Falar dos melhores gráficos de skate de todos os tempos é uma missão impossível.
Não por faltarem candidatos, mas por sobrarem.
Cada geração tem os seus favoritos. Alguns lembram-se da primeira vez que viram uma Screaming Hand numa autocolante colada a um poste. Outros cresceram a sonhar com uma Skull and Sword da Powell-Peralta pendurada na parede do quarto. E há quem ainda sinta algo especial ao cruzar-se com uma prancha de Gonzales, Templeton ou Natas Kaupas.
Por isso queremos deixar uma coisa clara desde o início.
Isto não é um ranking definitivo, nem pretende ser uma lista objetiva.
É a nossa seleção de alguns dos gráficos mais importantes, influentes, icónicos ou simplesmente memoráveis que a história do skateboarding produziu.
Revisámos livros, entrevistas, catálogos históricos, revistas como a Thrasher, Juice ou Jenkem e dezenas de fontes especializadas para construir uma linha temporal que explica como uma simples prancha de madeira acabou por se tornar num dos suportes artísticos mais reconhecíveis da cultura popular. Porque o skate fez algo que muito poucos desportos conseguiram. Criou uma linguagem visual própria.
Enquanto outros desportos construíam a sua identidade à volta de equipas, estádios ou equipamentos, o skate transformou a parte inferior de uma prancha num écran. Um espaço onde conviviam arte, música, cultura urbana, humor, provocação, política e personalidade.
Muitas das imagens que aparecem aqui são reconhecíveis mesmo para pessoas que nunca fizeram um ollie. E isso diz muito do seu impacto.
Como funciona esta lista
Cada gráfico inclui um botão de voto para poderes dizer-nos quais achas que merecem estar mais acima. Os resultados atualizam-se em tempo real e alimentam o nosso ranking geral.
Além disso, se quiseres pôr à prova os teus próprios preconceitos de skater, também podes experimentar o nosso bracket: uma eliminatória onde vais colocar designs históricos frente a frente até escolheres o teu campeão pessoal.
Porque uma coisa é certa. Não existe uma resposta correta.
É a Screaming Hand melhor do que o Ripper?
Tem a Dogtown Cross mais importância histórica do que a Skull and Sword?
Pode um logo como o da Girl competir contra uma obra-prima ilustrada de Jim Phillips?
Nós temos a nossa opinião e certamente tens a tua. Precisamente por isso existe este artigo.
Antes de começar…
Há algo importante a ter em conta. Nem todos os gráficos são importantes pelos mesmos motivos. Alguns revolucionaram o design. Outros venderam milhões de pranchas. Alguns definiram uma geração. Outros ajudaram a construir uma marca. E uns poucos conseguiram sair do skate para se tornarem em ícones culturais reconhecíveis em todo o mundo.
Compará-los entre si nem sempre é justo, mas é aí que está parte da graça.
Se sentires falta de algum gráfico que achas que deveria aparecer aqui, deixa-nos nos comentários. Temos a certeza de que faltam alguns e provavelmente nunca vamos parar de adicionar novos candidatos. Porque a história da arte no skate continua a ser escrita todos os dias.
Qual é o melhor gráfico de skate da história? Decides tu
Bracket completo com todos os gráficos do artigo: classificatória curta + 64 limpo até à final. Escolhe um vencedor em cada cruzamento até ao teu campeão.
Começar o bracket →1976-1977 — quando as pranchas começaram a contar histórias
Hoje parece impossível imaginar uma prancha de skate sem um gráfico chamativo.
Mas durante boa parte dos anos sessenta e início dos setenta, as pranchas eram pouco mais do que peças de equipamento desportivo. Um logótipo simples. Uma autocolante. Alguma serigrafia básica. Nada mais. A ideia de que uma prancha podia tornar-se numa obra gráfica simplesmente não existia.
Isso começou a mudar no sul da Califórnia. E, como tantas outras revoluções do skate, começou em Dogtown.
Entre Venice e Santa Monica estava a nascer uma geração de skaters que não se parecia com nenhuma anterior. Andavam de skate em piscinas vazias, ouviam música diferente e tinham uma atitude muito mais próxima do surf underground e do punk do que do desporto tradicional. Precisavam de uma identidade própria. E essa identidade acabou por aparecer também sobre a madeira.
Dogtown Cross
Marca Dogtown Skates
Pro model Team (Tony Alva, Jay Adams, Jim Muir)
Designer Craig Stecyk III (símbolo) + Wes Humpston (deck)
Se existe um ponto de partida para a história da arte gráfica no skate, provavelmente é a Dogtown Cross. O curioso é que nem sequer nasceu como gráfico de skate. Craig Stecyk III, fotógrafo, escritor e uma das figuras intelectuais mais importantes do movimento Zephyr, levava anos a pintar aquela cruz nos muros de Santa Monica como marca territorial. Era um símbolo do bairro. Uma assinatura. Uma mensagem para quem pertencia ao universo Dogtown. Quando Wes Humpston pediu permissão para a utilizar nas tablas de Dogtown Skates (por volta de 1976), Stecyk deu-a. Mas a verdadeira revolução foi Humpston: começou a desenhar à mão diretamente sobre as tablas, algo que hoje parece normal mas em 1976 era uma loucura. Sem Humpston é difícil imaginar o trabalho posterior de Jim Phillips, VCJ ou qualquer outro grande artista do skate.
Porque importa Não por ser o gráfico mais bonito nem o mais vendido, mas por ter sido o primeiro a demonstrar que uma tabla podia transmitir cultura, atitude e pertença. O skate deixava de vender apenas rendimento. Começava a vender identidade. A inovação formal mais importante da história visual do skate.
Alva (logo + fades)
Marca Alva Skates
Pro model Tony Alva
Designer Tony Alva / equipo Alva
Se Dogtown ajudou a criar a identidade visual do skate, Tony Alva ajudou a mudar o modelo de negócio. Z-Boy de Dogtown, fundou a Alva Skates em 1977 e tornou-se no primeiro grande profissional a decidir criar a sua própria marca em vez de patinar para uma empresa de engenheiros. Hoje parece algo normal, mas naquela altura foi uma declaração de independência. O famoso "A" angular da Alva e as tablas tingidas com degradados de cor (os fades) tornaram-se rapidamente numa imagem reconhecível dentro da cena. Não havia monstros. Não havia ilustrações complexas. Não havia narrativas. Só atitude. E funcionou. A marca transmitia exactamente a personalidade de Tony Alva: agressiva, desafiante e completamente afastada da imagem desportiva tradicional.
Porque importa Estabeleceu o precedente da marca gerida pelo próprio skater. Esse modelo — o rider como dono — é o que reproduziriam depois Powell, World Industries, Plan B, Birdhouse, Girl, Baker e praticamente toda a marca skater-owned. A ideia de que um skater podia controlar a sua própria imagem começou aqui.
Vans — Off The Wall
Marca Vans
Pro model (marca de calçado)
Designer Familia Van Doren
Embora tecnicamente não estejamos a falar de um gráfico de tabla, é impossível contar a história visual do skate sem parar um momento em Vans. A Van Doren Rubber Company abriu em Anaheim em 1966 a fabricar ténis de sola de borracha à medida. A meio dos anos setenta os skaters californianos adoptaram a Era e a Authentic por uma razão muito simples: funcionavam melhor do que quase tudo o resto disponível naquela altura, sobretudo pela sola waffle aderente. O que veio a seguir foi inesperado: a sola waffle, o xadrez, o lema Off The Wall, a Sk8-Hi, a Half Cab. Todos esses elementos acabaram por formar um dos sistemas visuais mais reconhecíveis de toda a cultura skate. Hoje podes encontrar uma t-shirt de Vans em qualquer cidade do planeta, mas o seu ADN continua ligado àqueles primeiros skateparks da Califórnia.
Porque importa Ajudou a demonstrar que a estética skate podia transcender o próprio skate. Uma ideia que acabaria por explodir décadas depois com Supreme, Thrasher e boa parte do streetwear moderno. O xadrez e o Off The Wall são dos emblemas mais reconhecíveis da cultura skate, dentro e muito além da tabla.
No final dos anos setenta já estava claro que algo importante estava a acontecer. A prancha estava a deixar de ser simplesmente uma ferramenta para andar de skate. Estava a tornar-se num meio de expressão.
O que ninguém imaginava era o que estava prestes a chegar. Porque em 1978 uma pequena marca chamada Powell-Peralta contratou um ilustrador chamado Vernon Courtlandt Johnson. E a partir desse momento nada voltaria a ser igual.
1978-1989 — Powell-Peralta e a idade de ouro do gráfico de skate
Se há uma marca que mudou para sempre a estética do skateboarding, provavelmente é a Powell-Peralta.
Durante os anos oitenta, a Powell não só reuniu alguns dos skaters mais importantes da história dentro da Bones Brigade. Também ajudou a transformar a prancha em algo mais do que um produto desportivo. Pela primeira vez, os gráficos começavam a ter tanta importância como o próprio rider.
Grande parte dessa transformação passou por Vernon Courtlandt Johnson, mais conhecido como VCJ. O seu trabalho definiu boa parte do imaginário visual do skate clássico: caveiras, dragões, criaturas fantásticas, símbolos medievais e composições que ainda hoje continuam a aparecer em reedições, coleções e paredes de milhares de skaters.
O interessante é que muitos destes designs não funcionavam apenas como ilustrações espetaculares. Também ajudavam a construir a identidade de cada rider. A prancha começava a tornar-se numa extensão da personalidade de quem a usava.
Skull and Sword
Skull and Sword
Marca Powell-Peralta
Pro model Ray 'Bones' Rodriguez
Designer Vernon Courtlandt Johnson (VCJ)
Primeiro pro model signature da Powell-Peralta e uma das primeiras grandes caveiras numa tabla de skate de produção industrial. Lançado em cores Brite-Lite Dayglo. A alcunha "Bones" de Rodriguez veio do próprio gráfico, e o nome Bones Brigade (1979) ficou definitivamente estabelecido na sequência do sucesso comercial do modelo.
Porque importa Estabeleceu o ADN visual da Powell-Peralta para a década seguinte.
Chinese Dragon
Chinese Dragon
Marca Powell-Peralta
Pro model Steve Caballero
Designer VCJ, sobre boceto de Steve Caballero
Cab foi Rookie of the Year em 1980 e recusou a proposta da Powell (skull+propeller), apresentando o seu próprio desenho: um dragão em posição crouching. VCJ finalizou-o. Aguentou 6 anos com alterações mínimas — um recorde.
Porque importa Primeira vez que um rider co-assinou o seu próprio gráfico na Powell. Estabeleceu a ideia de que o deck reflete a personalidade do skater.
Iron Cross / Screaming Chicken Skull
Iron Cross / Screaming Chicken Skull
Marca Powell-Peralta
Pro model Tony Hawk
Designer VCJ
Hawk tinha tido um fracasso comercial com o seu 'Soaring Hawk' (1982). VCJ redesenhou: um crânio híbrido humano/falcão sobre uma cruz de ferro estilo biker. Quando o skate ressurgiu em 1984, este gráfico despegou a par da carreira de Hawk.
Porque importa Um dos gráficos mais reproduzidos da história. Base visual da marca pessoal de Hawk durante 40 anos.
The Ripper
The Ripper
Marca Powell-Peralta
Pro model (brand logo)
Designer VCJ
Desenhado originalmente como sticker 'Bones Sold Here' para lojas. Teve tanto sucesso que migrou para t-shirts, stickers e o seu próprio deck. Uma caveira a rasgar um papel com a sua garra.
Porque importa A par da Screaming Hand, um dos gráficos de skate mais reproduzidos e reconhecidos da história. Provou que uma imagem de marca podia vender mais do que um pro model concreto. Continua em produção mais de quarenta anos após o seu lançamento original.
