus influentes de son époque.
Pourquoi c'est important A transformé un simple logo en l'un des symboles les plus reconnaissables du skate des années 2000. A parfaitement capturé l'esprit du street skating du début de la décennie — punk, direct, sans fioritures — et a ouvert la voie à toute la génération de marques skater-owned qui allaient suivre (Deathwish, Shake Junt et compagnie).
Creature Logo
Creature Logo
Marque Creature Skateboards
Pro model (logo de marque)
Designer Equipo Creature / NHS
Le logotype Creature — typographie gothique dense avec le mot CREATURE en majuscules, généralement accompagné du symbole de la croix inversée ou du pentacle — s'inspire directement de l'iconographie heavy metal, de l'horreur classique et de la culture underground. Il a accompagné plusieurs générations de riders depuis le début des années 2000 jusqu'à aujourd'hui et reste l'un des logos les plus reconnaissables du catalogue NHS.
Pourquoi c'est important L'une des identités visuelles les plus solides et les plus cohérentes du skate moderne. Peu de marques ont maintenu un langage graphique aussi constant aussi longtemps sans perdre leur pertinence culturelle.
Element Tree
Element Tree / Triple Eight
Marque Element
Pro model (logo de marque)
Designer Johnny Schillereff
Trois cercles formant un triangle (les quatre éléments : terre, feu, eau, air) + arbre avec racines. Esthétique éco-naturaliste. Element a probablement été la marque commercialement la plus performante de l'ère moderne, jusqu'à sa faillite au sein du groupe Liberated Brands en février 2025.
Pourquoi c'est important Première grande marque skate à s'appuyer sur une iconographie environnementaliste. Incarne l'aile « corporate » du skate des années 2000 — soigné, mainstream, accessible.
Element Section
Element Section
Marque Element Skateboards
Pro model (logo de marque)
Designer Equipo Element
Le Section Logo a simplifié l'identité d'Element en quatre éléments géométriques : arbre, eau, feu et vent. Son design épuré et facilement reproductible a contribué à impulser l'expansion internationale de la marque durant les années 2000.
Pourquoi c'est important Représente la transition du skate vers des identités visuelles de plus en plus proches du branding contemporain.
Flip HKD Logo
Flip HKD Logo
Marque Flip Skateboards
Pro model (logo de marque)
Designer Equipo Flip
Flip Skateboards s'est relancé en 1994 aux États-Unis après les débuts de la marque au Royaume-Uni (Deathbox, fondée par Jeremy Fox et Ian Deacon). Le logotype HKD — typographie épurée avec le sigle intégré dans le wordmark Flip — s'est imposé durant les années 90 et le début des années 2000 comme l'image officielle de la marque. L'âge d'or de Flip coïncide avec un team légendaire : Geoff Rowley, Tom Penny, Arto Saari, Rune Glifberg, Ali Boulala, Bastien Salabanzi, et les vidéos Sorry (2002) et Really Sorry (2003), références absolues du street skating de l'époque.
Pourquoi c'est important L'une des marques les plus influentes de la transition entre les années 90 et les années 2000. Le logo HKD a accompagné l'une des générations les plus mémorables du street skating euro-américain et reste immédiatement reconnaissable pour tout skater qui a vécu cette période.
Enjoi Panda
Enjoi (panda)
Marque Enjoi Skateboards
Pro model (logo de marque)
Designer Marc Johnson / equipo Enjoi
Enjoi a été fondé en 2000 au sein du distributeur Dwindle, avec Rodney Mullen, Marc Johnson et Louie Barletta parmi les visages visibles du projet. La mascotte de la marque — un panda à l'expression gauche — accompagnait le ton humoristique qui distinguait Enjoi du reste du street technique des années 2000.
Pourquoi c'est important Un des logos les plus reconnaissables du skate des années 2000, associé à une marque à la volonté comique explicite.
Zero Single Skull
Zero Single Skull
Marque Zero Skateboards
Pro model (logo de marque)
Designer Jamie Thomas
Jamie Thomas fonda Zero Skateboards en 1996 après son départ de Toy Machine. La calavera Single Skull, dessinée par Thomas lui-même, devint l'emblème central de la marque à partir de la fin des années 90 et domina l'identité visuelle de Zero pendant toute la première moitié des années 2000. Son succès ne s'explique pas uniquement par le design, mais par tout ce que la marque représentait à ce moment-là : street skating poussé à l'extrême, parts en hammers (Misled Youth, 1999 ; Dying to Live, 2002) et une esthétique hardcore directement connectée à la scène punk californienne.