Winged Ripper
Marca Powell-Peralta
Pro model (team / promocional)
Designer Vernon Courtlandt Johnson (VCJ)
Variação do Ripper (1983) com asas estendidas dos dois lados da caveira. Aparece no catálogo Powell-Peralta de meados e finais dos anos 80 como gráfico promocional e de equipa, e faz parte das reissues recorrentes da marca, incluindo séries modernas dos Bones Brigade.
Porque importa Uma das variantes mais reproduzidas do Ripper original. Expande a linguagem heráldica de VCJ para composições de maior envergadura.
Entre 1983 e o final dos oitenta, a Powell viveu um momento criativo difícil de repetir. Cada temporada apareciam novos gráficos que ampliavam o universo visual da marca e demonstravam que o VCJ era capaz de se adaptar a personalidades muito diferentes sem perder coerência estética.
E dentro desse catálogo há uma peça que merece menção especial: o Mutt / Chess Piece de Rodney Mullen. Não é o gráfico mais espetacular da marca, mas é o pro model de possivelmente o skater mais influente de toda a história, e rompe deliberadamente com a estética dominante da Powell. Essa decisão de se diferenciar, dentro de uma marca com uma linguagem visual tão estabelecida, diz muito até onde chegava a margem criativa naquela época.
Nordic Skull
Nordic Skull
Marca Powell-Peralta
Pro model Per Welinder
Designer VCJ
Caveira fantasy rodeada de runas vikings que soletram o nome de Welinder mais a mensagem: 'Search and strive, push beyond with strength, yours not theirs, that is the key.' Refletia a sua origem sueca.
Porque importa Primeiro gráfico Powell com identidade cultural/étnica integrada. VCJ a canalizar o seu estudo de manuscritos medievais.
Skull and Snake
Skull and Snake
Marca Powell-Peralta
Pro model Mike McGill
Designer VCJ + Mike McGill
Desenhado enquanto McGill aperfeiçoava o McTwist no camp sueco em 1984. Ele próprio acrescentou a serpente e os raios em referência à Florida (o seu estado natal). Um dos decks mais vendidos de sempre da Powell.
Porque importa Cume da fórmula VCJ skull-and-creature. Inspiração para toda uma geração de artistas de skate.
Future Primitive
Future Primitive
Marca Powell-Peralta
Pro model Lance Mountain
Designer VCJ
Mountain recusou um primeiro conceito skull+knee-bone porque queria sair do molde. O resultado foi uma composição ilustrativa com referências tribais/primitivas. A tiragem original tinha um detalhe de falo de cão escondido que foi rapidamente retirado — os exemplares com esse detalhe são hyper-collectibles. O gráfico deu nome ao vídeo da Powell de 1985.
Porque importa Quebrou o molde da caveira. Demonstrou a amplitude ilustrativa mais vasta de VCJ.
Flaming Dagger
Flaming Dagger
Marca Powell-Peralta
Pro model Tommy Guerrero
Designer Kevin Ancell (NO VCJ)
Inspirado na arte de capô dos hot rods americanos dos anos 60-70. Primeiro gráfico pro da Powell não desenhado por VCJ. Marcou a diferenciação: Guerrero como skater de rua/urbano face ao resto da Brigade de vert.
Porque importa Primeira fissura no domínio total de VCJ. Anuncia a diversificação visual que chegaria nos anos 90.
Elephant
Elephant
Marca Powell-Peralta
Pro model Mike Vallely
Designer VCJ + Mike Vallely
Primeiro pro model de Vallely. Rejeitou um primeiro conceito 'Roach'. O elefante nasceu da sua colaboração com VCJ e acompanhou Vallely ao longo de toda a carreira (hoje a sua marca chama-se Elephant Skateboards).
Porque importa Último grande trabalho de VCJ antes da saída massiva de talento da Powell em 1991.
Um universo completo
Mutt / Chess Piece
Marca Powell-Peralta
Pro model Rodney Mullen
Designer VCJ
Primeiro pro model freestyle da Powell. O motivo de xadrez (versão circa 1983) representava a mente analítica de Mullen — o xadrez como metáfora do flatground. Uma peça está na coleção do Smithsonian.
Porque importa Símbolo do 'skater pensador'. Mullen é o pai técnico do street moderno.
Skull and Spade
Marca Powell-Peralta
Pro model Steve Steadham
Designer Craig Stecyk III (NO Phillips)
Caveira rasta + sidecut shape + tail quadrado para pool coping. Steadham foi o primeiro pro afro-americano de destaque na Powell.
Porque importa Marco de representatividade numa indústria quase inteiramente branca.
Kevin Harris (Mountie e castor)
Marca Powell-Peralta
Pro model Kevin Harris
Designer Vernon Courtlandt Johnson (VCJ)
Pro model do freestyler canadiano Kevin Harris para a Powell-Peralta, desenhado por VCJ. O gráfico — um agente da Royal Canadian Mounted Police ao lado de um castor — combinava os dois ícones nacionais canadianos como uma referência à origem do rider. Harris foi uma das figuras do freestyle dos anos 80 ao lado de Rodney Mullen, com um estilo orientado para a comédia e o espectáculo.
Porque importa Uma das poucas peças do freestyle dos anos 80 no catálogo Powell-Peralta a par do Mullen Chess, e um dos pro models com identidade cultural mais explícita de VCJ.
Ray Barbee Ragdoll
Marca Powell-Peralta
Pro model Ray Barbee
Designer Vernon Courtlandt Johnson (VCJ)
Pro model de Ray Barbee, membro dos Bones Brigade, desenhado por VCJ. O motivo — um boneco de trapos sobre fundo quente — afasta-se do repertório gótico habitual da Powell-Peralta e reflecte um registo mais próximo do estilo de Barbee, conhecido pelo seu skating fluido e pela sua actividade paralela como músico.
Porque importa Um dos poucos pro models dos Bones Brigade que foge ao código heráldico de caveiras e dragões característico de VCJ.
Vato Rats / Rat Bones
Marca Powell-Peralta
Pro model (brand logo)
Designer Craig Stecyk III
Stecyk reativou a sua iconografia Dogtown dos anos 70 (gangs latinos de Santa Monica/Venice) e Stacy Peralta integrou-a na Powell como brand graphic em 1983. Uma linha estética alternativa à de VCJ: mais crua, mais de rua, de influência latina.
Porque importa Continuidade direta entre o underground de Dogtown dos anos 70 e a Powell comercial dos anos 80. Mesmo bairro, mesmo artista, mercado diferente.
Tony Hawk Claw (Powell-Peralta)
Marca Powell-Peralta
Pro model Tony Hawk
Designer Vernon Courtlandt Johnson (VCJ)
Pro model de Tony Hawk para a Powell-Peralta com motivo de garra de ave. Faz parte da última geração de designs de Hawk na marca antes da sua saída em 1992 para fundar a Birdhouse juntamente com Per Welinder.
Porque importa Encerra a etapa Powell de Hawk dentro da linguagem VCJ. Precedente directo do imaginário aviário que Hawk levaria depois para a Birdhouse.
Frankie Hill Bull Dog
Marca Powell-Peralta
Pro model Frankie Hill
Designer Vernon Courtlandt Johnson (VCJ)
Pro model de Frankie Hill, desenhado por VCJ. Cabeça de bulldog com bandana sobre fundo amarelo. Hill foi um dos pros de street do final dos anos 80 na Powell-Peralta, conhecido pelas suas saídas de bowl para banks e pelo seu físico potente. O modelo é considerado um dos últimos designs relevantes de VCJ antes do crash da indústria em 1991.
Porque importa Encerra a última geração de pro models VCJ dos anos 80 antes da dissolução dos Bones Brigade clássicos.
BONES (wordmark com ossos cruzados)
Marca Powell-Peralta · Bones
Designer Powell-Peralta / Bones
Wordmark da linha Bones da Powell-Peralta (Bones Wheels, Bones Bearings, Bones Brigade): a palavra BONES em tipografia grossa com dois ossos cruzados formando um X atrás das letras. Estampado intensamente em camisetas, stickers e merchandising desde o início dos anos 80, alcançou uma penetração massiva na cultura juvenil californiana da época. Grande parte de quem usava o logo não patinava: usava-o como peça associada ao imaginário skate.
Porque importa Um dos wordmarks do universo skate com maior presença fora do próprio desporto como peça de rua durante os anos 80 e 90.
1980-1989 — Santa Cruz e Jim Phillips: o outro grande universo do skate
Enquanto a Powell-Peralta construía o seu imaginário com caveiras medievais, dragões e fantasia heroica, do outro lado da Califórnia crescia uma visão completamente diferente do que podia ser uma prancha de skate.
Se o VCJ representava a precisão, o simbolismo e a influência da ilustração clássica, Jim Phillips apostava no excesso, na cor e na energia visual. E funcionou.
A Santa Cruz já existia desde o início dos anos setenta sob o chapéu da NHS, mas foi a chegada de Phillips como diretor artístico que acabou por definir a personalidade visual da marca. A sua experiência anterior a desenhar cartazes de concertos e arte psicodélica encaixou perfeitamente no momento que o skate vivia. O resultado foi uma coleção de criaturas impossíveis, monstros deformes, mãos com vida própria, caveiras exageradas e personagens que pareciam escapados de uma capa de banda desenhada underground.
Ao contrário da Powell, onde muitos gráficos transmitiam uma sensação épica ou quase mitológica, a Santa Cruz apostou em algo mais visceral. As suas ilustrações eram divertidas, agressivas, exageradas e, acima de tudo, inesquecíveis.
O interessante é que, embora durante anos se tenha apresentado a Powell e a Santa Cruz como polos opostos, a realidade é que ambas as marcas ajudaram a construir a idade de ouro da arte no skate. Uma trouxe elegância e simbolismo; a outra, personalidade e uma capacidade única para criar ícones visuais que continuam a funcionar quarenta anos depois.
Poucas épocas concentraram tanta criatividade em tão pouco tempo. E poucas deixaram tantos gráficos que ainda hoje são reeditados vezes sem conta.
A prova começa com uma mão azul que acabou por se tornar num dos símbolos mais reconhecíveis de toda a cultura skate.
Screaming Hand
Marca Santa Cruz / Speed Wheels
Pro model (brand logo)
Designer Jim Phillips
Phillips levava anos a desenhar variantes (um náufrago a gritar com a mão fora de água). Em 1985 reformulou o conceito: uma mão azul a gritar com boca própria entre os dedos. Era para a linha Speed Wheels mas acabou por engolir toda a marca. O 30.º aniversário foi celebrado com uma exposição itinerante por mais de 25 países.
Porque importa Costuma ser citada — a par do Ripper — como um dos gráficos de skate mais reproduzidos da história. Aparece tatuada em milhares de skaters de todo o mundo e funciona como segundo emblema de facto da Santa Cruz, a par do wordmark da marca.
No entanto, antes ainda de a Screaming Hand conquistar meio planeta, a Santa Cruz já tinha outro emblema visual que acabaria por sobreviver a gerações inteiras de skaters.
Santa Cruz Dot Logo
Santa Cruz Dot Logo
Marca Santa Cruz Skateboards
Pro model (brand logo)
Designer Jim Phillips
O famoso círculo vermelho com o wordmark Santa Cruz apareceu no final dos anos setenta e tornou-se rapidamente num dos identificadores mais potentes de toda a indústria. Ao contrário de outros logos que mudaram constantemente com as modas, o Dot praticamente não necessitou de modificações ao longo de mais de quatro décadas. Pode encontrar-se em boards, rodas, roupa, autocolantes e praticamente qualquer produto associado à marca.
Porque importa Juntamente com a Screaming Hand forma o núcleo da identidade visual da Santa Cruz e é um dos logos mais reconhecíveis de toda a história do skate.
Se a Screaming Hand acabou por representar toda uma marca, Rob Roskopp protagonizou uma das experiências narrativas mais interessantes da história do skate. Em vez de se limitar a uma única ilustração, Jim Phillips desenvolveu uma série de gráficos que evoluíam de prancha para prancha, algo muito pouco habitual para a época.
Roskopp Target
Marca Santa Cruz
Pro model Rob Roskopp
Designer Jim Phillips + Rob Roskopp
Primeiro pro model de Roskopp. A ideia original ('um braço a partir uma diana') era dele, Phillips materializou-a. Evoluiu em 7-8 decks ao longo da década: braço, cabeça, torso, monstro completo a destruir a diana.
Porque importa Primeira série evolutiva no skate. Inventou a mecânica narrativa multi-board.
Roskopp Face
Marca Santa Cruz
Pro model Rob Roskopp
Designer Jim Phillips
Originalmente 'Street model'. Cara fantasmagórica esticada que ficou universalmente conhecida como 'o Roskopp Face'. Primeiro street model da Santa Cruz a vender mais do que muitos modelos de vert.
Porque importa Mostrou que o street podia mover tanto produto como o vert — antecipa a transição de 1990.
Slasher
Marca Santa Cruz
Pro model Keith 'Slasher' Meek
Designer Jim Phillips
Pro model de Keith Meek para a Santa Cruz, ilustrado por Jim Phillips em 1986. Monstro verde com garras em composição dinâmica quase de onda, desenhado para reflectir o alias do rider ('Slasher'). NOS (new old stock) é hoje extremamente raro segundo o próprio Meek, o que disparou o seu valor no mercado de coleccionismo.
Porque importa Estética pool-skating punk rock dos 80s em forma de criatura.
Salba — Tiger
Marca Santa Cruz
Pro model Steve Alba (Salba)
Designer Jim Phillips
Pro model de Steve Alba — Salba, lenda do pool e do vert — para a Santa Cruz, com um tigre de Jim Phillips. Imagem agressiva e felina que encaixava com o estilo brutal de Alba no bowl.
Porque importa Outro ícone da dupla Phillips–Santa Cruz dos anos 80, associado a um dos maiores nomes do skate de piscina. Reeditado e muito procurado por coleccionadores.
Jason Jessee — Sun God
Marca Santa Cruz
Pro model Jason Jessee
Designer Jim Phillips
Pro model de Jason Jessee para a Santa Cruz desenhado por Jim Phillips no final dos anos 80: um sol com rosto, de traço psicodélico e solar, oposto ao bestiário de monstros verdes da marca. Um dos gráficos mais reconhecíveis do catálogo Phillips.
Porque importa Demonstrou que a linguagem Santa Cruz não era só horror cómico: também cabia o psicodélico e o luminoso. Peça de coleccionador clássica da era dourada de Phillips.
Jason Jessee Neptune
Marca Santa Cruz
Pro model Jason Jessee
Designer Jim Phillips
Pro model de Jason Jessee na Santa Cruz lançado em 1988, ilustrado por Jim Phillips. A composição representa o deus Neptuno com tridente sobre um mar revolto e serpentes marinhas, numa paleta de dourados, ocres, vermelhos e azuis que se afasta do tom saturado típico da marca para entrar em território quase de cartaz psicodélico. O detalhe do traçado é dos mais densos do catálogo Santa Cruz da década, alinhado com o imaginário místico que Jessee cultivava dentro e fora da tabla.
Porque importa Uma das ausências mais citadas em qualquer lista internacional de gráficos históricos do skate: muitos coleccionadores colocam-na acima mesmo do Sun God do próprio Jessee. Marca o momento em que a Santa Cruz mistura horror cómico com simbologia mística, em grande parte pela personalidade do rider, e abre um registo distinto dentro da linguagem Phillips.
Jeff Grosso Toy Box
Marca Santa Cruz
Pro model Jeff Grosso
Designer Jim Phillips
Pro model de Jeff Grosso na Santa Cruz, ilustrado por Jim Phillips no final dos anos 80. A tabla mostra uma caixa de brinquedos transbordante de criaturas clássicas de Phillips — olhos esbugalhados, dentes, mãos, paletas saturadas — numa composição de horror cómico. Grosso, peça-chave do vert dos anos 80 e voz crítica do skate durante décadas, usava a tabla nas suas partes mais recordadas do período.
Porque importa Muito importante culturalmente, sobretudo para quem viveu o vert da época. Jeff Grosso foi também um dos grandes cronistas orais do skate até à sua morte em 2020 (vídeos Love Letters to Skateboarding para a Vans), o que torna os seus pro models numa peça obrigatória para compreender a memória oral do desporto.
Reaper
Marca Santa Cruz
Pro model Corey O'Brien
Designer Jim Phillips
Ceifeiro a lançar chamas. Um dos gráficos mais imitados da Santa Cruz. O'Brien é hoje dono de um clube de rock em San José.
Porque importa Iconografia gótico-skate codificada numa única imagem.
1981-1990 — Pushead, Hosoi, Sims e outras vozes
Embora a Powell-Peralta e a Santa Cruz tenham dominado boa parte do imaginário visual dos anos oitenta, a década foi muito mais rica e diversa do que por vezes recordamos.
Enquanto o VCJ desenhava dragões e Jim Phillips enchia as pranchas de monstros impossíveis, outras marcas começaram a desenvolver linguagens próprias que conectavam com cenas culturais diferentes. O punk, o hardcore, o heavy metal e a cultura underground começaram a deixar uma marca cada vez mais visível no skate.
Foi uma época em que os gráficos deixaram de parecer simples ilustrações para se tornarem em declarações de identidade.
Algumas marcas queriam parecer selvagens.
Outras queriam parecer perigosas.
E algumas simplesmente queriam ser diferentes.
Poucas pessoas representam melhor esse espírito do que Brian Schroeder, mais conhecido como Pushead.
Artista, músico, ilustrador e figura de culto dentro da cena hardcore americana, Pushead trouxe ao skate uma estética inspirada em capas de discos, fanzines fotocopiados e filmes de terror. O seu trabalho para a Zorlac ajudou a abrir uma via completamente diferente da que a Powell ou a Santa Cruz estavam a explorar.
Se essas marcas estavam a construir universos visuais reconhecíveis, Pushead parecia interessado em criar pesadelos.
E era precisamente isso que tornava os seus gráficos tão especiais.
Damaged Pirate / Skull Pirate
Marca Zorlac
Pro model Team / Jeff Phillips
Designer Pushead (Brian Schroeder)
Caveira-pirata putrefacta com chapéu. Pushead trabalhou com a Zorlac quase uma década (1981-1990). Fez paralelamente artwork para os Metallica (t-shirt 'Damage Inc.', capa de St. Anger em 2003).
Porque importa A ala metal/horror do skate dos 80s. Estética body horror que sobreviveu ao Satanic Panic.
Se Pushead representava o lado mais sombrio do skate dos oitenta, Christian Hosoi simbolizava o oposto. Carismático, extravagante e completamente imprevisível, foi um dos riders que melhor percebeu que uma prancha podia ser também uma extensão da personalidade de quem andava nela.
Hammerhead
Marca Hosoi Skates
Pro model Christian Hosoi
Designer Christian Hosoi (shape + gráfico)
Não é apenas um gráfico: é uma shape inventada PARA um gráfico. Nose alongado tipo tubarão-martelo, perfil único, sem concave. Desenhada para os Christ Air e Rocket Air que Hosoi inventava. Em 2016 entrou no Smithsonian.
Porque importa Quando a forma do board seguiu a arte e não o contrário. Marcou a disrupção shape-driven da era dos 80s.
O mais curioso do Hammerhead é que não se recorda apenas pelo seu gráfico. Também se recorda pela sua forma. Numa época em que a maioria das pranchas seguia padrões relativamente semelhantes, Hosoi decidiu desenhar uma silhueta que parecia chegada de outro planeta. O resultado foi uma das shapes mais reconhecíveis de toda a história do skate.
Enquanto Hosoi revolucionava o design a partir da figura do rider, a Sims continuava a representar uma geração anterior. A empresa fundada por Tom Sims era uma das grandes pioneiras do skate moderno e ajudou a ligar os anos setenta à explosão criativa dos oitenta. De entre todos os gráficos dessa etapa, poucos envelheceram tão bem como o Pirate de Kevin Staab.
Kevin Staab Pirate
Marca Sims
Pro model Kevin Staab
Designer Equipo de arte de Sims
Sims, a marca de Tom Sims (pioneiro também do snowboard), foi uma das grandes dos anos 70-80. O Pirate de Kevin Staab — caveira pirata de vert — ficou como um dos gráficos mais reconhecíveis da marca no final dos anos 80.
Porque importa Sims é uma das marcas fundacionais do skate; o Pirate é peça de coleccionador do vert dos oitenta e recordação de uma era em que as grandes marcas ainda não eram skater-owned.
No final dos anos oitenta, a arte no skate já não respondia a uma única fórmula.
Havia espaço para as composições heráldicas da Powell, para os monstros fluorescentes da Santa Cruz, para o horror punk de Pushead, para as experimentações de Hosoi ou para as propostas de marcas históricas como a Sims.
A prancha havia-se convertido definitivamente num suporte artístico.
E o mais interessante estava ainda por vir.
Porque enquanto o vert dominava as capas das revistas e as grandes competições, uma nova geração de skaters começava a mudar as regras do jogo a partir das ruas, dos lancis e das grades.
Com eles viriam novas marcas, novos artistas e uma forma completamente diferente de entender o design de uma prancha.
Os anos noventa estavam prestes a começar.
1985-1991 — Vision, Gonzales, Lucero e o nascimento do rider-artista
No final dos anos oitenta começou a produzir-se uma mudança que ia muito além dos truques ou das competições.
Até então, a maioria dos gráficos nascia da colaboração entre uma marca e um artista contratado. O rider podia dar ideias, sugerir conceitos ou participar em algumas decisões, mas o resultado final costumava ficar nas mãos de ilustradores profissionais.
Isso começou a mudar quando uma nova geração de skaters decidiu intervir diretamente no processo criativo.
E ninguém simboliza melhor essa mudança do que Mark Gonzales.
A influência de Gonzales sobre o skate costuma medir-se em truques, vídeos ou spots de rua, mas o seu impacto visual é igualmente importante. Foi um dos primeiros profissionais que entendeu a prancha como um espaço de expressão artística pessoal e ajudou a abrir o caminho para dezenas de riders que viriam a seguir.
O que hoje nos parece normal — que um skater desenhe, pinte ou crie os seus próprios gráficos — era algo bastante invulgar naquele momento.
A partir daqui, a história da arte no skate deixa de ser dominada exclusivamente por grandes ilustradores e começa a misturar-se com as ideias, obsessões e desenhos dos próprios riders. A transição para os noventa já estava em marcha.
A Vision Skateboards foi uma das marcas dominantes do street americano do final dos anos 80. O seu Psycho Stick (modelo de equipa) e a marca derivada Vision Street Wear contribuíram para tirar a linguagem do skate do ambiente desportivo e levá-la para a moda urbana.
Psycho Stick (Vision, equipo)
Marca Vision
Pro model (gráfico de equipa)
Designer Equipo de arte de Vision
O Psycho Stick foi o gráfico de equipa da Vision: uma figura punk-cartoon que se tornou numa das tablas mais vendidas dos anos 80. Não era um pro model — era A tabla da Vision que toda a gente tinha.
Porque importa Caso precoce do gráfico de marca acima do pro model: a tabla que define uma empresa inteira e se vende de forma massiva, antes de a World industrializar essa ideia.