Pourquoi c'est important L'un des icônes visuels les plus reconnaissables de toute une génération de skaters. La calavera Zero apparut sur des boards, des t-shirts, des stickers, des sacs à dos et à peu près toutes les surfaces imaginables durant les premières années 2000, à une échelle comparable au Panda d'Enjoi ou au logo de Baker sur la même période.
Zero Three Skulls
Zero Three Skulls
Marque Zero Skateboards
Pro model (logo de marque)
Designer Jamie Thomas
Variante de la calavera Zero avec l'image triplée en composition horizontale, lancée au début des années 2000. La répétition créait une image encore plus agressive et reconnaissable que la Single Skull originale, et devint l'une des versions les plus populaires de toute l'histoire de la marque. Elle est régulièrement rééditée et figure encore aujourd'hui dans une grande partie du merchandising actuel de Zero.
Pourquoi c'est important Elle représente le moment de la plus grande influence culturelle de Zero dans le street skating. Pour de nombreux skaters ayant grandi dans les années 2000, cette image est aussi identifiable que n'importe quel autre logo de la génération Baker / Deathwish / Toy Machine.
Pendant que Zero représentait le côté le plus agressif et hardcore du street skating des années 2000, d’autres marques exploraient des directions bien plus surréalistes. Aucun artiste ne symbolise mieux cette recherche que Don Pendleton.
Foundation Moon & Star
Foundation Moon & Star
Marque Foundation Skateboards
Pro model (logo de marque)
Designer Foundation Skateboards
La combinaison d'un croissant de lune et d'une étoile est devenue l'une des images les plus reconnaissables de Foundation durant les années quatre-vingt-dix et le début des années 2000. Son design épuré contrastait avec les illustrations complexes qui dominaient une grande partie du marché et a contribué à forger une identité visuelle immédiatement identifiable pour plusieurs générations de skaters. Elle est apparue sur des decks, des t-shirts, des stickers et du matériel promotionnel, accompagnant la montée en puissance de l'une des marques les plus influentes du street skating moderne. Avec le temps, le Moon & Star a fini par fonctionner comme un symbole d'appartenance pour toute une communauté de riders liés à l'univers Foundation.
Pourquoi c'est important C'est l'une des images les plus reconnaissables de Foundation et l'un des symboles les plus durables du street skating de la fin des années quatre-vingt-dix et du début des années 2000. Sa simplicité démontre qu'un graphic n'a pas besoin d'être complexe pour devenir une icône.
Au fur et à mesure que la décennie des années 2000 avançait, les frontières entre skate, design, mode et art commençaient à se brouiller.
Les graphiques ne vivaient plus uniquement dans les skate shops. Ils apparaissaient dans des galeries. Dans des musées. Dans des collections privées. Et dans des collaborations avec des artistes du monde entier.
La prochaine étape de cette histoire serait précisément marquée par ce mélange entre skate et art contemporain.
Et peu de noms sont aussi importants pour la comprendre que Mark Gonzales, Krooked et la génération qui a fait du dessin spontané une forme d’identité visuelle.
2000-2025 — Krooked, DGK, Deathwish et l’ère de l’identité visuelle
Au fil des années 2000, le skate n’était plus uniquement une sous-culture.
Il restait une communauté relativement petite comparée à d’autres sports, mais son influence sur la mode, le design graphique, la photographie et la culture urbaine était de plus en plus grande.
Les marques aussi changeaient. Certaines misaient sur une identité visuelle très soignée et cohérente. D’autres préféraient construire des univers graphiques complets. Et d’autres reflétaient simplement la personnalité de leurs fondateurs.
Peu de compagnies représentent mieux cette dernière idée que Krooked.
Fondée par Mark Gonzales en 2002, la marque a retrouvé quelque chose qui s’était progressivement perdu avec les années : le dessin spontané, imparfait et profondément personnel.