Vision Street Wear
Marca Vision Street Wear
Pro model (marca de roupa e calçado)
Designer Vision (Brad Dorfman)
Por volta de 1986 a Vision lançou a Vision Street Wear, o seu ramo de roupa e ténis. O wordmark em bloco saltou dos skateparks para a moda de rua dos anos 80 e chegou a ser visto em pessoas que nunca tinham subido a uma tabla.
Porque importa Um dos primeiros casos de marca de skate convertida em fenómeno de moda. Antecipou o skate como indústria de lifestyle que décadas depois explodiria com Supreme e companhia.
Gonz / Profile (1985)
Gonz / Profile (primeiro pro model de street)
Marca Vision
Pro model Mark Gonzales
Designer Mark Gonzales
A meio dos anos 80 Mark Gonzales lançou o seu pro model na Vision. É frequentemente citado como o primeiro pro model de street da história: o reconhecimento de que o skater de rua — e não só o de vert — podia ter o seu próprio board com o seu nome.
Porque importa Marca o momento em que a indústria aceita o street como disciplina com estrelas próprias. Gonz abriria ainda a porta ao deck desenhado pelo próprio skater.
Behind Bars (1986)
Behind Bars
Marca Schmitt Stix
Pro model John Lucero
Designer John Lucero
Primeiro gráfico de Lucero para a Schmitt Stix depois de sair da Madrid. 'Vendeu no primeiro mês mais do que a Schmitt Stix no seu primeiro ano inteiro'. Depois viria a mítica série Jester.
Porque importa Lucero codificou o estilo rider-como-artista que Mark Gonzales desenvolveu em paralelo. Mais tarde fundaria a Black Label.
Coffee Break (1987)
Coffee Break
Marca G&S (Gordon & Smith)
Pro model Neil Blender
Designer Neil Blender
Neil Blender não era só skater: desenhava. Para o seu pro model da G&S ignorou o bestiário de caveiras e dragões e desenhou ele próprio uma personagem a tomar café. Humor seco, traço próprio, zero épica.
Porque importa Um dos primeiros gráficos pro feitos à mão pelo próprio skater. Abriu a porta ao deck como obra de autor: a linha que seguiriam Gonz, e duas décadas depois Fucking Awesome, Polar ou Magenta.
Gator (1986)
Gator
Marca Vision Sports
Pro model Mark 'Gator' Rogowski
Designer Greg Evans
Primeiro pro deck da Vision Sports para Mark 'Gator' Rogowski. Durante a segunda metade dos anos 80 foi um dos boards mais vendidos do catálogo Vision e Rogowski uma das grandes estrelas do vert. Tudo mudou após a sua condenação pelo assassínio de Jessica Bergsten em 1991 (cumpre pena perpétua com possibilidade de liberdade condicional aos 31 anos); a Vision retirou o modelo do catálogo após o julgamento em 1992.
Porque importa Caso de estudo sobre o legado de um gráfico quando o rider colapsa moralmente. A Vision retirou todo o produto Gator após a condenação em 1992.
Natas Kaupas na SMA
SMA Panther
Marca Santa Monica Airlines (SMA)
Pro model Natas Kaupas
Designer Kevin Ancell
Primeiro pro model de Natas Kaupas na SMA (Santa Monica Airlines), lançado em 1985 quando Natas tinha 15 anos. Apareceu na capa da Thrasher em setembro de 1984 com um wallride, o que ajudou a impulsionar o modelo quando saiu. O desenho original é de Kevin Ancell; versões posteriores foram reinterpretadas por Buchinsky, Jim Phillips, Wes Humpston e Forbes. Em 1986 a SMA fechou manufactura e distribuição com a Santa Cruz. A pantera vendeu como poucos boards da década.
Porque importa Ícone do street primordial. Natas e Gonzales inventariam o handrail-skating apenas um ano depois (1986), e o pro model de Natas na SMA ficou associado a essa mudança de paradigma do vert para a rua.
Quando a década terminou, o skate estava a mudar a uma velocidade difícil de imaginar apenas uns anos antes.
As grandes rampas começavam a perder protagonismo. A rua ganhava terreno. Os vídeos substituíam progressivamente as competições como principal motor cultural.
E uma nova geração de marcas estava prestes a aproveitar essa mudança.
A mais importante de todas chamava-se World Industries.
Vê que gráficos vão à frente
93 designs do catálogo ordenados por votos reais. Cada "gosto" move o ranking.
Ver ranking completo →- 1 Flaming Dagger 3
- 2 Iron Cross / Screaming Chicken Skull 2
- 3 Nordic Skull 2
1989-1993 — World Industries, Blind e a revolução de Steve Rocco
Se a Powell-Peralta ajudou a profissionalizar o skate e a Santa Cruz construiu alguns dos seus ícones visuais mais reconhecíveis, a World Industries chegou para dinamitar as regras.
No final dos anos oitenta o skate atravessava um momento complicado. A indústria contraía-se, muitos parques fechavam e o interesse geral parecia muito longe dos níveis atingidos durante a primeira metade da década. Enquanto algumas marcas tentavam resistir mantendo os modelos tradicionais, Steve Rocco decidiu fazer precisamente o contrário.
A sua proposta era mais irreverente, mais provocadora e muito menos respeitosa com as normas não escritas da indústria.
Rocco percebeu algo que outros ainda não viam: a nova geração de skaters já não se identificava com os heróis do vert nem com os discursos corporativos das grandes marcas. O centro de gravidade do skate estava a deslocar-se para a rua e precisava de uma linguagem visual diferente.
Para a construir reuniu alguns dos artistas mais influentes dos noventa, especialmente Marc McKee e Sean Cliver. Juntos desenvolveram uma estética carregada de humor absurdo, sátira, personagens de desenhos animados, referências culturais e provocações que geravam tantas críticas como vendas.
O que para alguns era mau gosto, para outros era exatamente o que o skate precisava.
Poucas marcas foram tão divisivas. E poucas deixaram uma marca tão profunda.
Boa parte da identidade da World Industries construiu-se através da provocação. Steve Rocco converteu as paródias, as campanhas agressivas e os ataques diretos a concorrentes como a Powell-Peralta numa ferramenta de marketing, gerando algumas das polémicas mais recordadas da história do skate. Muitos gráficos da World não eram simples ilustrações: eram armas dentro de uma guerra cultural entre gerações do skate.
Devilman / Flameboy / Wet Willy
Devilman / Flameboy / Wet Willy
Marca World Industries
Pro model (mascotes de marca)
Designer Marc McKee
Três criaturas-mascote. Devilman primeiro, Flameboy como sidekick (ideia de Rocco), Wet Willy a completar o trio (ideia de JT: 'uma gota de água para acompanhar a chama'). Funcionaram como os Mickeys da World — a máquina de merchandising que financiou toda a marca.
Porque importa Demonstraram que as mascotes podiam sustentar uma marca de skate comercialmente ao nível da Disney.
Flameboy vs Wet Willy (fenómeno cultural)
Marca World Industries
Pro model (mascots)
Designer Marc McKee
Marc McKee criou o Flameboy (a criatura vermelha com a cabeça em chamas) e o Wet Willy (a gota de água antropomórfica) como mascotas da World Industries no início dos anos 90. A rivalidade entre ambos, apresentada como gag contínuo em tablas, roupa, autocolantes e publicidade, acabou por tornar-se num dos fenómenos visuais mais marcantes do skate da década. Apareceram também em videojogos — nomeadamente na série Tony Hawk's Pro Skater — e em merchandising massivo dentro e fora do nicho.
Porque importa Para toda uma geração de miúdos dos anos 90, o Flameboy e o Wet Willy foram literalmente as mascotas do skate. O seu impacto na cultura visual do skate noventista é comparável ao do Ripper da Powell nos anos 80, embora pelo caminho do cómic em vez da heráldica.
Napping Negro
Napping Negro
Marca World Industries
Pro model Jovontae Turner
Designer Marc McKee, sobre concepto de Jovontae Turner
TURNER (skater afro-americano) pediu a McKee 'old school black slavery stuff' como sátira da nostalgia racista branca. Iconografia Jim Crow vintage. Faz parte de uma série com 'Jovontae at Night' e 'Runaway Slave'. McKee descreve-a como sátira dos brancos nostálgicos do passado.
Porque importa Caso de estudo sobre quem controla a narrativa racial quando o conceito parte do próprio skater negro. O debate em torno da peça mantém-se aberto três décadas depois e o modelo alcança preços elevados no mercado de colecionismo de skate clássico.
Reaper Logo
Reaper logo
Marca Blind Skateboards
Designer Mark Gonzales (él mismo)
Quando Gonzales deixou a Vision em 1989 para co-fundar a Blind com Steve Rocco (o nome era um dardo contra a Vision), desenhou ele próprio o logo do Reaper estilizado. Continua em uso até hoje.
Porque importa Gonzales a codificar que o founder + rider pode ser TAMBÉM o designer. Template para tudo o que viria a seguir.
Panther (101)
Panther (101)
Marca 101 Skateboards
Pro model Natas Kaupas
Designer Marc McKee
Reinterpretação do SMA Panther de 1984, quando Natas deixou a SMA e co-fundou a 101 sob a World. A 101 foi laboratório do street puro: Koston, Gino, Dill, Markovich passaram por lá.
Porque importa Continuidade do ícone Natas na nova economia street.
Dodo
Dodo
Marca Blind Skateboards
Pro model Jason Lee
Designer Marc McKee
Originalmente concebido para Danny Way (enquanto estava na Blind) como dardo velado contra Tony Hawk — o 'passarinho' em extinção. Considerado demasiado pessoal e, quando Danny saltou para a Plan B, o graphic acabou nas mãos de Jason Lee.
Porque importa Anedota perfeita da dinâmica inter-marca dos anos 90: graphics que se reescrevem consoante quem está onde.
No início dos anos noventa, a arte do skate havia mudado por completo em relação à década anterior.
As grandes ilustrações épicas continuavam a existir, mas agora partilhavam espaço com sátiras, personagens absurdos, referências culturais, humor negro e mensagens que procuravam provocar uma reação imediata.
Era uma estética mais de rua, mais caótica e, em muitos casos, mais próxima da geração que estava a redefinir o skate a partir de praças, lancis e grades.
No entanto, a próxima revolução não viria de uma marca nem de um artista concreto.
Viria de uma ideia.
A ideia de que o skate podia ser um projeto profundamente pessoal.
E ninguém encarnou melhor essa filosofia do que Ed Templeton, Toy Machine e a geração que acabou de consolidar o street moderno.
1988-1995 — H-Street, Plan B, Toy Machine, Real e Anti-Hero
Se a World Industries representou a revolução cultural do início dos anos noventa, a H-Street e a Plan B ajudaram a definir a revolução técnica.
Durante os anos oitenta, a imagem mais popular do skate continuava a ser a do rider a voar sobre uma rampa gigante ou a realizar truques impossíveis numa piscina vazia. Mas nas ruas da Califórnia estava a acontecer algo diferente.
As grades, os bancos, os gaps e os lancis começavam a tornar-se nos novos terrenos de jogo. O street skating deixava de ser uma disciplina secundária para se tornar no centro da conversa.
Poucas pessoas tiveram mais influência nessa mudança do que Mike Ternasky. Primeiro a partir da H-Street e depois da Plan B, Ternasky ajudou a reunir alguns dos skaters mais inovadores da época e percebeu antes de quase todos para onde se dirigia o futuro do skate.
Os gráficos também começaram a mudar. As pranchas eram mais estreitas, as formas evoluíam e as novas gerações procuravam uma estética diferente da dos grandes heróis do vert.
Matt Hensley — Street Swinger
Matt Hensley — Street Swinger
Marca H-Street
Pro model Matt Hensley
Designer Equipo de arte de H-Street
H-Street (Tony Magnusson e Mike Ternasky, 1986) e o seu rider estrela Matt Hensley definiram o street do final dos anos 80 com os vídeos Shackle Me Not (1988) e Hokus Pokus (1989). O Street Swinger de Hensley é o gráfico-ícone dessa era: tablas mais finas e baratas, feitas para a rua.