Ça ne semblait pas conçu par un département marketing. Ça semblait dessiné par Gonz. Et c’est précisément là que résidait le sel de la chose.
Pendant que certaines marques misaient sur le minimalisme, d’autres construisaient des identités visuelles profondément connectées à la réalité des quartiers où elles étaient nées. Peu représentent mieux cette idée que DGK.
DGK Money Series
DGK Money Series
Marque DGK
Pro model (team series)
Designer Equipo DGK
DGK — Dirty Ghetto Kids — a été fondée par Stevie Williams à Philadelphie avec l'objectif de représenter une réalité qui apparaissait à peine dans le skate commercial de l'époque. Les Money Series ont utilisé des billets, des symboles de richesse et des références directes à l'ascension sociale comme élément visuel central. La série est rapidement devenue l'une des images les plus reconnaissables du catalogue DGK et a contribué à consolider l'identité de l'une des marques les plus influentes du street skating moderne.
Pourquoi c'est important A élargi la représentation culturelle au sein du skate et construit une identité visuelle indissociable du parcours personnel de Stevie Williams et de la culture urbaine de la côte Est.
Krooked Eyes
Krooked Eyes
Marque Krooked Skateboards
Pro model (motif récurrent)
Designer Mark Gonzales
Deux yeux asymétriques, entre espièglerie et mélancolie. Ils apparaissent sur des hoodies, des casquettes, des boards. Ils incarnent l'humour goofy/absurde de Krooked.
Pourquoi c'est important Deuxième icône Krooked. Modèle de la façon dont une marque peut avoir une identité sans logo formel unique.
Deathwish Gang Logo
Deathwish Gang Logo
Marque Deathwish Skateboards
Pro model (logo de marque)
Designer Equipo Deathwish
Deathwish Skateboards fut fondée en 2008 comme marque sœur de Baker, avec Erik Ellington, Jim Greco et Andrew Reynolds au cœur du projet. Le Gang Logo — typographie gothique avec le mot DEATHWISH et deux mains formant le « gang sign » caractéristique de la marque — devint rapidement l'un des emblèmes les plus reconnaissables de la génération post-Baker.
Pourquoi c'est important Il représente l'évolution naturelle de l'esprit Baker pour la génération suivante : une esthétique plus brute, plus agressive et moins léchée. Il définit tout un courant du skate américain de la fin des années 2000 et des années 2010.
Palace Tri-Ferg
Palace Tri-Ferg
Marque Palace Skateboards
Pro model (logo de marque)
Designer Fergus Purcell
Palace Skateboards fut fondée à Londres en 2009 par Lev Tanju. Le logo — trois triangles formant un triangle plus grand, connu sous le nom de Tri-Ferg — fut dessiné par Fergus Purcell (d'où le nom), artiste londonien avec un long parcours au sein de marques comme Marc Jacobs et Lucien Pellat-Finet. Lancé en 2010, le Tri-Ferg devint rapidement l'un des logos de skate les plus reconnaissables du XXIe siècle et l'un des symboles centraux du streetwear mondial à partir du milieu de la décennie.
Pourquoi c'est important Il démontre à quel point le design graphique du skate a influencé la mode mondiale. Peu de marques de skate ont réussi à franchir aussi clairement la frontière entre skateboarding et culture populaire, avec des collaborations avec Adidas, Reebok, Stella Artois, Polo Ralph Lauren et une demi-douzaine de maisons de luxe.
Polar Stroke Logo
Polar Stroke Logo
Marque Polar Skate Co.
Pro model (logo de marque)
Designer Pontus Alv
Polar Skate Co. fut fondée à Malmö (Suède) en 2011 par Pontus Alv, après plusieurs projets antérieurs — dont la vidéo The Strongest of the Strange. Le stroke logo de la marque, dessiné à la main par Alv avec un trait épais et un aspect délibérément imparfait, se connecte directement au courant naïf ouvert par Mark Gonzales chez Krooked. À une époque dominée par des graphics très élaborés, Polar trouva sa force dans la simplicité.
Pourquoi c'est important Il représente l'influence croissante de l'Europe dans le design graphique du skate moderne. L'esthétique Polar — dessin à la main, palettes réduites, compositions proches de l'affiche underground — a marqué le langage visuel du skate européen des années 2010 et s'est exportée sur le marché américain.