Porque importa A ponte do vert para o street moderno. Ternasky levaria esse ADN para a Plan B pouco depois. As tablas H-Street da era Hensley são o graal da transição.
Enquanto a H-Street e a Plan B empurravam os limites técnicos do street, outros skaters começavam a utilizar as marcas como projetos profundamente pessoais.
Ninguém representa melhor essa ideia do que Ed Templeton.
Sect / Transistor Sect
Sect / Transistor Sect
Marca Toy Machine
Pro model (logo de marca + team models)
Designer Ed Templeton
O olho único, monstro abstracto. Templeton fundou a Toy Machine em 1993 (não 1994) com o apoio de Tod Swank/Tum Yeto. Desenha TODOS os graphics ele próprio, inspirado por Mark Gonzales na Vision/Blind.
Porque importa Templeton estabeleceu a marca-como-projecto-artístico-pessoal. Hoje é artista contemporâneo com exposições em galerias.
Toy Machine Monster
Toy Machine Monster
Marca Toy Machine
Designer Ed Templeton
O Monster aparece no catálogo Toy Machine a meados dos anos 90, desenhado por Ed Templeton. A criatura — ciclope vermelho com um único olho enorme, dentes tortos e corpo de boneco partido — tornou-se na mascote informal da marca e aparece desde então em tablas, roupa, autocolantes e vídeos. Templeton desenhou-o com o traço deliberadamente naïf que acabaria por definir a linguagem visual completa da Toy Machine.
Porque importa Possivelmente o gráfico mais reconhecível da Toy Machine, acima mesmo do Sect logo. A iconografia do ciclope marcou a estética do street europeu e americano do final dos anos 90 e influenciou marcas posteriores que adoptaram mascotes não-humanas como veículo de identidade.
Embora o Monster tenha acabado por se tornar na mascote mais reconhecível da Toy Machine, o universo visual de Ed Templeton estava cheio de personagens recorrentes que apareciam constantemente em pranchas, t-shirts, autocolantes e vídeos. De entre todos eles, poucos alcançaram tanta popularidade como o Devil Cat.
Toy Machine Devil Cat
Toy Machine Devil Cat
Marca Toy Machine
Pro model (team series)
Designer Ed Templeton
O Devil Cat surgiu no final dos anos noventa como uma das muitas criaturas criadas por Ed Templeton para expandir o universo visual da Toy Machine. Com os seus cornos, sorriso torto e aspeto deliberadamente infantil, a personagem condensava na perfeição o estilo gráfico de Templeton: desenhos aparentemente simples, executados com traço espontâneo e carregados de personalidade. Ao contrário dos monstros agressivos que dominavam grande parte do skate da época, o Devil Cat transmitia uma mistura estranha de humor, estranheza e simpatia que acabou por conectar com várias gerações de skaters. Com o passar dos anos tornou-se numa das personagens mais utilizadas pela marca e continua a aparecer regularmente em boards, roupa e colaborações especiais.
Porque importa É uma das mascotes mais reconhecíveis do skate moderno e uma das melhores representações da linguagem visual única criada por Ed Templeton para a Toy Machine.
Enquanto Ed Templeton desenvolvia na Toy Machine um universo povoado por monstros, criaturas impossíveis e desenhos deliberadamente infantis, outro skater estava a explorar um território visual completamente diferente. Jeremy Klein encontrou inspiração numa fonte que praticamente ninguém dentro da indústria do skate estava a observar naquele momento: o manga e a animação japonesa. O que começou como uma obsessão pessoal acabou por se tornar numa das identidades visuais mais reconhecíveis e polémicas do final dos anos noventa.
Hook-Ups Anime Girl
Hook-Ups Anime Girl
Marca Hook-Ups
Pro model (team series)
Designer Jeremy Klein
Após abandonar a World Industries, Jeremy Klein fundou a Hook-Ups em 1994 e começou a construir uma identidade visual completamente diferente de qualquer outra marca de skate da época. Fascinado pelo manga, pelo anime, pela ficção científica japonesa e pela cultura otaku muito antes de estes fenómenos se popularizarem no Ocidente, encheu os seus boards de personagens femininas inspiradas na animação japonesa, robots, extraterrestres e referências constantes à cultura pop asiática. As chamadas Anime Girls tornaram-se rapidamente na imagem mais reconhecível da Hook-Ups. Para alguns eram provocatórias. Para outros, simplesmente diferentes. O certo é que durante anos ninguém dentro do skate se parecia a Jeremy Klein.
Porque importa Introduziu a estética anime no skate ocidental décadas antes de se tornar mainstream. A sua influência continua visível em marcas, ilustradores e designers que misturam cultura japonesa, streetwear e skateboarding.
À medida que a Hook-Ups crescia, Jeremy Klein alargou o seu imaginário muito para além das primeiras protagonistas manga.
Hook-Ups Nurse Series
Hook-Ups Nurse Series
Marca Hook-Ups
Pro model (team series)
Designer Jeremy Klein
As Nurse Series representam uma das etapas mais recordadas da Hook-Ups. Enfermeiras futuristas, androides, referências ao anime de ficção científica e uma estética inspirada em mangas cyberpunk acabaram por consolidar a identidade visual da marca. Os boards tornaram-se em autênticos objetos de culto dentro do colecionismo skate do final dos anos noventa.
Porque importa É uma das séries mais reconhecíveis de Jeremy Klein e consolidou definitivamente a relação entre cultura anime e skateboarding.
No início dos anos noventa começaram também a aparecer empresas que representavam uma visão mais independente e menos espetacular do skate. São Francisco tornou-se num dos grandes centros criativos dessa nova corrente.
Uma das primeiras vozes dessa corrente foi John Lucero, que depois de deixar a Schmitt Stix fundou a Black Label por volta de 1989 e começou a desenvolver o seu próprio universo visual.
Black Label Jester
Black Label Jester
Marca Black Label Skateboards
Pro model (brand logo)
Designer John Lucero
Fundada por John Lucero após abandonar a Schmitt Stix, a Black Label nasceu como uma declaração de independência criativa. O seu personagem mais conhecido foi o Jester, um bobo de aspeto inquietante que condensava perfeitamente a filosofia da marca: irreverência, cultura punk, atitude DIY e rejeição absoluta às tendências dominantes. Durante décadas o Jester apareceu em inúmeras versões, tornando-se numa das imagens mais reconhecíveis do skate independente norte-americano.
Porque importa É um dos personagens mais duradouros de toda a história do skate e um dos símbolos mais claros do movimento DIY que ajudou a definir os anos noventa.
Se o Jester representava o lado mais irreverente e provocador da Black Label, a imagem seguinte tornou-se em algo muito mais próximo de um manifesto. Uma simples muleta acabou por se transformar num dos símbolos mais reconhecíveis do skate independente americano.
Black Label Crutch
Black Label Crutch
Marca Black Label Skateboards
Designer John Lucero
A Crutch — a característica muleta vermelha da Black Label — surgiu durante os primeiros anos da marca e rapidamente se tornou num dos seus símbolos mais reconhecíveis. O seu design minimalista contrastava com as personagens e as ilustrações complexas que dominavam grande parte do skate da época, mas precisamente essa simplicidade foi uma das suas maiores forças. Com o tempo, a muleta adquiriu um significado quase simbólico dentro da comunidade skate. Lesões, quedas, cicatrizes e a determinação de continuar a andar de skate apesar de tudo ficaram resumidos numa única imagem. Décadas depois continua a ser um dos elementos visuais mais associados à marca fundada por John Lucero.
Porque importa É um dos símbolos mais originais de toda a história do skate e uma representação perfeita da filosofia DIY, resistente e independente que caracterizou a Black Label desde os seus inícios.
Hanging Klansman
Hanging Klansman
Marca Real / Deluxe
Pro model Jim Thiebaud
Designer Jim Thiebaud (concepto) + Natas Kaupas (dibujo a línea)
Primeiro pro model de Jim Thiebaud na Real Skateboards (marca que co-fundou com Tommy Guerrero na Deluxe por volta de 1990). O conceito era de Thiebaud: uma figura encapuzada do Ku Klux Klan pendurada numa corda, ligada ao ressurgimento das marchas do KKK no início dos anos 90 nos Estados Unidos. O desenho a linha final foi feito por Natas Kaupas como presente a Thiebaud. Sem precedentes numa tabla pela sua carga política directa.
Porque importa Um dos gráficos políticos mais importantes da história do skate. Demonstrou que a tabla podia ser um manifesto antirracista — não apenas provocação comercial — e continua a ser reeditado desde então. Faz parte da colecção permanente do Smithsonian National Museum of American History.
Anti-Hero Pigeon
Anti-Hero Pigeon
Marca Anti-Hero Skateboards
Designer Todd Francis
Antes do Eagle, Todd Francis desenhou o pombo urbano como motivo recorrente para a Anti-Hero nos primeiros anos da marca (fundada em 1995 dentro do grupo Deluxe em São Francisco). O pombo — rato com asas, animal de rua por excelência — encaixava com a postura anti-glamour da Anti-Hero e tornou-se em imagem complementar ao Eagle a partir de 1996.
Porque importa Para compreender a linguagem visual de Todd Francis é preciso passar pelo Pigeon antes do Eagle. O pombo estabeleceu o tom editorial da marca — ácido, urbano, anti-corporativo — que se manteve em tudo o que veio a seguir e que é marca de identidade da Anti-Hero até hoje.
Anti-Hero Eagle
Anti-Hero Eagle
Marca Anti-Hero
Designer Todd Francis
Francis entrou na Deluxe em 1996. Primeiro trabalho: uma pomba 'a quem a vida atirou um balde de óleo por cima'. Depois desenhou a águia feroz, que substituiu a pomba e se tornou o logo principal. Estética de caricatura política americana, anti-corporativa.
Porque importa Anti-patriotismo patriótico: usa a águia americana mas torna-a agressiva, contracultural. Símbolo da Deluxe SF e da ala punk do skate. A Complex incluiu-a nos 50 Greatest Skate Logos.
A meio dos anos noventa o street já era a linguagem dominante do skate.
As grandes rampas continuavam a existir, mas a cultura estava a ser construída nas ruas, nos vídeos e nas novas marcas que apareciam constantemente. Os gráficos também estavam a mudar. As ilustrações épicas dos oitenta conviviam agora com propostas muito mais minimalistas, pessoais e conceptuais.
A próxima grande transformação viria da Girl, Chocolate e Crailtap, marcas que demonstrariam que uma prancha não precisava de monstros, caveiras ou provocações para se tornar num ícone.
1993-2000 — Girl, Chocolate e o nascimento do skate moderno
A meio dos anos noventa o skate havia mudado por completo.
A estética exagerada dos oitenta convívia com a provocação da World Industries, mas começava a surgir uma terceira via. Mais limpa. Mais gráfica. Mais próxima do design contemporâneo do que dos monstros, das caveiras ou dos desenhos animados.
Grande parte dessa transformação nasceu à volta de uma pequena marca fundada por Rick Howard e Mike Carroll em 1993. O seu nome era Girl. E a sua influência acabaria por ser enorme.
Ao contrário de muitas empresas anteriores, a Girl não tentou construir um universo visual baseado em criaturas, personagens ou narrativas complexas. A sua aposta foi muito mais simples: criar uma identidade gráfica clara, coerente e reconhecível.
Para o conseguir contaram com Andy Jenkins, uma das figuras mais importantes da história visual do skate e provavelmente um dos designers mais influentes dos últimos trinta anos.
O que aconteceu a seguir mudou para sempre a estética do skateboarding.