Cliché Hand
Cliché Hand
Marque Cliché Skateboards
Pro model (logo de marque)
Designer Jérémie Daclin / equipo Cliché
Fondée à Lyon, Cliché a contribué à démontrer que l'Europe pouvait développer une identité visuelle entièrement propre au sein du skate. Son symbole caractéristique de la main a accompagné pendant des années certaines des vidéos et des catalogues les plus influents du continent.
Pourquoi c'est important L'un des icônes les plus importants du skate européen et précurseur direct de l'explosion créative qui suivrait avec Magenta et Polar.
Magenta Leaf / M
Marque Magenta Skateboards
Pro model (logo de marque)
Designer Soy Panday
Feuille + « M » au tracé élégant, calligraphique, presque japonais-bandes-dessinées. Fondée en 2010 à Bordeaux par Soy Panday et les frères Feil. Sans intermédiaires : Soy dessine tout, Vivien gère le business, Jean les expéditions.
Pourquoi c'est important Esthétique « living street » européenne. Avec Polar, a redéfini qu'on peut avoir une marque skate sans jamais hausser la voix.
Jart Logo
Jart Logo
Marque Jart Skateboards
Pro model (logo de marque)
Designer Equipo Jart
Fondée au Pays Basque, Jart est devenue l'une des compagnies européennes les plus réussies de l'histoire du skate. Son identité visuelle simple et reconnaissable a accompagné la croissance internationale de la marque durant les années 2000 et 2010, en faisant une référence pour plusieurs générations de skaters européens.
Pourquoi c'est important L'un des symboles les plus reconnaissables du skate européen et la preuve du succès international d'une marque née en Espagne.
Supreme Louis Vuitton Deck (2017)
Supreme x Louis Vuitton Deck
Marque Supreme / Louis Vuitton
Pro model (collection)
Designer Supreme + Louis Vuitton
La collaboration Supreme x Louis Vuitton fut présentée lors de la Fashion Week masculine de Paris, automne-hiver 2017. Une partie du drop comprenait des boards avec le monogramme LV combiné au wordmark rouge Supreme. L'opération marqua le moment où une marque de skate et l'une des maisons de luxe les plus anciennes du monde présentaient ensemble une collection sur le podium. Les prix de revente des boards atteignirent plusieurs milliers de dollars l'unité.
Pourquoi c'est important Il symbolise le moment où le skate intégra le mainstream mondial sans perdre complètement son identité. Il clôt l'arc ouvert par Supreme en 1994 (Box Logo) et confirme que le board de skate s'est imposé comme objet de design, de luxe et de collection, et pas seulement comme équipement sportif.
Toy Machine Charred Cross (2025)
Charred Cross
Marque Toy Machine
Pro model (graphic manifeste)
Designer Ed Templeton
Un membre du KKK encapuchonné, crucifié et en flammes sur une croix gammée brisée. Manifeste antiraciste. A polarisé : applaudi par une grande partie de la communauté, attaqué par des sympathisants du KKK et par des critiques estimant que « le message est juste, mais qu'il ne devrait pas être vendu comme un produit ».
Pourquoi c'est important Toy Machine et Templeton demeurent la conscience politique du skate, plus de 30 ans après.
Logos cross-industry : quand le graphique dépasse la planche
Certains designs du monde du skate ont atteint une présence massive en dehors du sport lui-même, en tant que vêtement de rue ou iconographie jeune. Thrasher Magazine a introduit son wordmark avec flammes et le slogan Skate and Destroy au début des années 80 ; la croix d’Independent Trucks (introduite à la fin des années 70 par NHS) et le bighead de Spitfire Wheels comptent parmi les logos du skate les plus tatoués sur peau jusqu’à aujourd’hui.
Thrasher (logo de flammes / Skate and Destroy)
Marque Thrasher Magazine
Pro model (slogan/identité)
Designer Thrasher / Kevin Thatcher (revista, 1981)
Thrasher est né en 1981 (Kevin Thatcher, Eric Swenson, Fausto Vitello). Le wordmark gothique en flammes et le slogan Skate and Destroy sont devenus l'identité visuelle la plus imitée du skate : de couverture de magazine à patch, tatouage et, des décennies plus tard, t-shirt de défilé.