Girl Logo (Skater Silhouette)
Girl logo (skater silhouette)
Marca Girl Skateboards
Designer Andy Jenkins
Silhueta no estilo de sinal de casa de banho feminino. Rick Howard e Mike Carroll fundaram a Girl Skateboards em agosto de 1993, após deixarem a Plan B devido à pressão que a indústria exercia sobre as carreiras profissionais dos riders. O nome surgiu de uma brincadeira: alguém disse que Howard "skates like a girl" e apropriaram-se disso. (Mike Ternasky, mentor de Carroll e Howard na Plan B, faleceu a 17 de maio de 1994, quase um ano após a fundação da Girl.)
Porque importa Resposta limpa/pop ao barroquismo provocador da World. Estética suíço-minimalista no skate. Andy Jenkins fundou a Art Dump, o colectivo criativo da distri Crailtap.
Girl OG Series
Girl OG Series
Marca Girl Skateboards
Pro model (team series)
Designer Andy Jenkins
Primeiras séries de tablas da Girl Skateboards lançadas após a fundação da marca em 1993 por Rick Howard e Mike Carroll. A direcção artística de Andy Jenkins — anteriormente director artístico da BMX Action — apostou desde o início na simplicidade, no equilíbrio compositivo e no design tipográfico, em contraste deliberado com a saturação gráfica dominante em boa parte do catálogo skate dos anos 90. As primeiras tablas surgiam com a silhueta feminina pictograma como elemento central e composições limpas quase de cartaz comercial.
Porque importa Marcaram o início de uma nova forma de entender o design gráfico dentro do skateboarding. A estética Girl — minimalismo, tipografia clara, referência ao design contemporâneo e à linguagem urbana — influenciou directamente boa parte do catálogo skate posterior a 1995 e continua a ser a marca de identidade de toda a operação Crailtap (Girl, Chocolate, Lakai, Royal, Fourstar).
Girl Mouse Series
Girl Mouse Series
Marca Girl Skateboards
Pro model (team series)
Designer Andy Jenkins / Eric McKinley
Série de tablas da Girl com um rato antropomórfico como personagem recorrente, lançada a meados dos anos 90. Em contraste com o minimalismo do logo silhueta, a Mouse Series demonstrou que a marca conseguia desenvolver personagens próprios sem perder identidade. O tom descontraído do rato — com variantes que jogavam com poses, roupa ou cenários quotidianos — encaixava com o espírito Girl e alargou a linguagem visual da marca para além do pictograma feminino.
Porque importa Uma das séries mais recordadas da Girl nos anos 90. Demonstra como a marca foi capaz de evoluir visualmente sem perder coerência estética, e abre a linha de "personagens Crailtap" que continuaria a aparecer em catálogos posteriores.
Chocolate Big Chunk
Chocolate (logo Big Chunk)
Marca Chocolate
Designer Andy Jenkins
A Chocolate foi criada em 1994 como marca irmã da Girl (fundada em 1993 por Rick Howard, Mike Carroll e Spike Jonze). Andy Jenkins, ex-director artístico da BMX Action, chegou à família Crailtap para definir a linguagem visual das duas marcas. O logótipo da Chocolate — tipografia e motivo de gota — responde a essa linha mais adulta e minimalista face aos cartoons agressivos dominantes na primeira metade dos anos 90.
Porque importa Marca-chave do eixo Crailtap a par da Girl. Andy Jenkins moldou a estética visual do skate mais sóbrio dos anos 90 e 2000.
Chocolate City Series
Chocolate City Series
Marca Chocolate Skateboards
Pro model (team series)
Designer Andy Jenkins / Equipo Crailtap
No final dos anos 90, a Chocolate começou a explorar uma direcção visual cada vez mais ligada à cultura urbana, à fotografia e à narrativa de cidade. A City Series transformou as tablas em pequenos postais da vida urbana — arquitectura, montras, esquinas, retratos de rua — e reforçava a ligação entre a marca e o street skating que estava a definir a época. Cada artista da equipa visual contribuiu com composições distintas dentro da mesma linguagem.
Porque importa Um dos melhores exemplos da maturidade gráfica da Chocolate. Ajudou a consolidar a identidade própria da marca dentro do universo Crailtap, separando-a do minimalismo mais comercial da Girl e conectando-a com a linguagem editorial-fotográfica do street skating do final dos anos 90.
Enquanto a Girl e a Chocolate redefiniam o design gráfico do street skating, Tony Hawk continuava a escrever alguns dos capítulos mais importantes da história do desporto.
Birdhouse Falcon 2
Birdhouse Falcon 2 (900 board)
Marca Birdhouse
Pro model Tony Hawk
Designer Birdhouse in-house
A Birdhouse Falcon 2 que Tony Hawk usou para cavar o primeiro 900 documentado da história, nos X Games de 1999. Foi leiloada na Julien's Auctions em setembro de 2025 por 1.152.000 $, duplicando a estimativa prévia e batendo o recorde absoluto para um board de skate. Parte do valor angariado foi destinado ao The Skatepark Project (fundação de Hawk).
Porque importa O objeto mais caro alguma vez associado ao skate. Combina dado histórico (o 900), provenance (Hawk) e momento televisivo massivo. Confirmou que um board de skate pode operar plenamente no mercado de colecionismo de alto nível.
Embora o Falcon tenha ficado associado ao momento mais famoso da carreira de Tony Hawk, a imagem que acabou por definir a identidade visual da Birdhouse foi outra bem diferente.
Tony Hawk Skeleton Bird
Tony Hawk Skeleton Bird
Marca Birdhouse Skateboards
Pro model Tony Hawk
Designer Birdhouse Skateboards
Após abandonar a Powell-Peralta e fundar a Birdhouse juntamente com Per Welinder, Tony Hawk iniciou uma nova etapa tanto desportiva como visual. Embora deixasse para trás grande parte do universo gráfico criado por VCJ durante os anos oitenta, alguns dos elementos que tinham acompanhado a sua carreira permaneceram intactos: as aves de rapina, as asas e a ideia de se elevar acima dos limites conhecidos. O Skeleton Bird tornou-se numa das representações mais icónicas dessa transição. O gráfico mostra o esqueleto de uma ave de rapina com enormes asas abertas formadas por afiadas penas ósseas, uma imagem que transmite velocidade, agressividade e liberdade ao mesmo tempo. O design conecta diretamente com a tradição visual de Hawk, construída ao longo de mais de uma década em torno de falcões, garras e criaturas aladas. Durante os anos noventa e início dos anos 2000, o Skeleton Bird apareceu em diferentes versões e reedições, consolidando-se como uma das imagens mais reconhecíveis associadas a Tony Hawk fora da era Powell-Peralta. Para muitos skaters representa a ponte perfeita entre a estética clássica da Bones Brigade e o nascimento do skate moderno.
Porque importa É um dos gráficos mais representativos da etapa Birdhouse de Tony Hawk e uma das melhores evoluções visuais da iconografia que acompanhou o skater desde os seus primeiros pro models na Powell-Peralta. A sua silhueta é imediatamente reconhecível e faz parte do imaginário gráfico de uma das figuras mais importantes de toda a história do skateboarding.
No final dos anos noventa o skate já era irreconhecível comparado com o de uma década antes.
A rua dominava a conversa. Os vídeos haviam-se tornado no principal motor cultural. E as marcas começavam a perceber que podiam construir identidades visuais sólidas sem recorrer necessariamente aos códigos herdados dos oitenta.
Mas a próxima transformação seria ainda mais profunda.
Porque a partir dos anos 2000 a prancha deixaria de ser apenas uma ferramenta para andar de skate. Também começaria a tornar-se em objeto de coleção, peça de design e produto cultural capaz de transcender por completo o próprio skateboarding.
2000-2010 — Alien Workshop, Supreme, Baker, Enjoi, Zero, Creature, Foundation, Flip e a expansão cultural do skate
No final dos anos noventa o skate tinha encontrado uma estabilidade que parecia impensável apenas uns anos antes.
As grandes crises dos oitenta tinham ficado para trás, o street dominava a indústria e uma nova geração de marcas começava a construir identidades visuais muito diferentes entre si.
Já não existia uma única forma de desenhar uma prancha.
Algumas empresas apostavam pela arte conceptual. Outras pelo humor. Outras pela provocação. E algumas perceberam que o gráfico podia tornar-se em muito mais do que uma imagem associada ao skate. Podia transformar-se num objeto cultural.
Poucas marcas representam melhor essa diversidade do que a Alien Workshop, Supreme, Baker, Enjoi, Zero, Creature, Foundation e Flip.
Alien Workshop Alien Logo
Alien Workshop (logo)
Marca Alien Workshop
Designer Mike Hill
A Alien Workshop foi fundada em Dayton (Ohio) em 1990 por Chris Carter, Mike Hill e Neil Blender, com a ideia de que a marca fosse dirigida por artistas e não por gestores. O logo — cabeça alienígena de perfil — foi desenhado por Mike Hill e manteve-se como sinal de identidade da marca até ao seu encerramento em 2014, quando a DC Shoes interrompeu a operação.
Porque importa Referência do skate underground dos anos 90 e 2000, com ênfase no director artístico como figura central do projecto.
Alien Workshop Abduction Series
Alien Workshop Abduction Series
Marca Alien Workshop
Pro model (series)
Designer Mike Hill
Série de pro models conceptuais que a Alien Workshop produziu no final dos anos 90 com temática de OVNIs, exames médicos, geometrias esotéricas e figuras humanas dispostas como sujeitos de abdução. Mike Hill dirigia a linha a partir de Dayton (Ohio), trabalhando com vocabulário sci-fi, paranoia conceptual e simbologia New Age. A série tem sido reeditada com frequência desde então.
Porque importa Provavelmente a série mais recordada da Alien Workshop. Definiu o ADN "arty + paranoia conceptual" que distinguiria a marca ao longo de toda a sua existência (1990-2014) e que mais tarde continuaria na Quasi Skateboards sob Chad Bowers.
Mas se existe uma imagem capaz de resumir toda a filosofia da Alien Workshop num único símbolo, provavelmente é o Visitor.
Alien Workshop Visitor
Alien Workshop Visitor
Marca Alien Workshop
Pro model (team series)
Designer Mike Hill
O Visitor surgiu como uma evolução natural da iconografia extraterrestre que a Alien Workshop vinha desenvolvendo desde o início dos anos noventa. A figura humanoide de cabeça grande e traços simplificados tornou-se no personagem mais associado à marca e apareceu repetidamente em boards, roupa, autocolantes e material promocional durante mais de duas décadas. O seu design minimalista contrastava com a complexidade de muitas gráficas da época e ajudou a consolidar a identidade visual única da Alien Workshop.
Porque importa Possivelmente o personagem mais reconhecível do skate alternativo do final dos anos noventa e início dos anos 2000.
Supreme Box Logo Deck
Supreme Box Logo
Marca Supreme
Designer James Jebbia (adaptado de Barbara Kruger)
Caixa vermelha com Futura Heavy Oblique a branco. Inspirado diretamente na obra de Barbara Kruger. A Supreme abriu na Lafayette Street, Manhattan, em abril de 1994 com um layout pensado para se poder entrar a skatar. Primeira collab com artista: Rammellzee (1994). A VF comprou a Supreme em 2020 por 2.100M$; a EssilorLuxottica recomprou em 2024 por 1.500M$.
Porque importa Transformou o deck num objeto de leilão. Sets KAWS x Supreme foram leiloados por 55.700$. Mudança de paradigma: skate → streetwear de luxo.
Baker Logo Deck
Baker Logo Deck
Marca Baker Skateboards
Designer Andrew Reynolds y equipo Baker
No início dos anos 2000, enquanto muitas companhias continuavam a apostar em ilustrações complexas, a Baker encontrou grande parte da sua identidade visual em algo muito mais simples: o seu próprio nome. As tablas com o enorme wordmark BAKER tornaram-se num símbolo de toda uma geração de street skaters e ajudaram a consolidar a marca fundada por Andrew Reynolds em 2000 como uma das companhias mais influentes da sua época.