Pourquoi c'est important Probablement le logo le plus bootlegué de la culture skate. A transcendé le magazine pour devenir symbole d'attitude — et, ironiquement, objet de mode mainstream que Thrasher elle-même a critiqué.
Independent Cross
Marque Independent Truck Company
Pro model (logo de marque)
Designer Jim Phillips
Phillips a dessiné la croix pour Independent (fondée en 1978 par Vitello, Swenson, Novak, Shuirman). Idée originale : une « surfer's cross », variante de la croix de fer allemande par la connexion surf/skate. D'abord rejetée en raison de l'association nazie, Phillips a insisté en citant son usage sous forme de croix par le pape Jean-Paul II. En 2022, la marque a repensé le logo en prenant explicitement ses distances.
Pourquoi c'est important Avec le Spitfire Bighead, le logo le plus tatoué de l'histoire du skate. Son redesign en 2022 a été un événement culturel.
Spitfire Bighead
Marque Spitfire Wheels
Pro model (logo de marque)
Designer Kevin Ancell
Visage stylisé à la tête en flammes, yeux bridés noirs avec éclat blanc, sourire aux dents blanches exagérées, le tout en rouge vif sur fond noir. Apparu pour la première fois dans une pub en mai 1992. Spitfire a été fondée en 1987 par Jim Thiebaud sous Deluxe.
Pourquoi c'est important L'une des images les plus reproduites de l'histoire du skate. Cousue sur des sweats, tatouée, peinte dans des bowls DIY aux quatre coins du monde. Incarne l'énergie DLXSF.
DC Star Logo
Marque DC Shoes
Pro model (logo de marque)
Designer Damon Way / Ken Block (equipo fundador)
Fondée en 1994, DC Shoes est devenue l'une des compagnies les plus visibles de toute l'industrie du skate à la fin des années 90 et au début des années 2000. Son logotype — l'étoile caractéristique accompagnée des lettres DC — est apparu sur des chaussures, des vêtements, des compétitions, des jeux vidéo et des campagnes publicitaires qui ont atteint une audience bien au-delà du skate traditionnel. Pendant plusieurs années, il était pratiquement impossible d'entrer dans un skatepark sans voir le logo DC répété des dizaines de fois.
Pourquoi c'est important Peu de logos skate ont atteint une telle visibilité mondiale durant les années 2000. Il représente le moment où le skateboarding est devenu une industrie internationale de masse.
Etnies "E"
Marque Etnies
Pro model (logo de marque)
Designer Pierre André Sénizergues
La lettre E stylisée caractéristique d'Etnies a accompagné l'expansion mondiale de l'une des compagnies de chaussures les plus importantes de l'histoire du skate. Durant les années 90 et le début des années 2000, elle est apparue sur des millions de paires de chaussures, de t-shirts et de publicités.
Pourquoi c'est important Représente la professionnalisation mondiale de la chaussure skate et l'une des marques les plus influentes de tous les temps.
Classement en direct des plus votés
Regarde qui mène la course
93 designs au catalogue classés par votes réels. Chaque "j'aime" fait bouger le classement.
Voir le classement complet →- 1 Flaming Dagger 3
- 2 Iron Cross / Screaming Chicken Skull 2
- 3 Nordic Skull 2
Cinq designers qui ont défini le langage visuel du skate
Vernon Courtlandt Johnson (VCJ) — designer principal du catalogue Powell-Peralta entre 1978 et 1991. Travaille à l’encre sur papier. A étudié les manuscrits médiévaux enluminés et la symbolologie ésotérique. A quitté Powell en 1991, est revenu en 2011. Vend des prints originaux sur vcjart.com.
Wes Humpston — cofondateur de Dogtown Skates avec Jim Muir. On lui attribue d’avoir été le premier à dessiner à la main sur des planches produites en série, à partir de 1976. Gère Bulldog Skates depuis 1995.
Jim Phillips — directeur artistique de Santa Cruz depuis 1975. Background dans les affiches de rock psychédélique des années 60. Auteur de la Screaming Hand et d’une grande partie du bestiaire de Santa Cruz. Trois ouvrages publiés entre 2003 et 2007. Intronisé au Skateboarding Hall of Fame en 2017. Son fils Jimbo Phillips poursuit l’activité.
Marc McKee — artiste principal de World Industries et Blind dans les années 90. Background en BMX flatland (Skyway). A dessiné les mascottes Devilman, Flameboy et Wet Willy. A publié The Art of Marc McKee en 2011.
Sean Cliver — artiste parallèle à McKee chez World/Blind. A publié en 2004 Disposable: A History of Skateboard Art (Gingko Press), considéré comme l’ouvrage de référence du domaine. A ensuite produit Jackass, Wildboyz et Bad Grandpa avec Jeff Tremaine.
Mark Gonzales — skateur pro depuis 1984 (Vision). Cofondateur de Blind (1989) et Krooked (2002). Transworld Skateboarding l’a nommé skateur le plus influent de l’histoire en 2011. Carrière parallèle en tant qu’artiste contemporain : zines, livres publiés avec Drag City, expositions à Tokyo, San Francisco, New York, Paris et Berlin. Dessine pour Supreme depuis 2011.
Évolution technique de l’impression
La technique d’impression d’un graphique sur une planche incurvée a changé au cours des cinq décennies couvertes par cet article. La ligne du temps suivante résume les grandes étapes :
-
Bois nu + stickers / logo en métal
Planches Logan, Sims, Hobie. Sérigraphie une couleur au max. La planche est un équipement sportif, pas un objet graphique.
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Image transférée à chaud
Se dégradait vite avec l'usage. Powell-Peralta l'utilisa jusqu'au milieu de la décennie avant la sérigraphie stable.
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Sérigraphie 2-4 couleurs spot
Le langage visuel moderne du skate se développe ici. Planches 10+ pouces avec composition full-bottom. Lignes fines et masses noires adaptées à la contrainte technique.
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Sérigraphie full-color
Niveau maximum atteint en sérigraphie sur bois courbé. Coïncide avec la fin de l'ère pré-crash.
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Sérigraphie limitée en format étroit
Les planches s'affinent à 7,5-8 pouces. Les extrémités s'usent à chaque slide, donc les graphiques se centrent et les cartoons remplacent les compositions héraldiques.
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Heat transfer numérique
Permet des images full-color photographiques, mais avec moins de durabilité que la sérigraphie traditionnelle.
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Lithographie + sérigraphie premium + bois alternatifs
Éditions limitées, collaborations avec galeries d'art, bambou et bouleau baltique. La planche entre pleinement sur le marché du collectionnable.
Lectures et sources
- Cliver, Sean. Disposable: A History of Skateboard Art. Gingko Press, 2004.
- Phillips, Jim. The Skateboard Art of Jim Phillips. Schiffer Publishing, 2007.
- McKee, Marc. The Art of Marc McKee. Gingko Press, 2011.
- Interviews de VCJ dans Juice Magazine.
- Couverture éditoriale de Jenkem Magazine et Thrasher pour les périodes postérieures à 2010.
Si tu veux continuer à creuser le sujet, le dictionnaire du skate définit les termes techniques qui apparaissent ici (deck, pro model, slide, popsicle, vert), et l’histoire complète du skate fournit le contexte chronologique de la discipline.
Cette liste n’est pas définitive
À ce stade, il est évident que l’histoire des graphiques de skate n’est pas terminée.
De nouvelles marques, de nouveaux artistes et de nouvelles idées continuent d’apparaître chaque année. Certains disparaîtront avec le temps. D’autres finiront par devenir des classiques. Et il y a fort à parier que dans vingt ans, les débats sur les graphiques actuels seront aussi passionnés que ceux qui existent aujourd’hui autour de Powell, Santa Cruz ou World Industries.
C’est pour ça que cette liste ne pourra jamais être considérée comme définitive. C’est simplement notre sélection de certains des graphiques qu’on préfère, qui nous ont le plus influencés ou qui nous semblent les plus importants dans l’évolution du skateboard.
Maintenant c’est ton tour.
Il manque un incontournable ? Laisse-le dans les commentaires et aide-nous à continuer d’écrire cette histoire.
Commentaires
Quel graphique penses-tu qu'il devrait figurer dans cette liste et n'y est pas ? Une info à corriger ? Dis-le ici. Ton commentaire apparaît instantanément.
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