Porque importa Transformou um simples logótipo num dos símbolos mais reconhecíveis do skate dos anos 2000. Captou na perfeição o espírito do street skating do início da década — punk, directo, sem adornos — e abriu caminho a toda a geração de marcas skater-owned que viriam a seguir (Deathwish, Shake Junt e companhia).
Creature Logo
Creature Logo
Marca Creature Skateboards
Pro model (brand logo)
Designer Equipo Creature / NHS
O logótipo Creature — tipografia gótica densa com a palavra CREATURE em maiúsculas, normalmente acompanhada do símbolo da cruz invertida ou pentáculo — é inspirado diretamente na iconografia do heavy metal, no horror clássico e na cultura underground. Tem acompanhado várias gerações de riders desde o início dos anos 2000 até hoje e continua a ser um dos logos mais reconhecíveis do catálogo NHS.
Porque importa Uma das identidades visuais mais sólidas e consistentes do skate moderno. Poucas marcas mantiveram uma linguagem gráfica tão coerente durante tanto tempo sem perder relevância cultural.
Element Tree
Element Tree / Triple Eight
Marca Element
Designer Johnny Schillereff
Três círculos formando triângulo (os quatro elementos: terra, fogo, água, ar) + árvore com raízes. Estética eco-naturalista. A Element foi provavelmente a marca comercialmente mais bem-sucedida da era moderna, até à sua falência dentro do grupo Liberated Brands em fevereiro de 2025.
Porque importa Primeira grande marca de skate com iconografia ambientalista. Encarna a ala 'corporativa' do skate dos anos 2000 — polida, mainstream, acessível.
Element Section
Element Section
Marca Element Skateboards
Pro model (brand logo)
Designer Equipo Element
O Section Logo simplificou a identidade da Element em quatro elementos geométricos: árvore, água, fogo e vento. O seu design limpo e facilmente reproduzível ajudou a impulsionar a expansão internacional da marca durante os anos 2000.
Porque importa Representa a transição do skate para identidades visuais cada vez mais próximas do branding contemporâneo.
Flip HKD Logo
Flip HKD Logo
Marca Flip Skateboards
Pro model (brand logo)
Designer Equipo Flip
A Flip Skateboards relançou-se em 1994 nos Estados Unidos após os inícios da marca no Reino Unido (Deathbox, fundada por Jeremy Fox e Ian Deacon). O logótipo HKD — tipografia limpa com a sigla integrada no wordmark Flip — consolidou-se durante os anos noventa e início dos anos 2000 como a imagem oficial da marca. A época de ouro da Flip coincidiu com uma equipa lendária: Geoff Rowley, Tom Penny, Arto Saari, Rune Glifberg, Ali Boulala, Bastien Salabanzi, e os vídeos Sorry (2002) e Really Sorry (2003), referências absolutas do street skating da época.
Porque importa Uma das marcas mais influentes na transição entre os anos noventa e os anos 2000. O logo HKD acompanhou uma das gerações mais recordadas do street skating europeu-americano e continua imediatamente reconhecível para qualquer skater que viveu aquela época.
Enjoi Panda
Enjoi (panda)
Marca Enjoi Skateboards
Designer Marc Johnson / equipo Enjoi
A Enjoi foi fundada em 2000 dentro da distribuidora Dwindle, com Rodney Mullen, Marc Johnson e Louie Barletta entre as caras visíveis do projecto. A mascote da marca — um panda com expressão desajeitada — acompanhava o tom humorístico que diferenciava a Enjoi do resto do street técnico dos anos 2000.
Porque importa Um dos logos mais reconhecíveis do skate dos anos 2000, associado a uma marca com uma vontade cómica explícita.
Zero Single Skull
Zero Single Skull
Marca Zero Skateboards
Pro model (brand logo)
Designer Jamie Thomas
Jamie Thomas fundou a Zero Skateboards em 1996 após a sua saída da Toy Machine. A caveira Single Skull, desenhada pelo próprio Thomas, tornou-se no emblema central da marca a partir do final dos anos 90 e dominou a identidade visual da Zero durante toda a primeira metade dos anos 2000. O seu sucesso não se explica apenas pelo design, mas por tudo o que a marca representava naquele momento: street skating levado ao limite, parts de vídeo em hammers (Misled Youth, 1999; Dying to Live, 2002) e uma estética hardcore directamente ligada à cena punk californiana.
Porque importa Um dos ícones visuais mais reconhecíveis de toda uma geração de skaters. A caveira Zero apareceu em tablas, camisolas, stickers, mochilas e em quase qualquer superfície imaginável durante os primeiros anos 2000, numa escala comparável ao Panda da Enjoi ou ao logo da Baker dentro do mesmo período.
Zero Three Skulls
Zero Three Skulls
Marca Zero Skateboards
Pro model (brand logo)
Designer Jamie Thomas
Variante da caveira Zero com a imagem triplicada em composição horizontal, lançada no início dos anos 2000. A repetição criava uma imagem ainda mais agressiva e reconhecível do que a Single Skull original, e tornou-se numa das versões mais populares de toda a história da marca. É reeditada com frequência e aparece ainda hoje em grande parte do merchandising actual da Zero.
Porque importa Representa o momento de máxima influência cultural da Zero dentro do street skating. Para muitos skaters que cresceram durante os anos 2000, esta imagem é tão identificável como qualquer outro logo da geração Baker / Deathwish / Toy Machine.
Enquanto a Zero representava o lado mais agressivo e hardcore do street skating dos anos 2000, outras marcas estavam a explorar direções muito mais surrealistas. Nenhum artista simboliza melhor essa busca do que Don Pendleton.
Foundation Moon & Star
Foundation Moon & Star
Marca Foundation Skateboards
Designer Foundation Skateboards
A combinação de uma lua crescente e uma estrela tornou-se numa das imagens mais reconhecíveis da Foundation durante os anos noventa e início dos anos 2000. O seu design simples contrastava com as ilustrações complexas que dominavam grande parte do mercado e ajudou a construir uma identidade visual imediatamente reconhecível para várias gerações de skaters. Apareceu em boards, t-shirts, autocolantes e material promocional, acompanhando o crescimento de uma das marcas mais influentes do street skating moderno. Com o tempo, a Moon & Star acabou por funcionar como um símbolo de pertença para toda uma comunidade de riders ligados ao universo Foundation.
Porque importa É uma das imagens mais reconhecíveis da Foundation e um dos símbolos mais duradouros do street skating do final dos anos noventa e início dos anos 2000. A sua simplicidade demonstra que um gráfico não precisa de ser complexo para se tornar num ícone.
À medida que a década de 2000 avançava, as fronteiras entre skate, design, moda e arte começavam a esbater-se.
Os gráficos já não viviam apenas nas skate shops. Apareciam em galerias. Em museus. Em coleções privadas. E em colaborações com artistas de todo o mundo.
A próxima etapa desta história estaria marcada precisamente por essa mistura entre skate e arte contemporânea.
E poucos nomes são tão importantes para a entender como Mark Gonzales, Krooked e a geração que converteu o desenho espontâneo numa forma de identidade visual.
2000-2025 — Krooked, DGK, Deathwish e a era da identidade visual
À medida que os anos 2000 avançavam, o skate já não era apenas uma subcultura.
Continuava a ser uma comunidade relativamente pequena comparada com outros desportos, mas a sua influência sobre a moda, o design gráfico, a fotografia e a cultura urbana era cada vez maior.
As marcas também estavam a mudar. Algumas apostavam por uma identidade visual muito cuidada e coerente. Outras preferiam construir universos gráficos completos. E outras simplesmente refletiam a personalidade dos seus fundadores.
Poucas empresas representam melhor esta última ideia do que a Krooked.
Fundada por Mark Gonzales em 2002, a marca recuperou algo que se havia ido perdendo com o passar dos anos: o desenho espontâneo, imperfeito e profundamente pessoal.
Não parecia desenhado por um departamento de marketing. Parecia desenhado pelo Gonz. E era precisamente aí que estava a graça.
Enquanto algumas marcas apostavam pelo minimalismo, outras construíam identidades visuais profundamente ligadas à realidade dos bairros onde tinham nascido. Poucas representam melhor essa ideia do que a DGK.
DGK Money Series
DGK Money Series
Marca DGK
Pro model (team series)
Designer Equipo DGK
A DGK — Dirty Ghetto Kids — foi fundada por Stevie Williams na Filadélfia com o objetivo de representar uma realidade que quase não aparecia refletida no skate comercial da época. As Money Series utilizaram notas, símbolos de riqueza e referências diretas à ascensão social como elemento visual central. A série tornou-se rapidamente numa das imagens mais reconhecíveis do catálogo DGK e ajudou a consolidar a identidade de uma das marcas mais influentes do street skating moderno.
Porque importa Ampliou a representação cultural dentro do skate e construiu uma identidade visual inseparável da história pessoal de Stevie Williams e da cultura urbana da Costa Leste.
Krooked Eyes
Krooked Eyes
Marca Krooked Skateboards
Pro model (motivo recorrente)
Designer Mark Gonzales
Dois olhos assimétricos, entre travessos e melancólicos. Aparecem em hoodies, gorras, boards. Encarnam o humor goofy/absurdo da Krooked.
Porque importa Segundo ícone da Krooked. Modelo de como uma marca pode ter identidade sem um logo único formal.
Deathwish Gang Logo
Deathwish Gang Logo
Marca Deathwish Skateboards
Pro model (brand logo)
Designer Equipo Deathwish
A Deathwish Skateboards foi fundada em 2008 como marca irmã da Baker, com Erik Ellington, Jim Greco e Andrew Reynolds no núcleo do projecto. O Gang Logo — tipografia gótica com a palavra DEATHWISH e duas mãos a formar o gang sign característico da marca — tornou-se rapidamente num dos emblemas mais reconhecíveis da geração pós-Baker.
Porque importa Representa a evolução natural do espírito Baker na geração seguinte: estética mais crua, mais agressiva e menos polida. Define toda uma corrente do skate americano do final dos anos 2000 e dos anos 2010.
Palace Tri-Ferg
Palace Tri-Ferg
Marca Palace Skateboards
Pro model (brand logo)
Designer Fergus Purcell
A Palace Skateboards foi fundada em Londres em 2009 por Lev Tanju. O logo — três triângulos a formar um triângulo maior, conhecido como o Tri-Ferg — foi desenhado por Fergus Purcell (daí o nome), artista londrino com um longo historial em marcas como Marc Jacobs e Lucien Pellat-Finet. Lançado em 2010, o Tri-Ferg tornou-se rapidamente num dos logos de skate mais reconhecíveis do século XXI e num dos símbolos centrais do streetwear global a partir de meados da década.
Porque importa Demonstra até que ponto o design gráfico do skate influenciou a moda global. Poucas marcas de skate conseguiram cruzar tão claramente a fronteira entre o skateboarding e a cultura popular, com colaborações com a Adidas, Reebok, Stella Artois, Polo Ralph Lauren e meia dúzia de casas de luxo.
Polar Stroke Logo
Polar Stroke Logo
Marca Polar Skate Co.
Pro model (brand logo)
Designer Pontus Alv
A Polar Skate Co. foi fundada em Malmö (Suécia) em 2011 por Pontus Alv, após vários projectos anteriores — incluindo o vídeo The Strongest of the Strange. O stroke logo da marca, desenhado à mão por Alv com traço grosso e aspecto deliberadamente imperfeito, conecta directamente com a corrente naïf que Mark Gonzales abriu na Krooked. Numa época dominada por gráficos muito elaborados, a Polar encontrou força na simplicidade.
Porque importa Representa a influência crescente da Europa dentro do design gráfico do skate moderno. A estética Polar — desenho à mão, paletas reduzidas, composições quase de cartaz underground — marcou a linguagem visual do skate europeu dos anos 2010 e exportou-se para o mercado americano.
Cliché Hand
Cliché Hand
Marca Cliché Skateboards
Designer Jérémie Daclin / equipo Cliché
Fundada em Lyon, a Cliché ajudou a demonstrar que a Europa podia desenvolver uma identidade visual completamente própria dentro do skate. O seu característico símbolo da mão acompanhou durante anos alguns dos vídeos e catálogos mais influentes do continente.
Porque importa Um dos ícones mais importantes do skate europeu e precursor direto da explosão criativa que viria a seguir com a Magenta e a Polar.
Magenta Leaf / M
Marca Magenta Skateboards
Designer Soy Panday
Folha + 'M' com traço elegante, caligráfico, quase japonês-bandes-dessinées. Fundada em 2010 em Bordéus por Soy Panday e os irmãos Feil. Sem intermediários: Soy desenha tudo, Vivien trata do negócio, Jean dos envios.
Porque importa Estética 'living street' europeia. A par da Polar, redefiniu que é possível ter uma marca de skate sem nunca precisar de gritar.
Jart Logo
Jart Logo
Marca Jart Skateboards
Pro model (brand logo)
Designer Equipo Jart
Fundada no País Basco, a Jart tornou-se numa das companhias europeias mais bem-sucedidas da história do skate. A sua identidade visual simples e reconhecível acompanhou o crescimento internacional da marca durante os anos 2000 e 2010, tornando-a numa referência para várias gerações de skaters europeus.
Porque importa É um dos símbolos mais reconhecíveis do skate europeu e representa o sucesso internacional de uma marca nascida em Espanha.
Supreme Louis Vuitton Deck (2017)
Supreme x Louis Vuitton Deck
Marca Supreme / Louis Vuitton
Pro model (colecção)
Designer Supreme + Louis Vuitton
A colaboração Supreme x Louis Vuitton foi apresentada na Fashion Week masculina de Paris, outono-inverno 2017. Parte do drop foram tablas de skate com o monograma LV combinado com o wordmark vermelho da Supreme. A operação marcou o momento em que uma marca de skate e uma das casas de luxo mais antigas do mundo apresentavam juntas uma colecção na passerelle. Os preços de revenda das tablas atingiram vários milhares de dólares por unidade.
Porque importa Simboliza o momento em que o skate passou a fazer parte do mainstream global sem perder completamente a sua identidade. Fecha o arco aberto pela Supreme em 1994 (Box Logo) e deixa claro que a tabla de skate se consolidou como peça de design, luxo e coleccionismo, e não apenas como objecto desportivo.
Toy Machine Charred Cross (2025)
Charred Cross
Marca Toy Machine
Pro model (graphic manifesto)
Designer Ed Templeton
KKK encapuzado crucificado e em chamas sobre suástica partida. Manifesto antirracista. Polarizou: aplaudido por grande parte da comunidade, atacado por simpatizantes do KKK e por críticos que afirmavam que 'a mensagem está certa mas não devia ser vendida como produto'.
Porque importa A Toy Machine e Templeton continuam a ser a consciência política do skate, 30+ anos depois.
Logos cross-industry: quando o gráfico sai da prancha
Alguns designs do universo skate alcançaram presença massiva fora do próprio desporto, como roupa de rua ou iconografia juvenil. A Thrasher Magazine introduziu o seu wordmark com chamas e o lema Skate and Destroy no início dos anos 80; a cruz da Independent Trucks (introduzida no final dos anos 70 pela NHS) e o bighead da Spitfire Wheels contam-se entre os logos do skate mais tatuados na pele até hoje.
Thrasher (logo de chamas / Skate and Destroy)
Marca Thrasher Magazine
Pro model (slogan/identity)
Designer Thrasher / Kevin Thatcher (revista, 1981)
A Thrasher nasceu em 1981 (Kevin Thatcher, Eric Swenson, Fausto Vitello). O wordmark gótico de chamas e o lema Skate and Destroy tornaram-se na identidade visual mais imitada do skate: de capa de revista a patch, tatuagem e, décadas depois, camiseta de passerelle.
Porque importa Provavelmente o logo mais bootlegueado da cultura skate. Transcendeu a revista para se tornar símbolo de atitude — e, ironicamente, objeto de moda mainstream que a própria Thrasher criticou.
Independent Cross
Marca Independent Truck Company
Designer Jim Phillips
Phillips desenhou a cruz para a Independent (fundada em 1978 por Vitello, Swenson, Novak, Shuirman). Ideia original: 'surfer's cross', variante da cruz de ferro alemã pela ligação surf/skate. Inicialmente rejeitada pela associação ao nazismo, Phillips insistiu apontando o uso em cruz pelo Papa João Paulo II. Em 2022 a marca redesenhou o logo distanciando-se explicitamente.
Porque importa A par do Spitfire Bighead, o logo mais tatuado na história do skate. O seu redesign de 2022 foi um evento cultural.
Spitfire Bighead
Marca Spitfire Wheels
Designer Kevin Ancell
Cara estilizada com cabeça em chamas, olhos rasgados a preto com brilho branco, sorriso com dentes brancos exagerados, tudo em vermelho vivo sobre fundo preto. Apareceu pela primeira vez como anúncio em maio de 1992. A Spitfire foi fundada em 1987 por Jim Thiebaud sob a Deluxe.
Porque importa Uma das imagens mais reproduzidas na história do skate. Cosida em sweatshirts, tatuada, pintada em bowls DIY por todo o mundo. Encarna a energia da DLXSF.
DC Star Logo
Marca DC Shoes
Pro model (brand logo)
Designer Damon Way / Ken Block (equipo fundador)
Fundada em 1994, a DC Shoes cresceu até se tornar uma das companhias mais visíveis de toda a indústria do skate durante o final dos anos noventa e início dos anos 2000. O seu logótipo — a característica estrela acompanhada pelas letras DC — apareceu em sapatilhas, roupa, competições, videojogos e campanhas publicitárias que alcançaram uma audiência muito superior à do skate tradicional. Durante vários anos foi praticamente impossível entrar num skatepark sem ver o logo da DC repetido dezenas de vezes.
Porque importa Poucos logos skate alcançaram tanta visibilidade global durante os anos 2000. Representa o momento em que o skateboarding se tornou numa indústria internacional de massas.
Etnies "E"
Marca Etnies
Pro model (brand logo)
Designer Pierre André Sénizergues
A característica letra E estilizada da Etnies acompanhou a expansão mundial de uma das companhias de calçado mais importantes da história do skate. Durante os anos noventa e os primeiros anos 2000 apareceu em milhões de sapatilhas, t-shirts e anúncios.
Porque importa Representa a profissionalização global do calçado skate e uma das marcas mais influentes de todos os tempos.
Ranking ao vivo dos mais votados
Vê que gráficos vão à frente
93 designs do catálogo ordenados por votos reais. Cada "gosto" move o ranking.
Ver ranking completo →- 1 Flaming Dagger 3
- 2 Iron Cross / Screaming Chicken Skull 2
- 3 Nordic Skull 2
Cinco designers que definiram a linguagem visual do skate
Vernon Courtlandt Johnson (VCJ) — designer principal do catálogo Powell-Peralta entre 1978 e 1991. Trabalha com tinta sobre papel. Estudou manuscritos medievais iluminados e simbologia esotérica. Saiu da Powell em 1991, voltou em 2011. Vende prints originais em vcjart.com.
Wes Humpston — cofundador da Dogtown Skates com Jim Muir. É-lhe atribuído ter sido o primeiro a desenhar à mão sobre pranchas produzidas em série, a partir de 1976. Gere a Bulldog Skates desde 1995.
Jim Phillips — diretor artístico da Santa Cruz desde 1975. Com background em cartazes de rock psicodélico dos anos 60. Autor da Screaming Hand e de boa parte do bestiário da Santa Cruz. Três livros publicados entre 2003 e 2007. Entrou no Skateboarding Hall of Fame em 2017. O seu filho Jimbo Phillips continua a atividade.
Marc McKee — artista principal da World Industries e da Blind nos anos 90. Com background em BMX flatland (Skyway). Criou as mascotes Devilman, Flameboy e Wet Willy. Publicou The Art of Marc McKee em 2011.
Sean Cliver — artista paralelo a McKee na World/Blind. Publicou em 2004 Disposable: A History of Skateboard Art (Gingko Press), considerada obra de referência na área. Depois produziu Jackass, Wildboyz e Bad Grandpa com Jeff Tremaine.
Mark Gonzales — pro skater desde 1984 (Vision). Cofundador da Blind (1989) e da Krooked (2002). A Transworld Skateboarding nomeou-o o skater mais influente da história em 2011. Carreira paralela como artista contemporâneo: zines, livros publicados com a Drag City, exposições em Tóquio, São Francisco, Nova Iorque, Paris e Berlim. Cria para a Supreme desde 2011.
Evolução técnica da impressão
A técnica de imprimir um gráfico sobre uma prancha curva mudou nas cinco décadas que este artigo cobre. A linha temporal seguinte resume os grandes saltos:
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Madeira lisa + autocolantes / logo em chapa
Tábuas Logan, Sims, Hobie. Serigrafia de uma cor no máximo. A tábua é equipamento desportivo, não objeto gráfico.
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Imagem transferida por calor
Degradava-se rapidamente com o uso. Powell-Peralta usou-o até meados da década antes de passar a serigrafia estável.
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Serigrafia 2-4 cores spot
A linguagem visual moderna do skate desenvolve-se aqui. Tábuas de 10 polegadas ou mais com composição full-bottom. Linhas finas e massas pretas adaptadas ao limite técnico.
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Serigrafia full-color
Nível máximo atingido em serigrafia sobre madeira curva. Coincide com o final da era pré-crash.
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Serigrafia limitada em formato estreito
As tábuas afinam para 7,5-8 polegadas. As extremidades desgastam-se em cada slide, por isso os gráficos centram-se e os cartoons substituem as composições heráldicas.
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Heat transfer digital
Permite imagens full-color fotográficas, mas com menor durabilidade que a serigrafia tradicional.
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Litografia + serigrafia premium + madeiras alternativas
Edições limitadas, colaborações com galerias de arte, bambu e bétula báltica. A tábua entra plenamente no mercado do colecionismo.
Leituras e fontes
- Cliver, Sean. Disposable: A History of Skateboard Art. Gingko Press, 2004.
- Phillips, Jim. The Skateboard Art of Jim Phillips. Schiffer Publishing, 2007.
- McKee, Marc. The Art of Marc McKee. Gingko Press, 2011.
- Entrevistas a VCJ na Juice Magazine.
- Cobertura editorial da Jenkem Magazine e da Thrasher para os períodos posteriores a 2010.
Se quiseres continuar a aprofundar o tema, no dicionário de skate estão definidas as palavras técnicas que aparecem aqui (deck, pro model, slide, popsicle, vert), e em a história completa do skate está o contexto cronológico da disciplina.
Esta lista não é definitiva
A esta altura é evidente que a história dos gráficos de skate não terminou.
Continuam a aparecer novas marcas, novos artistas e novas ideias todos os anos. Algumas desaparecerão com o tempo. Outras acabarão por se tornar em clássicos. E certamente daqui a vinte anos haverá debates tão apaixonados sobre os gráficos atuais como os que hoje existem à volta da Powell, da Santa Cruz ou da World Industries.
Por isso esta lista nunca poderá ser considerada definitiva. É simplesmente a nossa seleção de alguns dos gráficos que mais gostamos, mais nos influenciaram ou nos parecem mais importantes dentro da evolução do skateboarding.
E agora és tu.
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Comentários
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